Dracula de Bram Stoker, de Francis Ford Coppola

Johnathan Harker es mandado a Transilvania para visitar al misterioso Conde Drácula y venderle una propiedad en Londres. En su estancia el joven descubrirá que su anfitrión es un vampiro, una criatura diabólica de la noche, pero no podrá hacer nada para impedirle ir a Londres, quedando él cautivo. A su llegada a Londres, Drácula sentirá un deseo hacia Mina, la prometida de Harker, y comenzará a matar a todo el que se ponga en su camino para impedirselo, como el viejo profesor Van Helsing.

Ópera erotico-sangrienta sobre el amor

La película no es sino un festín para los sentidos en donde se dan lugar el sexo (lujuria), el terror, y el amor en todo su esplendor, consiguiendo así la más fidedigna adaptación de cuantas se han realizado de la novela de Stoker (junto con Nosferatu de Murnau, como el mismo director menciona).
Para comentar la obra de Coppola iré diseccionando cual profesor Van Helsing los momentos más relevantes del film.

-Prologo: la película comienza con una introducción al personaje de Drácula, conocido como el príncipe Vlad, mediante la voz en off de Van Helsing (cosa a tener en cuenta como posteriormente comentaré). En al año 1462 Constantinopla había caído poniendo en peligro la cristiandad, fiel reflejo de esto es el plano de la cruz cayendo y rompiéndose en pedazos. De Rumania aparece la última esperanza, un caballero de la orden del dragón (Dracul) que lucha en nombre de Dios y será su defensor en la tierra, el brazo armado de Drácula aparece por primera vez sobre el mapa forjando su espada. El caballero, tras despedirse de su amada Elizabetha, parte a la batalla. Coppola nos muestra la guerra bañada por fuego y un cielo rojo sangre (muy habitual a lo largo del film), con las figuras de los soldados a contraluz, en especial la de Drácula empalando a un soldado, con la música de Kilar in crescendo de coros apocalípticos. La escena concluye con un sinfín de enemigos clavados en lanzas y Drácula besando la cruz de la iglesia y recordando a su amada. A su regreso descubre que Elizabetha se ha tirado al río y ha muerto, magistralmente planificada y volviendo a utilizar la voz en off de ella, su reflejo en la carta mientras relata los hechos y se ve caer es poética, con un leve coro acompañando el momento. El alma de ella no tiene salvación, está condenada. Lleno de ira, el príncipe rumano renuncia a Dios clavando su espada en medio de la cruz de la cual brotará sangre incesante. Cogiendo un cáliz, Drácula bebe la sangre, “La sangre es la vida” sentencia. La secuencia es una autentica sinfonía trágica con la capilla sangrando y Drácula atormentado tras haber renunciado a su alma y condenándose a vagar en las tinieblas, frente al cadáver de su amada. Un inicio absolutamente impactante y sobrecogedor que nos atrapa. ¡Y solo es el prologo que dura 5 minutos!

-Londres 1897: Tras el impresionante prólogo Coppola nos traslada a un Londres cubierto por la niebla, y más concretamente al asilo Carfax en donde nos presentará a Renfield, un hombre desequilibrado, doblegado por el señor de las tinieblas y que se alimenta mediante insectos. El director nos lo presenta con un plano fijo en picado, mostrándonos su bajeza ante su señor. Posteriormente nos presentará a dos de los más importantes personajes, Johnathan Harker y su prometida Mina (personaje clave del film). Pareja de amantes que quiere casarse una vez él tenga un lugar destacado en la empresa para la que trabaja, la cual lo envía a cerrar el trato que comenzó Renfield en Transilvania de una venta de propiedad para el Conde Drácula. Mientras Mina se mueve por la pasión y el amor, su prometido Johnathan quiere una relación mucho más formal. La hermosa e idílica escena entre ambos se cierra con unas plumas de avestruz tapándonos la vista de los amantes y realizando con la mancha de una pluma un encadenado (recurso frecuente en el film) con la salida hacía el exterior de un túnel, transportándonos a los Carpatos, con la música evolucionando a una melodía inquietante.

-Harker y Drácula: Aquí nos encontramos con una clara referencia a la novela de Stoker, el uso de los diarios, durante su viaje y posterior estancia Harker nos irá relatando sus vivencias. A medida que se va acercando a su destino en el tren el cielo se sonroja cada vez más apareciendo en él los ojos de Drácula (Coppola nos advierte que el mal está al acecho). Su llegada al camino de Borgo es un homenaje al film de 1922 de Murnau. Harker baja del carruaje, con sus acompañantes deseándole buena suerte y que Dios le acompañe (una gitana le da un crucifijo). El momento en que se queda solo es escalofriante, con una tenebrosa ambientación y lobos merodeando (al igual que en Nosferatu). No menos escalofriante y fantasmagórico es la aparición del carruaje que recoge al joven, entre la neblina, lentamente, llevado por caballos negros gobernados por un extraño cochero que hace subir con su brazo al aterrado Johnathan. A la llegada del castillo, que se nos presenta como gobernante de las montañas, Harker quedara en la puerta apareciendo Drácula, cuya primera muestra es su sombra en clara referencia a la película de 1922, dando paso a la imagen de un anciano decrepito y absolutamente pálido, quién le dirá que ha de entrar por su propio pie en el castillo, todo esto con sonidos fantasmagóricos que cesan una vez el joven pone el pie en el castillo. En la cena, el Conde mostrará el orgullo de su raza e inquietará al visitante. Un momento clave del film es cuando ve el retrato de Mina, su mirada se calva en ella como si hubiera visto un fantasma, en cuanto se entera de que Harker va a casarse con ella su sombra muestra el verdadero sentimiento del anciano (estrangularle) mientras en cuerpo le da la enhorabuena. Para su desgracia el joven Harker tendrá que pasar un mes en la residencia del joven, la escena concluye de manera magistral con Drácula marchándose abriendo su capa y envolviendo a Johnathan entre las tinieblas (su mundo).

-El sexo: Frecuente en toda película de vampiros que se precie y en la obra de Stoker por supuesto, el mero hecho de que los vampiros muerdan en el cuello y de que atraigan a sus victimas a través del placer es prueba de ello. Como menciona Van Helsing en su primera aparición, el vampirismo se puede relacionar con la sífilis (asignatura que está explicando en su primera aparición en pantalla), pues ambas se contraen a través del sexo. En el film hay dos secuencias remarcables. La primera la aparición de las novias de Drácula a Harker, mientras el joven está caminando por el castillo unas voces extrañas lo llaman y lo conducen a una habitación en donde se tumbará en la cama. De manera sobrenatural irán apareciendo cada una de las diabólicas concubinas que atacarán al joven de forma placentera (el joven experimentará de igual manera el dolor y el placer). La secuencia es erótica a más no poder con planos detalle muy sugerentes (los besos de las novias, el lametón en el pezón de Johnathan, la mirada de una de ellas) que termina con la aparición de Drácula quien afirma en un primer plano memorable que “Si. Yo también he amado. Y volveré a amar otra vez” tras la insolencia de una de sus siervas culpándole de que él no sabe que es el amor. La segunda secuencia altamente erótica es el primer ataque a Lucy, la amiga de Mina. Personaje de alta sensualidad desde su primera aparición (no en vano es pelirroja y en más de una ocasión aparece vestida de rojo), y cuyo primer encuentro con el vampiro será en los jardines, bajo la tormenta, protagonizando una escena de sexo con la imagen de drácula en forma de hombre-lobo, siendo descubierta por Mina, quien se queda atónita ante tal visión (¿Y quien no?).

-La llegada a Londres: Composición francamente magistral. De nuevo vuelve a aparecer una voz en off (la de Van Helsing) que relata los hechos acontecidos en el barco en que viaja el Conde. A medida que se va acercando a Londres todo se irá derrumbando. La puesta en escena es antológica y vuelve a homenajear el film de Murnau con el acercamiento del barco a la ciudad. Coppola en todo este tramo no deja de mover la cámara, dando inestabilidad, reforzado con la terrorífica música de Kilar (Lucy y Mina en el jardín; Renfield gritando en el manicomio; Dr. Seward drogándose; un lobo escapando del Zoo).

-Lucy (Deseo): Como he mencionado es la mejor amiga de Mina. Creo que he de hablar de ella a parte pues representa el deseo de Drácula, su alimento. La ataca tres veces, la primera, mencionada anteriormente, a su llegada. El segundo ataque coincide con la llegada de Van Helsing, en su forma de sombra (de nuevo homenaje a Murnau) Drácula se ha alimentado por segunda vez de la sangre de la joven, saliendo por la ventana su sombra goteando sangre (gran puesta en escena). Poco a poco La joven irá cambiando y sintiéndose más debilitada, con un deseo incontrolable de alimentarse (tremendo el plano del cuello de uno de sus pretendientes a cámara lenta y la vena latiendo). A pesar de los esfuerzos de Van Helsing y los hombres, Drácula concluirá su vampirización de la joven con un tercer ataque mortal, esta vez en forma de lobo y lleno de odio, pues Mina se ha ido a casar con Harker. La secuencia es demoledora, alternándola con el casamiento, vemos como a la par se levanta una tempestad y el lobo, desde una vista subjetiva y destrozando todo a su paso (las flores se marchitan, los hombres caen), entra en la habitación y succiona hasta la última gota de sangre de la chica. La escena no podría concluir de forma más sanguinaria, con la habitación empañándose completamente de sangre (¿homenaje a “El Resplandor”?).

Van Helsing: La Némesis de Drácula. Este hombre, profesor de ciencia, es un sabio conocedor del mundo vampirico. En la película es un hombre inteligente, con un sentido del humor cínico (el momento en que relata como le cortaron la cabeza a Lucy mientras saborea un buen filete). Posee la misma sangre fría que la que gasta Drácula por sus venas. Su obsesión por destruirlo es tal que pondrá en peligro muchas vidas, incluida la suya, a pesar de que sienta admiración por él lo trata como el mal del siglo, la enfermedad más grande que jamás haya pisado la tierra.

La tumba de Lucy: Una de las secuencias más terroríficas del film. Tras la muerte de la joven, el profesor Van Helsing pide a Seward, Quincy y Holmwood que le acompañen a poner paz en la vida de Lucy que ahora vaga en las tinieblas. Al llegar al mausoleo de la chica, abren el ataúd y descubren que no está. Ha salido de caza. Su aparición en escena es de las que ponen los vellos de punta, vestida completamente de blanco, con labios rojos, y con un niño en sus brazos. La joven intentará seducir a Holmwood acercándose poco a poco, hasta que aparece de repente en escena la cruz (por un lateral) portada por el profesor. En ese momento comienza lo que es un homenaje a “El Exorcista” de Friedkin. La chica se mete en el ataúd, mientras Van Helsing pronuncia palabras religiosas la vampira sale y le escupe sangre (¿Os suena de algo?). Para finalizar, Holmwood, su prometido, es el encargado de atravesarle el corazón con una estaca, para posteriormente separar su cabeza del cuerpo. Una secuencia absolutamente memorable.

Mina (Amor): Personaje crucial. Luz de todas las luces. Ella es Elizabetha reencarnada, a la cual Drácula ama por encima de todo. Su primer encuentro no podría estar mejor presentado. Tras morder por primera vez a Lucy, y adquiriendo una apariencia humana elegante y misteriosa, se nos presenta a Drácula caminando por la calle con imágenes tomadas por un cinematógrafo antiguo, y no es por casualidad. En la calle anuncian el mayor invento del siglo: el cinematógrafo. Siguiendo a Mina, Drácula se excusa tras tropezar con ella y le pide por favor que le indique donde se encuentra tan brillante invento. La joven, esquiva al principio, decide acompañarle tras conocer su condición de príncipe. En el cinematógrafo Mina se asustará y él la llevará casi flotando hasta un rincón en donde la hipnotizará y la preparará para morderla. Drácula se alza hasta quedar en primer plano con los ojos inyectados en sangre muy abiertos y los colmillos saliendo, “He cruzado océanos de tiempo para encontrarte” le dice (Frase mítica en la historia del cine). La va a morder pero se detiene, contempla su rostro y se echa para atrás. Ella no es una más, es el mayor amor de su vida y como reza el cartel de la película “El amor nunca muere”. Tras esto Mina huirá del extraño hasta que este la salve de la presencia de un lobo, y entre ambos se cree una conexión de afecto desde ese momento. El segundo encuentro entre ambos será en una cena, Mina ha pensado en él y visualiza el país en que vive a la perfección, incluyéndolo a él y a la princesa que cayo al río. No hay duda, es Elizabetha reencarnada. Drácula se acerca a ella y recoge una lagrima de su mejilla convirtiéndola en un diamante, con él ella se siente bien, completa, y no le tiene miedo. Su último encuentro es mi escena favorita, dicho sea de paso. Mientras Van Helsing, Johnathan y el resto destruyen las cajas que contienen la tierra de Drácula y le da poder, este va a visitar a su amada. Entrando en la alcoba en forma de humo verde, se materializará y aparecerá junto a ella en la cama. Entonces será cuando él le diga quien es, el hombre que ha atemorizado a todo el mundo, la pesadilla del hombre. Aunque lo golpee sin piedad ella no puede negar lo que siente, lo ama por encima de todo. Planificada como si de un tragedia shakesperiana se tratara, Mina le pide que la lleve con él, quiere convertirse en lo que es él, a lo que él responde que no está dispuesto a condenarla (¡¡¡sorpresa!!!). Drácula en ningún momento nos lo hemos imaginado perdonando la vida, y menos a una mujer, y aquí por amor se niega a morder a la mujer que más desea en el mundo. Tras las suplicas de ella, el vampiro accede, cortándose en el pecho y lamiendo ella de él (erotismo en estado puro). Pero aquí no acaba todo, porque serán interrumpidos por los cazadores capitaneados por Van Helsing. Otra escena para recordar. Entran en la habitación y no hay nadie. De repente el vampiro se muestra asustando a todo el mundo (no conozco a nadie que no se le haya puesto el vello de punta ahí), en su forma más diabólica, maldiciendo a Dios, que le ha condenado a vagar de noche toda la eternidad tras haber luchado por su iglesia hace siglos, e incluso prendiendo fuego a la cruz con su aliento en una escena absolutamente terrorifica. Una secuencia completamente perfecta en donde en un mismo espacio filmico se dan lugar el amor, el deseo y el más absoluto terror.

El final: Perfecto. Así defino el tramo final. Las novias atacan a Van Helsing, quien defiende a Mina rodeándola con un circulo de fuego. De nuevo los recursos clásicos, como son la utilización de las sombras cuando ellas matan a los caballos y el montaje a través de encadenado desde el circulo de fuego hasta el radiante sol, vuelven a hacer su aparición. Después ocurre la escena de más acción del film, los cazadores tras el carruaje de Drácula evitando que llegue a su castillo mientras Mina realiza brujería para que el sol se ponga, Coppola va mostrando poco a poco como el sol va poniéndose a medida que el carruaje se acerca a su destino y los cazadores intentan destruirlo, el montaje en paralelo crea una atmosfera de absoluto suspense. El momento final es intimo y trágico. Tras recibir un corte en el cuello por parte de Harker y comenzar a desangrarse, Drácula será llevado por Mina al interior del castillo, al mismo lugar donde comienza la película. En su forma vieja y decrepita Drácula le pide que le traiga la paz, a lo que ella accede entre llantos y dándole un beso de despedida (el beso más gore que he visto en años), le clava la espada en el corazón y el Conde vuelve a su imagen real, la del príncipe Vlad, acompañado por un coro celestial. La cruz que un día fue herida por su espada, y cuya sombra cae en su rostro, se cura, curándose también el corazón de Drácula y volando al cielo a reunirse con su amada (el plano final es simplemente apoteósico mostrándonos el dibujo de la cúpula con Drácula y Elizabetha volando entre las nubes).

Dirigida por Francis Ford Coppola (creador de la Obra Maestra, y mi película favorita, “El Padrino”), quien demuestra un uso magistral del lenguaje cinematográfico y sus recursos, con una puesta en escena única e incomparable, predominando los escenarios góticos, fotografia fantasmagorica y tenebrista y una fuerza visual como pocas veces se han visto en la pantalla. La música de Wojciech Kilar es una de las espinas dorsales del film, dotando a las imágenes de más fuerza si cabe y con temas terroríficos, “The Storm” por ejemplo, y coros sobrenaturales. El vestuario es perfecto, así pues por ejemplo la primera aparición de Drácula es con una larga capa roja con dos dragones dorados a cada lado (pertenece a la dinastia de los dragones), mientras que en su primera aparición publica ante Mina viste de manera clara y elegante.
El reparto está formado por Gary Oldman como Drácula, consiguiendo la más trágica de las representaciones del personaje y dándole diversos matices (no en vano Drácula se muestra de diferentes formas y el actor tuvo que someterse a largas sesiones de maquillaje), el actor está fabuloso y es su interpretación más memorable para mi gusto; Winona Ryder es Mina, a la que transmite dulzura y delicadez, además de erotismo cuando debe (le escena con Van Helsing), y con muy buena química en pantalla con Oldman (según comentarios ambos se llevaban a matar); Anthony Hopkins es Abraham Van Helsing, papel que el actor brítanico bordo de manera prodigiosa tras ganar su Oscar; Keanu Reeves como el joven Johnathan Harkes, uno de sus primeros papeles importantes; Richard E. Grant como el Dr. Seward; Gary Elwes como Holmwodd; Bill Campbell como Quincey P. Morris; Sadie Frost como la ardiente Lucy; y Monica Bellucci como una de las novias de Drácula (¡¡quién fuera Keanu Reeves en esa escena!!).
La película consiguió tres Oscars correspondientes a Vestuario, Maquillaje y Efectos Sonoros, además del premio Fotogramas de Plata a Mejor Película Extranjera en el año 1992.
Mencionar la bella canción de Annie Lennox “Love Song for a Vampire”, la cual es un tema clásico desde el estreno del film y cuyo titulo no puede ser más adecuado con referencia a la película.
Con esto finalizo mi comentario de esta obra, Oda de Amor al vampiro más famoso de la historia de manos del inigualable Coppola.
9,5/10

BSO de la semana: Dead man´s chest/Da Vinci code

Hoy comentaré dos composiciones del mismo autor: Hans Zimmer, compositor responsable de notables composiciones como "The Lion King", "BackDraft", "Thin Red Line" o "The Last Samurai" y de otras conocidas como "Gladiator" o "Batman Begins".

Pirates of the Caribbean: Dead Man´s Chest:Aqui tenemos el lado oscuro de Zimmer. Composición a ritmo de MediaVentures (firma que él creo y que tiene a miembros como Trevor Rabin o Klaus Badelt), con música de pum-pum sin freno. Los temas principales (Jack Sparrow) son extensiones de la primera parte que según cuentan creó el propio Zimmer y luego firmó Badelt. El compact termina con una versión del tema principal a ritmo de discoteca por DJ Tiesto (muy apropiado). Sin embargo no todo es abominable en el cd, los temas "Davy Jones" con un inicio a caja de música que va in crescendo hasta terminar en coros épicos y el largo track "Hello Beastie" marca de la casa Zimmer, y autentico tema a remarcar con final apoteósico que ensalza una de las escenas cruciales del film. Aún asi estamos ante una floja composición refrito de la primera parte en que Zimmer se autoplagia.

2/5

The Da Vinci Code: Aqui tenemos al mejor Zimmer, el siniestro, el que ya apareció en "Hannibal" y "The Ring". Composición de corte misterioso en donde el compositor da lo más de sí mismo sorprendiendonos. El cd está lleno de temas donde predominan los coros y el violín, como en "Malleus Malificarum" o "Daniel´s 9th Cipher", o donde el violin hace su fuerte aparición de manera chirriante como puede ser cuando Silas se flagela "The Pascal Spiral". Conteniendo temas épicos con gran energía como pueden ser "The Citrine Cross", tema in crescendo con un inteligente uso de los coros y, sobre todo, el tema estrella del film con el que acaba la película, el impactante "Chevaliers De Sangreal", magnifico tema que acompaña al protagonista por las calles de Parías hasta llegar al Louvre y arrodillarse. Una de las mejores Bandas Sonoras del año.

4,5/5

Nosferatu: Una sinfonía de terror, de F.W. Murnau

1838. El joven alegre Hutter se dirige a Transilvania para zanjar la venta de una propiedad al misterioso Conde Orlok. Pronto descubrirá que dicho personaje es un ser diabólico que se alimenta de sangre humana y que se dirige al pueblo de Viborg con sus ataudes llevando con él la sombra del mal.

Primera película importante sobre vampiros realizada por el alemán Friedrich Wilhelm Murnau en 1922. Como se puede ver nada más leer el argumento es que estamos ante una versión de Drácula de Bram Stoker. Debido a que no consiguieron los derechos de la novela tuvieron que cambiar los nombres de los personajes y los lugares, así pues Drácula pasaba a ser Orlok, Harker es Hutter, Mina es Elle, Reinfield es el agente inmobiliario Knock que manda a Hutter a cerrar el negocio, y Van Helsing no es más que un ser anecdótico llamado Bulwer, especializado en plantas carnívoras. El resto tiene la esencia de la novela de Stoker.
El film comienza cuando el joven Hutter es mandado a Transilvania por su jefe, el agente inmobiliario Knock, un hombre que desde el principio se nos muestra desequilibrado. A pesar de que su novia tiene miedo de dicho viaje, Hutter se pone en camino. Murnau nos muestra el viaje a través de paisajes naturales, con grandes montañas, pero poco a poco nos muestra una atmósfera más inquietante como la aparición de los lobos o el tétrico carruaje que recoge a Hutter hasta llevarlo al castillo. A su llegada conocerá al extraño Conde, un ser escalofriante y misterioso que lo invita a su castillo. Durante su estancia Hutter comenzará a temer cada vez más a Orlock, hasta que descubrá que es un vampiro. Murnau juega maravillosamente con las imágenes en este momento cuando Hutter se encierra en su cuarto y Orlock se va acercando poco a poco a la habitación hasta entrar y su sombra se cierna sobre el joven.
Tras esto, el Conde se pondrá rumbo a Viborg en un barco, el cual estará sumergido en una atmosfera escalofriante, y donde poco a poco iran muriendo los marineros hasta no quedar más que el capitán. Aquí Murnau nos sorprende en dos momento. Primero cuando un marinero baja a la bodega y se le aparece Orlock, simplemente escalofriante. Después cuando Orlock sale a cubierta y camina sobre ella en un contrapicado fenomenal.
La llegada del barco a Viborg está muy conseguida, mostrándonos al mismo tiempo los hechos acontecidos en la ciudad que está siendo empañada por el mal (epidemias, peste), además de la locura sin extremo de Knock que escapa del psiquiátrico.
A su llegada, Orlock caminara con su ataúd por el pueblo hasta llegar a su morada y acechar a la joven Ellen, quien será la única cura para las enfermedades del pueblo. El momento final, en que Orlock muerde a la joven y amanece es simplemente magistral, todo un alarde de planificación escénica. Orlock esta mordiendo a la chica, el gallo canta, el Conde se levanta lentamente reconociendo que está amaneciendo, se acerca asustado a la ventana y se desintegra por los rayos del sol.
El plano final es maravilloso. Con la puerta abierta, Hutter llega junto a su amada que muere entre sus brazos, para ocultarnos ese doloroso momento un personaje se pone en la entrada de la habitación tapándonos la vista. Simplemente elegante.
Uno de los aciertos del film es el maquillaje de Orlock, todo un icono dentro del cine de terror. Con orejas puntiagudas, dientes afilados como una rata, manos alargadas, cejas gruesas y ojos grandes, es todo un triunfo. Según se cuenta en la película “Shadow of the vampire”, el actor Max Schreck era realmente un vampiro y esa era su apariencia, pero es solo una versión, lo cierto es que el actor realizo después más películas.
La puesta en escena de Murnau es asombrosa como he comentado, consiguiendo así una de sus Obras Maestras en el cine. La fotografía esta muy conseguida, aunque en esta época lo que se hacia creo que era pintar los planos o utilizar filtros (no estoy seguro), así pues cuando se esta en un ambiente tranquilo y familiar se utiliza el amarillo (cuando Hutter y Ellen están juntos) , mientras que el azul se utiliza para momento inquietantes (la llegada del barco al pueblo) , y el rojo para mostrar el cielo sangriento.
Al ser una película muda del año 22 no puedo comentar la música, pues esta se ha compuesto en más de una ocasión para el film, sin tener idea de cómo era la del año de producción del film.
Para finalizar mencionar que Werner Herzog realizó un notable remake en el año 1979 protagonizado por su actor fetiche Klaus Kinski e Isabelle Adjani, solo que en dicho remake los personajes tenían los nombres de la novela de Stoker.
Joya del cine mudo, todo un triunfo del séptimo arte y magistral film basado en la novela de Stoker.

9/10

The Hunchback of Notre Dame, de William Dieterle

Quasimodo es el campanero de Notre Dame, un ser deforme y feo, con una enorme joroba. El día de los locos es nombrado rey y conocerá a la joven gitana Esmeralda, de la cual se enamorará. Mientras tanto en París comienza a conjurarse una revolución contra los nobles por parte de Clopin, jefe de los ladrones, y Gringoire, un escrito idealista que se casa con Esmeralda. El magistrado Frollo será su principal enemigo, maldiciendo inventos como la imprenta, y sintiendo un deseo irresistible hacia Esmeralda, a la que acusará de brujería.

Adaptación de la célebre novela de Victor Hugo realizada en el año 1939 de la mano del director alemán William Dieterle. La obra ha sido adaptada en más ocasiones con más o menos suerte. La versión muda protagonizada por Lon Chaney en 1922, una version protagonizada por Anthony Quinn y Lila Lollobrigida en 1956 y la versión animada de los estudios Disney son las más remarcables, siendo esta última un magistral remake-homenaje a la que ahora nos ocupa.

La película comienza cuando el Rey Luis XI está junto con Frollo viendo un nuevo invento, la imprenta, por el cual el pueblo podrá leer al igual que los nobles. Mientras que al Rey le parece un invento revolucionario al magistrado le parecerá un invento del diablo. Ese mismo día se celebra la fiesta de los locos, en donde se juntan en la plaza de Notre Dame todo el pueblo para conmemorar dicho evento, sin embargo les estará prohibida la entrada a los gitanos. Esmeralda, una joven gitana conseguira entrar y bailar para el Rey. En ese momento se nombrará al rey de los locos, y será nombrado Quasimodo, el horrible campanero de la catedral, hacia el que Esmeralda sentira terror. Tras esto veremos como Frollo queda prendado por la joven, la entrada en la corte de los milagros, la historia de amor entre Esmeralda y Foebus, y la revolución que se crea en la ciudad.

Con un tremendo cuidado en la ambientación el director alemán consigue una obra realmente poderosa y sobrecogedora con secuencias como la de la fiesta de los locos (como con unos pocos detalles se ve en realidad como dicha fiesta sirve para que los ladrones campen a sus anchas), la entrada de Esmeralda en la iglesia arrodillandose frente a la virgen, el castigo hacia Quasimodo y cómo Esmeralda le da agua (magistral), la entrada en la Corte de los Milagros con ese juego de luces subliminal y mostrandonos como los tullidos en realidad no lo son, el momento en que el jorobado salva a la chica y reclama el derecho a Sagrado. Una puesta en escena magnifica, perfectamente llevada en todo momento y con una música compuesta por el legendario compositor Alfred Newman.

El elenco interpretativo no se queda atrás. Maureen O´Hara interpreta brillantemente a la joven Esmeralda, quien no busca más que la libertad de que su pueblo camine libremente por la ciudad y que se enamora del capitán Phoebus; Sir Cedric Hardwicke como el magistrado Frollo, hermano del arzobispo de la ciudad, azote de los gitanos y ladrones, que sentirá un fuerte deseo hacia Esmeralda, llevando incluso a asesinar por ella; Edmond O´Brien como el alegre escritor y filosofo Gringoire, quien ve la palabra como la mejor arma para combatir y se enamorará de Esmeralda, casandose con ella para salvarla de la muerte; Thomas Mitchell como Clopin, lider de los ladrones y asesinos, al contrario que Gringoire, ve que la mejor arma para combatir es la fuerza.

Para el final dejo a ese monstruo interpretativo que es Sir Charles Laughton, el cual realiza una magistral interpretación como Quasimodo, consiguiendo la mejor personificación que se ha hecho jamás del personaje. Quasimodo transmite ternura y compasión al espectador, su humanidad es tan grande como la catedral en la que vive. Laughton realiza un trabajo con el cuerpo y la mirada antologicos, la cantidad de cosas que transmite sin decir apenas una palabra. Su escena final junto a la górgola es realmente emocionante citando la mejor frase de la película. Como he citado anteriormente Disney realizó en el año 1996 la Obra Maestra de animación del mismo titúlo y no es de extrañar que su Quasimodo tenga tantisimas cosas en común como el de Laughton, entre ellas el físico.

Magnifica adaptación de la obra de Hugo con un sobrecogedor Charles Laughton.

8,5/10

Muerte entre las flores, de los Hermanos Coen

Tom Reagan trabaja como hombre de confianza para el gran jefe Leo O´Bannon en la época de la prohibición. Cuando Leo rompa relaciones con otra de las personas más influyentes de la ciudad, Johnny Caspar, Tom tendrá que intereferir entre ambos bandos para evitar una guerra, mintiendo y entrando en una encrucijada de la que no sabe si podrá salir.

Magnifica película de cine negro de mano de los Coen. Creando un guión perfectamente trazado y jugando con todos los elementos que caracteriza al genero consiguen una de sus mejores obras.

Tom Reagan es un personaje inteligente, que sabe jugar sus cartas en cada momento, poniendo el dedo en la llaga más de una vez. Mantiene una relacion con Verna, amante de su jefe, la cual suplica que protejan a su hermano Bernie. Tom se negará a protegerlo pues él es la causa por la cual comienza la guerra entre O´Bannon y Caspar, pero cuando las cosas se compliquen y Leo descubra la infidelidad de Verna, Tom se unirá a Caspar. Una de las cosas que más me gustaro y que es un signo de identificación es el amor que le tiene Tom a su sombrero, la mejor frase para definirlo sería "erase un hombre pegado a un sombrero". Para Tom su sombrero es su vida, lo que le identifica, no es de extrañar que el film comience con los titulos de credito protagonizados por un sombrero en un paisaje otoñal.

Los Coen saben tejer una tela de araña y mostrarnos los intereses de distintos personajes, y como cambian de bando continuamente (el alcalde y el jefe de policía). Leo O´Bannon es una persona dura, fuerte, y con voz de mando, pero por una mujer se verá inmerso en ese enfrentamiento. Como es habitual en el género, la mujer fatal tambien está presente aqui, siendo objeto de deseo de Tom y Leo, y provocando la guerra.

El titulo original del film "la encrucijada de miller" hace referencia al paseo del bosque donde llevan a matar a las personas, aunque se puede entender con un doble sentido, entendiendola como la encrucijada en donde se ha metido Tom y de la que no puede dar marcha atrás.

La película esta muy bien dirigida, orquestada como si de una ópera se tratase, donde la violencia se muestra en su estado más crudo y con especial cuidado en la puesta de escena (cuando el niño descubre el cadaver; el ataque a Leo en su casa, magistral). Con una magnifica fotografía de Barry Sonnenfeld (director de "La Famila Addams" o "Men in Black"), y una banda sonora inolvidable compuesta por el habitual de los Coen, Carter Burwell.

El reparto está formado por un inmejorable Gabriel Byrne como Tom, componiendo uno de sus mejores papeles con una mirada gelida (soberbio su ultimo primer plano que cierra el film); Marcia Gay Harden como Berna, la chica del film, mujer fatal; Albert Finney como Leo, soberbio jefe mafioso, regente de un club, y cuya amistad con Tom se verá rota por Verna; Jon Polito como Caspar, hombre que mueve el juego en la ciudad, y obsesionado con la ética y con los valores que esta mueve; John Turturro (en su primera colaboración con los Coen) como Bernie, hermano de Verna, ratero, y razón por la cual Caspar y Leo se enfrentan; Steve Buscemi (otro habitual en el cine de los Coen) en el breve papel de Mink.

Muy buen film de cine negro, y de las mejores obras de los Coen.

8/10

BSO de la semana: The Village

The Village de James Newton Howard: Maravillosa Banda Sonora para la película de Shyamalan. Newton Howard compone una música hermosa predominando el violín y la flauta para describir a los habitantes del pueblo y sobre todo a los protagonistas y su relación de amor, mientras que utiliza elementos de percusión para los momentos de tensión con lo que crea una atmósfera inquietante. Momento magistral en el fim el conseguido cuando Joaquin Phoenix le coge la mano a Bryce Dallas Howard, la música hace una variación del suspense e inquietud al romanticismo desbordante. Cuarta colaboración del compositor con el director hindú tras "Sixth Sense", "Unbreakable", "Signs", y previa a "Lady in the water". Por esta composición Newton Howard fue nominado al Oscar.

Magnifica banda sonora para un film notable, de mano de uno de los mejores compositores actuales.

5/5

Van Helsing, de Stephen Sommers

Van Helsing es un cazador de monstruos que trabaja para la iglesia en secreto. Su nueva misión será viajar a Transilvania para detener al Conde Drácula y proteger a Anna Valerious. En su camino se cruzará con el monstruo de Frankenstein y el Hombre-Lobo.

Creada por Stephen Sommers, el hombre que resucitó a la momia en el cine en la pelicula de 1999. Aqui el director va más allá y resucita a cuatro (sí, cuatro) monstruos clásicos de la Universal para hacer un remix de cine de aventuras con toque de serie B.

Porque no nos engañemos, "Van Helsing" es serie B con FX de primera. El argumento parece de por sí la nueva película de Jess Franco, solo que el viejo director la habría hecho con más sentido del humor. Sommers, consciente del exito que consiguió con "La Momia" y su secuela de recuperar dignamente al monstruo con envoltorio de una película de aventuras a la antigua, vuelve a hacer la misma jugada pero sin conseguir el mismo resultado.

Sommers no mantiene la esencia de los monstruos (salvo del hombre-lobo). Drácula parece un ser afeminado que en ningún momento impone terror, sino todo lo contrario, parece un llorón; Frankenstein es el tio más bueno y sabio del mundo; Mr. Hyde (que tambien sale al principio) es un pedazo de tio gordo al que le encanta fumar puros. Tan solo salvo al Hombre-Lobo que esta muy bien conseguido, y a las novias de Drácula, encabezadas por nuestra Elena Anaya.

Ahora vamos a por el protagonista. Van Helsing es el heroe solitario que no sabe nada de su pasado y al que le gusta saltarse las reglas, con atuendo de pistolero y sombrero a lo Indiana Jones. Por supuesto tiene más artilugios que Batman, y un benefactor a lo "Q" de la saga Bond, el joven monje Carl, amigo de aventuras del heroe que servira para dar sentido del humor (aunque podrían haberselo ahorrado).

La chica, Anna Valerius, es la joven valiente que sabe luchar y defenderse por sí misma (¿Donde quedaron aquellas damas asustadas a las que salvaba el heroe?). Descendiente de una importante familia de Transilvania, verá en Van Helsing a un aliado para combatir a Drácula y destruirlo.

Vayamos ahora a comentar un poquito la película. El inicio es bastante interesante, el logo de la Universal en B/N que da pie a una antorcha y al pueblo de camino al castillo de Frankenstein donde el buen doctor a creado a su criatura. Hasta ahi bien, hasta que entra el buen Conde Drácula y descubrimos que es un tipejo delgaducho y amanerado. Aqui ya la cosa decae, pero el comienzo sigue estando bien llevado con la magnifica música de Silvestri. Tras el prólogo la pantalla se impregna de color y vemos un cartel de busca y captura de Van Helsing, el cua lo arranca, se escucha un grito de mujer y camina hacia ella, descubriendonos que estamo en París. Por ahora la cosa es salvable, pero de repente el heroe se mete en el campanario de Notre Dame y nos encontramos con Mr. Hyde y ya uno no sabe si reir o llorar. Se empiezan a pelear en lo alto de la catedral y tal hasta que el heroe gana, terminando que un contrapicado de Van Helsing sobre la catedral to chulero. A partir de aqui ya empiezan las tramas de Drácula, el viaje a Transilvania, la acción sin freno precedida de algún sobresalto absurdo con fantasmadas de vértigo (Anna balanceandose a lo Tarzán para coger la jeringuilla) y los FX a raudales.

Lo que más me gustó del film y destaco: el inicio en B/N, muy apropiado como homenaje a los films clásicos; la llegada de Van Helsing al Vaticano; el baile en el castillo; las novias de Drácula; el Hombre-Lobo; la excelente música de Alan Silvestri. Y creo que no me queda nada, porque el resto es absurdo y aburrido (no recuerdo cuantas veces mire el reloj en el cine cuando la vi, pero fueron dos horas muy largas).

Sommers abusa sobremanera de los trucos visuales cansandonos sin utilizar el lenguaje cinematografico de manera correcta (tan solo cuando Anna camina y a su paso van cayendo gotas de sangre me pareció interesante), y sin conseguir la frescura que tenía "La Momia" de film de aventuras. Aqui todo es un enorme videojuego sin freno, con un ritmo repetitivo durante todo el metraje.

El reparto esta formado por Hugh Jackman como Van Helsing, desde luego le costaba quitarse la etiqueta de Lobezno, ni siquiera aqui, que hasta se convierte en lobo y saca las garras, aun asi, tiene la presencia perfecta para las secuencias de acción; Kate Beckinsale es Anna Valerious, la joven valiente que se une a Van Helsing, la actriz se conocía bien el género gracias a su participación en la Saga Underworld; David Wenham (Faramir en LOTR) es Carl, el joven monje que da un puntito cómico al film y encargado de dar a Van Helsing todo tipo de gadgets; Richard Roxburg (el Duque de Moulin Rouge) es Drácula, y desgraciadamente no pega ni con cola, no tiene presencia para dar vida al temido Conde; destaco tambien a Elena Anaya como Aleera, uno de los aciertos del film.

La música de Silvestri es magnifica, acompañando en todo momento a las imagenes y dandole ritmo a la película (cosa de agradecer). El tema principal es épico y muy pegadizo.

El diseño de produccion y FX muy cuidados, cosa no muy de extrañar viendo el enorme presupuesto de la película, aunque algunos se notaban a la legua.

Decepcionante film que destruye personajes miticos de la literatura y el cine para darnos un film de FX fallido y previsible. Si se hubiera tomado menos en serio habría obtenido un resltado más satisfactorio

3/10

P.D. Pronto comentaré dos films sobre el personaje de Stoker verdaderamente magistrales y que tienen la esencia del Rey de la Noche.

Series: Norte y Sur

Orry Main y George Hazzard se hacen amigos durante su formación militar en West Point. Desgraciadamente cada uno pertence a una parte de Carolina, Main es del sur y Hazzard del norte, lo que supondrá un muro entre ellos cuando comience la guerra civil americana.

Notable miniserie basada en las novelas de John Jakes. Con una cuidada ambientación la serie llega a ser un "Lo que el viento se llevó" extendido. Habrá varias historias de amor cruzadas entre los Main y los Hazzard, sin faltar la guerra y lo que ello conlleva.

Fiel reflejo de lo que aconteció en USA en aquella época en lo que se refiere a la esclavitud, se ve muy bien el punto de vista de cada frente, con personajes principales extremistas. Virgilia Hazzard será una de las principales personas que apoyen la abolicion de la esclavitud mientras Ashton Main no piensa nada más que en el poder y en ocuparlo junto al hombre más poderoso del Sur.

Por ponerle pegas diré que los momentos folletinescos romanticos resultan cansinos, y que la historia entre Orrin y Madeline es previsible, claro que en el año en que se realizó (1985) aún no existian telenovelas como hoy.

El reparto está formado por Patrick Swayze, James Read, Leslie-Ann Down, Kristie Alley, Jean Simmons, Terri Garber, David Carradine, además de contar con rostros tan conocidos como James Stewart, Robert Mitchum, Gene Kelly, Elizabeth Taylor, Olivia de Havilland, Jonathan Frakes, Forest Whitaker, o Lloyd Bridges.

Buena serie épica con momentos folletinescos.

Rent, de Chris Columbus

En el East Village de New York vive un grupo de bohemios luchan por expresarse a través de su arte y midiendo sus vidas en amor. Entre todos juntos deberan hacer frente a la pobreza, la enfermeda y la epidemia del SIDA. El grupo está compuesto por individuos atrevidos y apasionados. Roger es un compositro en busca de una canción pero que tras la muerte de su novia está bloqueado; Mimi es una bailarina exótica enganchada al caballo; Mark es un cineasta que busca el equilibrio entre lo artistico y lo comercial a quien le acaba de dejar su novia, Maureen, artista de performance, por una abogada, Joanne. Collins es profesor en la universidad que a su llegada al East Village se tropieza con Angel, con quien comenzará una historia de amor. Y Ben Coffin, antiguo amigo, ahora se ha apartado de ellos por haberse casado con la hija del casero.

Basada en la revoluconaria ópera rock ganadora del Pulitzer de Jonathan Larson, Rent trata sobre este grupo de persona que lucha por seguir adelante ayudandose unos a otros.

Sin conocer la obra en que se basa, he de decir que la película me ha gustado a ratos. Me explico, al basarse en un musical es lógico que hayan querido adaptarla fielmente, tanto que durante las 2 horas que dura el film tan solo se deja de cantar 10 min durante todo el metraje. Está bien que tenga numeros musicales de la obra, pero podrian haber prescindido de varios de ellos y adaptarlos en dialogos con lo cual se hubiera conseguido un equilibrio. Números como el primero entre Rosario Dawson y Adam Pascal en el piso me parece innecesario para el cine aunque puede funcionar bien en teatro. Y eso demuestra que no todo lo que funciona en teatro tiene porque funcionar en cine. Ya me pasó algo parecido con "Chicago", solo que en aquella no tragué el hecho de que los numeros musicales ocurrieran en escenarios cabaretesco. Pero aqui los numeros se siguen continuamente sin dar respiro al espectador.

Aún asi, la historia me gustó bastante, ese grupo de bohemios que buscan sobrevivir en un barrio de New York y conseguir pagar su alquiler soportando todo tipo de obstaculos, comenzando la historia en Navidad, lo que pone más crudo el asunto. Personajes inadaptados como homosexuales, efermos de SIDA, luchadores en busca de un sueño, todo ello enmarcado recién entrado el año 1990, año en que aquelos temas (SIDA, Homosexualidad) eran practicamente tabu, y más en USA.

Numeros musicales como "La vié Bohéme" entre todo el reparto o "Glory" interpretado en solitario por Adam Pascal me parecieron muy conseguidos. Algunos otros, como el mencionado anteriormente, me parecieron cansinos e inapropiados.

Dirige Chris Columbus tras "Harry Potter y la cámara secreta", rodando con agilidad, aunque en ningun momento me parecieron los numeros musicales nada del otro mundo, ni siquiera las coreografias, pero con buenos momentos, como el del principio en la calle, el del metro, el momento "boheme" o la reunión de enfermos de SIDA.

Entre el reparto encontramos rostros como el de Rosario Dawson (Alexander), Taye Diggs (Chicago), o Anthony Rapp (Una mente maravillosa), el resto es casi desconocido.

Mencionar que la película está producida por Robert DeNiro.

Buena historia sobre un grupo de jovenes en un barrio neoyorkino rodeados de problemas como el SIDA y las drogas, que si hubiera prescindido un poco más de numeros musicales habrá ganado como film. Aún asi es un músical aceptable, y encima con buenas canciones de rock-pop.

5,5/10

V de Vendetta, de James McTeige

En un futuro posterior a la III Guerra Mundial Inglaterra se ha convertido en un pais dictatorial, gobernado por el Lider Sutler. Un extraño personaje enmascarado conocido por V comenzará a realizar actos terroristas promoviendo la paz y la libertad, cruzandose con la joven Evey, en quien encontrará una aliada.

Basada en la celebre novela gráfica de los 80 creada porAlan Moore y David Lloyd y de enorme exito internacional, los hermanos Wachowski decidieron llevarla a la pantalla adaptando la novela y cediendo la direccion a su director de segunda unidad en las dos secuelas de "Matrix", James McTeige.

La película tiene un trasfondo político importante, y (aunque no me guste la politica) trata temas de actualidad. El protagonista es el villano, un terrorista, o eso es lo que parece. Gobernada por un puño de hierro, Inglaterra está completamente ciega en lo que acontece en su país y será el enmascarado personaje el encargado de abrirles los ojos, aunque eso conlleve muertes y destrucciones, proclamando la anarquía, el alzamiento del pueblo contra su gobernante, y defendiendo unos ideales. Su máscara (de Guy Fawkes, el hombre que intentó desrtuir el parlamento británico) es un simbolo, una idea, algo que, al contrario que los hombres, no puede morir. La trama estará rodeada de teorias de la conspiración (los virus) y engaños varios por parte del gobierno (los programas de Tv).

Eso por un lado. Ahora bien, lo que de verdad quiere V es venganza, su vendetta hacia las personas que le obligaron a llevar máscara de por vida. Él no es más que un personjae tragíco-romántico, como El Fantasma de la Opera, obligado a vivir bajo tierra lleno de odio. Al igual que en la novela de Leroux, aqui tambien hay historia de amor, y se puede decir que es el tema central. Tras conocer a Evey (cuya única consonante es V) el terrorista sentiráhaber encontrado a su igua, alguien que piensa como él aunque no lo demuestre. Entre ambos se compondrá una historia similar a "La Bella y la Bestia", al principio ella e tiene miedo (como todos tenemos miedo a lo desconocido) pero al conocerlo mejor y comprobar las razones por las que realiza sus actos se unirá a él y comenzará a enamorarse. Sin embargo V no interpondrá sus sentimientos a su causa y, aunque le duela, deberá hacer lo que esta destinado a llevar a cabo.

Los personajes están bien construidos. V es un personaje muy teatral (no solo porla máscara), por su forma de moverse y hablar, con unos ideales muy claros que quiere dar al mundo; Evey es una chica al principio fragil pero que tras conocer a V se realizará un cambio en ella (el aislamiento que sufre) que la volvera fuerte. Los personajes secundarios están formados por el inspector jefe Finch, hombre serio y firme en su trabajo que investiga hasta el fondo el asunto relacionado con V; el presentador de television Dietrich, amigo de Evey y a favor de la causa de V en la sombra; y el dictador líder Sutler.

El reparto esta compuesto por Natalie Porman como Evey, mágnifica como siempre y con varias escenas verdaderamente magistrales (sobre todo despues de haber sufrido en la celda de aislamiento); Hugo Weaving (a quien nuca se le ve la cara) como V, a quien le dota de movimientos y voz subliminales (obligatoria VO); Stephen Fry como Dietrcih; Stephen Rea soberbio como Finch; y John Hurt como Sutler.

La dirección de McTeige es sorprendente para su debut. Basandose en el comic realiza planos fabulosos (V sobre la iglesia; el hombre entre las llamas; Finch junto a la rosa; Evey bajo la lluvia), y dota a las escenas de fuerza y empaque visual abrumador. Quizás beba mucho de Matrix (ese plano detalle de los pies saliendo del ascensor; la pelea final con los cuchillos), incluso se especuló que fueron los Wachowski los directores, pero el resultado final está muy conseguido realizando una buena adaptación. El ritmo está muy bien llevado incluso cuando parece que va a decaer (esa historia insertada cuando Evey está en la celda), y la música de Dario Marianelli ayuda muchisimo. Producen los Wachowski junto con Joel Silver (el productor de Jungla de Cristal, Arma Leta, Matrix, y lindeces de Steven Seagal y Jet Li).

Buen thriller politico de accion con trama romantica que mueve el film.

7/10

BSO de la semana: K-Pax

K-Pax de Edward Shearmur: Partitura de corte electrónico muy apropiada para el interesante film protagonizado por Kevin Spacey y Jeff Bridges. Shearmur utiliza el piano y el violín acompañados por sintentizadores , lo que da una aire chill-out muy agradable. Compositor de otras Bandas Sonoras como "Los Angeles de Charlie" o "Sky Captain", en esta tenemos una composicion suave y melódica. Memorables los temas "Taxi Ride" y "New Mexico" con un leve coro y acompañamiento de violín.

3/5

Sin Control, de Mikael Hafstrom

Charles Schine es un hombre de negocios y un padre de familia cuya hija está enferma diabetes. Como todas las mañanas coge el tren, pero a la hora de pagar el billete comprueba que no tiene dinero y se lo paga una mujer con aspecto elegante. A partir de ese día la vida de Charles no volverá a ser la misma.

Aceptable película de suspense con los elementos habituales del género. Un hombre conoce a una mujer atractiva y se siente atraido con ella hasta llegar a tener algo más. Reconozco que ese inicio, con tren incluido, me recordó a "Enamorarse", protagonizada por DeNiro y Streep, pero nada más lejos de la realidad. En esta la pareja sufrira una atraco por parte de LaRoche, un ladrón de poca monta, y dejaran de verse, hasta que el tipo vuelva a dar señales de vida y amenace a Charles si no le paga la cantidad exigida. En ese momento la película pasa de romantica al suspense, tocando temas como el adulterio y el destino (si Charles no hubiera aceptado que le pagara el billete). El adulterio porque es el chantaje al que está sometido Charles, y del que no quiere que se sepa nada Lucinda (Jennifer Aniston) pues pondría en problemas a su marido. Y el destino porque Charles pierde el primer tren y coge el siguiente conociendo asi a Lucinda que le paga el billete y comenzado este "viaje". Una de las frases que más me gusta del film es "Debes valorar lo que tienes", si Charles no hubiera cruzado la linea de comenzar a verse tanto con Lucinda y estar más junto a su familia no hubiera ocurrido nada.

Con golpes de suspense Hitchcockianos y tramos verdaderamente interesantes (la visita del ladrón a casa de Charles) la película atrapa al espectador hasta desenvolver la trama. En mi opinión, su fallo está en que resulta previsible lo que va a ocurrir, pues ya lo hemos visto en varias películas, con un final demasiado forzado y sin llegar al nivel de otras producciones del estilo, y mucho menos si la comparamos con genialidades de Hitchcock.

El reparto está encabezado por el siempre solvente Clive Owen, Jennifer Aniston (Rachel para los amantes de Friends), y Vincent Cassel como siempre en el papel de malo.

Película entretenida, no siendo de las mejores del género, pero aceptable en su desarrollo.

4,5/10

Series: Six Feet Under

La familia Fisher regenta una funeraria. Tras la muerte del patriarca, el negocio cae en manos de sus dos hijos varones, Nate y David.

Original serie creada por Alan Ball (guionista de American Beauty), que narra el dia a dia en la vida de tan curiosa familia americana. La madre sufre un shock tras la muerte de su esposo y se ensimisma hasta recuperar las ganas de vivir, la hija es una inadaptada en el instituto, el hijo mayor, Nate, no quiere hacerse cargo del negocio familiar aunque haya nacido para ello y mantiene una relación con una mujer un tanto desequilibrada, y el menor, David, es homosexual que mantiene una relación con un policía negro. Como se puede ver, un retrato de la sociedad americana a través de una familia, al igual que en el film de Mendes.

La serie está llena de ironía y humor negro, pero con crudeza, con la muerte como telón de fondo. Abundan las discusiones existenciales y las reflexiones morales.

El reparto esta formado por Peter Krause, Michael C. Hall, Frances Conroy, y Lauren Ambrose como la particular familia, completando el cast Freddie Rodriguez (visto en Poseidon y La Joven del Agua) como el maquillador de cadaveres, Rachel Griffiths como Brenda, Mathew St. Patrick como Keith, además de haber contado con James Cromwell y Lili Taylor, enrte otros rostros conocidos.

Entre los directores de la serie destaca Kathy Bates (actriz de Misery, Dolores Caliborne, y Titanic), y el propio Ball. Memorable el primer episoido, en que el padre muere y se le aparece a todos los miembors de la familia, sucediendose en varias episodios posteriores.

Excelente serie.

Clerks II, de Kevin Smith

Dante y Randal se ponen a trabajar en un restaurante de comida rápida tras el incendio del QuickStop. Aún así siguen tan vagos y frikis como siempre.

Doce años después de Clerks, el director Kevin Smith vuelve a traernos a los personajes con los que se dió a conocer en el mundo del cine. Recordemos que aquel film, fue considerado de culto, un pequeño film independiente, rodado en Blanco y Negro en una pequeña tienda y con un presupuesto minúsculo, convirtiendose en un éxito y sorprendiendo en festivales, como el de Sundance. Tras ese film, Smith seguiría con sus historias protagonizadas por frikis del comic, Star Wars y el mundo del cine en films tan notables como "Mallrats" o "Persiguiendo a Amy", y en la original "Dogma", por no mencionar que en todas ellas aparecían los dos personajes Smith, Jay y Bob el silencioso, que tendría su propia película. Sin embargo en el año 2004 el hombre se le ocurrió hacer una película que hablará de las relaciones entre un padre y una hija, realizando uno de los mayores bodrios que recuerde haber visto, "Jersey Girl", protagonizada por su amigo Ben Affleck y con la aparición de Jennifer Lopez. Tras el batacazo y ver que sus fieles le daban la espaldad, Smith vuelve a sus origenes, recuperando a los dos dependientes y volviendo a su estilo del humor borde y friki.

Clerks II es igual que Clerks, salvo por la diferencia que en lugar de desarrolarse en la tienda (que se ha quemado y está en venta), trabajan todo el día en un fast food. Lo bueno de la trama es ver que los protagonistas no han cambiado apenas en diez años, Dante sueña con vivir con el amor de su vida, y Randal solo piensa en sexo, y ya han cumplido la treintena. Sin embargo, la película me ha parecido un remake de la original, ya que tiene al mismo desarrollo, pero faltandole la frescura que tenía aquella, todo sucede a la fuerza porque la fórmula de hace diez años funcionó. Si, es posible que aqui los dialogos sean más agiles y tal, pero resultan cansinos y excesivamente groseros en más de una ocasión, tan solo hay varios momentos realmente originales, y son los momentos frikis con el personaje de Elias, impagable la discusión Star Wars Vs. Lord of the Rings y lo del rollo Transformers. El resto es un monton de chistes soeces y sin gracia, con Jay y Bob desaprovechados.

El reparto vuelve a componerse por Bryan O¨Halloran y Jeff Anderson como Dante y Randal, Rosario Dawson como Becky, Trevorn Fehrman como Elias, Jason Mewes y el propio Smith como Jay y Bob el silencioso. Además de contar con cameos de amiguitos como son Ben Affleck y Jason Lee.

Smith vuelve a sus origenes, quitandose la espina de Jersy Girl, pero sin conseguir la frescura de la original. Eso si, el dialogo de Star Wars contra Lord of the Rings, repito, es cojonudo.

4/10

Love Actually, de Richard Curtis

Varias historias cruzadas que se desarrollan en vísperas de Navidad. Entre ellas, la de un escritor que descubre a su mujer engañandole con su hermano, el primer ministro recién nombrado que se enamora de una de sus secretarias, un viejo cantante de Rock que saca una canción navideña para conseguir el exito perdido, etc....

Que conste, y esto seguro va a hacer daño a mucha gente, que está película no me gustó la primer vez que la vi, y sigue sin gustarme tras haberla revisionado (cosa que me ha costado). A ver, para empezar, el guión a cargo del también director de film, Roger Mitchel, no es sino sobras que no pudieron ser utilizadas en varios de sus guiones llevados a la pantalla, convirtiendose estos en exitos del cine británico ("Cuatro bodas y un funeral", "Notting Hill" o "Bridget Jones"), por lo cual se le ocurrió hacer una batidora de todas ellas y ponerles como telón de fondo la Navidad y ensalzando el amor. Vale, la película está llena de muy buenas intenciones, no lo niego, habla de que el amor está en todas partes, que la Navidad es la mejor época del año para unirse a las personas que uno quiere, etc, etc. Pero todas están tratadas de manera fallida, y concluyendo con un happy end colectivo que no te llegas a creer.

Las historias que yo considero más conseguidas, o que al menos, a mi más me gustan, son la del cantante (inconmensurable Bill Nighy); la del matrimonio formado por Alan Rickman y Emma Thompson (magnifica); la de Colin Firth y la chica portuguesa; y la de Keira Knightley por contener una escena, para mi, brillante (cómo el amigo de su esposo le expresa sus sentimientos a través de carteles). El resto me parecen innecesarias y fallidas. La del Primer Ministro, que no es nada más y nada menos que Hugh Grant (imprescindible en cualquier produccion britanica de estas caracteristicas, y que aquí se marca un baile por su enorme residencia), es irreal y absurda; la de Liam Neeson lo mismo, acaba de morirse su mujer y se pone a ayudar a su hijastro a ligarse a una chica (con ayuda de la película Titanic y todo); la del joven inglés que solo piensa en irse a USA para ligarse a una norteamericana me parece innecesaria; la de Laura Linney (fantastica actriz) está bien pero no concluye; y la de la pareja que se dedica a rodar escenas de sexo me gustó por su originalidad y por como los personajes, que no tienen pudor para rodar desnudos, lo tienen sin embargo para mostrar sus sentimiento, pero tampoco aporta nada nuevo. Por no hablar del personaje de Rowan Atkinson (Mr. Bean) que ya me contarán que pinta.

Todo este refrito de historias embutido no funciona bien en pantalla, y cruza historias a la fuerza, sin sentido alguno, abusando de sentimentalismos y chistes malos.

El reparto lleno de rostros conocidos, está normal (con Grant siempre haciendo el mismo papel), aunque el guión, vuelvo a repetir, no les ayuda mucho como para hacer papeles memorables. Tan solo Nighy (Davy Jones en la Saga "Piratas del Caribe") tiene un papel al que le saca partido, y Thompson tiene una escena fantástica en silencio tras el engaño de su marido.
La dirección de Curtis es correcta, me llamó la atención el Travelling que sigue a Hugh Grant entrando en su residecia pero por lo demás es una dirección normalita. Una de las bazas que utiliza muy bien en la película es la Banda Sonora llena de canciones de Navidad y exitos del Pop.

En conclusión, una película llena de buenas intenciones, ideal para verla en Navidad, pero cuyo guión está lleno de historias y personajes que no aportan nada, tapando las historias verdaderamente interesantes.

3,5/10

American Beauty, de Sam Mendes

Los Burnham son la típica familia americana que viven en un barrio residencial. Lester Burnham trabaja como publicista para una revista, su mujer, Carolyn, es vendedora inmobiliaria y su hija, Jeannie, es una joven estudiante de instituto. La vida de la familía cambiará en el momento en que Lester conozca a Angela, la amiga de su hija, y se obsesione con ella, de tal forma que de un giro radical a su vida, mientras Carolyn empieza a tener una aventura con el Rey del Inmueble y su hija se siente atraida por el nuevo vecino.

Magnifico debut de Sam Mendes, procedente del mundo del teatro en donde había conseguido númerosos exitos (fue el responsable de desnudar integramente a Nicole Kidman en la obra "The Blue Room") , que se encargo de esta peícula tras quedarse asombrado por el soberbio guión de Alan Ball (creador de la serie de culto "A Dos Metros Bajo Tierra") que diseccionaba la sociedad americana y críticaba acidamente el "American Way of Life", comenzando de manera impresionante la historia, con la voz en off del protagonista avisandonos de que va a morir en menos de un año. El otro empujoncito lo dió Spielberg, quien produjo la película a través de su productora, DreamWorks.

La película, como ya he mencionado es una crítica ácida y mordaz sobre el estílo de vida americano, y de que no todo es tan bonito como parece. En ella se muestran las drogas, el despertar de la vida sexual (y su redescubrimiento), y la homosexualidad (lo vecinos).

El título del film hace referencia a varias cosas:

En primer lugar, a esa belleza americana que quieren vendernos siempre, con esa familia cenando felizmente. En la película la familia protagonista no puede estar más rota y dividida. Lester Burnham es un cuarenton cansado y apatico, cuya vida lo tiene agotado, hasta qe un día conoce a Ángela, amiga de su hija Jane, obsesionandose con ella, llegando a la conclusión de dar un vuelco a su vida, comenzando a hacer ejercicio, dejando su trabajo, y empezando a nacer en él unas ganas de vivir como cuando tenía 17 años (porros incluidos); Carolyn es una mujer dominanta, perfeccionista, importandole el qué diran, y que se pasa las mañanas cultivando la flor que tiene el mismo nombre que la película, una flor roja preciosa pero que no huele ni tiene espinas; Jane es la joven adolescente que ve como su familia se rompe poco a poco, introvertida, y que verá en Ricky, su nuevo vecino, su única escapatoria; Ricky es el nuevo vecino, un joven qe ha tenido problemas en el pasado por culpa de las drogas, y cuyopadre, militar, lo tiene controlado, aunque él sigue vivieno como camello a sus espaldas, además de ejercer su condición de Voyeur con su camara de video, capturando las cosas más bellas del mundo, como le dice a Jane, "no por obsesión, sino por curiosidad", de echo pienso que es el único personaje que de verdad ve las cosas como son, captando lo mejor de ellas, y viendo belleza allí donde otros no la ven (la bolsa volando gracias al viento).

La otra referencia al título es el personaje de Mena Suvari, Ángela, obsesión de Lester, y "Lolita" del film. Esa chica rubia, prototipo de la belleza americana, pero que, como las flores que cultiva Carolyn, deja mucho que desear por dentro, sin nada que ofrecer, llegando a ser vulgar. Para remarcar esta idea, nada mejor que ver como cada vez que Lester sueña con ella aparecen petalos de dicha flor.

El reparto no podría ser mejor. Kevin Spacey como Lester Burnham, realizando un personaje memorable, gris al principio, cansado en su trabajo, pero que da un giro en el momento en que conoce a Ángela, llegando a revelarse contra todo lo que le rodea; Annette Bening como Carolyn, perfeccionista, controladora, dotandola de una histería en varios momentos que dotan al personaje de ese desequilibrio que está sufriendo en su vida; Thora Birch como la joven Jane, la típica estudiante introvertida que ve como su familia se desmorona ante sus ojos, y como su amiga Ángela coquetea con su padre, teniendo a Ricky como única balsa de salvamento; Wes Bentley como Ricky, el nuevo vecino, misterioso al principio hasta que observamos su entorno familiar, su padre militar y su madre loca, se convertirá en el camello de Lester y comenzará a mantener una relación con Jane; Mena Suvari como la "Lolita" Ángela, objeto de deseo de Lester, que da una imagen al mundo de lo que no es; Chris Cooper como el Coronel Fitts, padre de Ricky, retrograda, y con odio a los homosexuales, lo que hará que vea cosas que no son lo que parecen.

La magnifica fotografía corre a cargo de Conrad L. Hall; la música de Thomas Newman, que se ha convertido en un clásico; el guión de Ball, de los mejores escritos para Holywood. Todo eso junto hacen que sea una gran película.

Sin olvidarnos, por supuesto, de la magistral dirección de Mendes. Mimando a los actores, con especial cuidado en la planificación, y con gran cariño por los planos cenitales (el falso contrapicado de Mena Suvari en el techo rodeada de petalos es en realidad un cenital), y regalandonos el inolvidable baile de la bolsa, la cual sin hacer ningún ruido se puede escuchar como es empujada por el aire de un lado a otro.

La película ganó 5 Oscars: Película, Director, Actor (Spacey), Guión Original, Fotografia, siendo nominada además para Actriz (Bening, que lo perdería frente a Hilary Swank, como pasaría de nuevo cinco años después), Música y Montaje.

Magnífica película, radiografía de la sociedad americana en los barrios residenciales, y que, como reza el cartel, hay que fijarse bien, pues nada es lo que parece. Podría ser una comedia, o un drama, pero simplemente es la vida.

Y yo creía que después de esta, Mendes no volvería a estar tan a la altura (aún siendo su debut), y su siguiente film fue esa Joya llamada "Camino a la Perdición".

Pero eso es otra historia.

9/10

BSO de la Semana: Once Upon a Time in the West

Once upon a time in the west de Ennio Morricone: Magistral Banda Sonora para la antologica película de Serio Leone a cargo de su habitual colaborador italiano. Morricone compusó la música antes incluso de que el film estuviara terminado, basandose en cada uno de los personajes que compone la historia. Para el "Main Theme" realizó un hermoso tema con violines, guitarra y voz femenina en "in crescendo" memorable, el cual sería identificativo con el peronaje de Claudia Cardinale, Jill. Para el personaje de Henry Fonda, Frank, compusó un tema con acordes de guitarra tocados con gran energía, con lo que consigue sensación de amenaza. Para Cheyenne utiliza un tema alegre, casi comico, acompañado por silbidos. Para Harmonica, utilizó el elemento que le da nombre. Estos cuatro temas serán variados para diferentes momentos del film, en algunos momentos acompañados por tambores consiguieno intensidad. Insertada en la Película es una verdadera Joya, con tramos verdaderamente magistrales, como las escenas que muestran los grandes paisajes del oeste (Jill´s America), o en la que Fonda y Cardinale están en la habitación a solas (A Little Lit Room).

Magistral BSO del gran Morricone.

5/5

Miami Vice, de Michael Mann

James "Sonny" Crockett y Ricardo "Rico" Tubbs son dos detectives de Miami que trabajan de incognito para desenmascarar una importante red de narcotraficantes.

Basada en la serie de mismo título de los años 80 que tuvo un gran exito gracias a su moderna estetica y a mostrar historias de polícias como no se habían mostrado antes, el director Michael Mann (y productor ejecutivo de la serie) decide llevarla a la gran pantalla como ya varias series han hecho ("Mission Impossible", "Los Angeles de Charlie" o "El Santo"), con más o menos suerte.

Michael Mann no solo es un excelente director, es más, es un artesano en esto del cine. Películas como la magistral "Heat", la polémica "El Dilema", y la excelente "Collateral" le han convertido en un autor de referencia en el cine policiaco, sin olvidar que él tambien dirigió la notable "El último Mohicano". Con lo cual era casi imposible que este hombre errara a la hora de llevar a cabo la adaptación de una serie de TV que tan bien conocía, sin embargo el resultado final es irregular.

Tecnicamente a la película no se le puede poner fallo, está impecablemente tratada, pero el look a lo "Collateral" en las escenas nocturnas no creo que pegue en esta historia. Me explico, "Collateral" era una película con entidad propia, con un estilo visual único que pegaba muy bien con la trama de la película, sin embargo en esta "Miami Vice" el utilizar el mismo sistema para rodar no queda un resultado tan aceptable, Mann debería haber optado quizás por otro sistema a la hora de filmar las escenas nocturnas en la ciudad. Salvo por esa pequeña pega, la película está muy bien tratada como he mencionado. La dirección de Mann es muy buena, dotando a las escenas de fuerza, rodando mejor las escenas de acción que las intimas, con los disparos atronando en toda la sala (no tanto como en "Heat", que eso si que son tiros), y con inteligente uso de la música, la cual, como es habitual en el director, es un soundtrack de varias canciones que en el film empalman como un guante (el tramo final tan solo con la música de fondo y el juego de miradas es maravilloso). La fotografía corre a cargo de Dion Beebe, responsable de "Memorias de una Geisha", "Chicago" o la mencionada, y anterior film de Mann, "Collateral", iluminando magnificamente y dotando a la película de tonos vivos en las escenas diurnas (soberbias las escenas aereas y las de La Habana) y con tono un tanto electrizante las nocturnas (el momento en la carabana).

A pesar de eso, viene lo que yo considero el lustre de la película, que es el guión. No porque crea que es malo, sino porque es un mil veces visto y previsible. Si además le añadimos que el metraje de la película sobrepasa las 2 horas y quince minutos y que en todo ese tramo el film tiene momentos con altibajos de ritmo. En mi opinión deberian haber prescindido de ciertos detalles, como es la historia de amor entre Ricardo Tubbs con una compañera, que no plantea nada a la trama, todo lo contrario que la de Crockett con Isabella, verdadero nudo de la película, y haber recortado algunas escenas en discotecas (presentes en casi todos los films de Mann) puliendo un poco más los diálogos, y haciendo más solida la relación Crockett-Tubbs. La trama de los narcos en el film tampoco está muy bien planteada en mi opinión, alguna que otra vez el espectador puede perderse y no saber exactamente qué se proponen hacer para capturarlos, quedando algún clavo suelto.

El reparto está encabezado por Colin Farrell (al que no aguanto) como Sonny Crocket, y el hombre está más que convincente dotando al personaje con su chulería y sin esforzarse mucho, como verdadero protagonista de la trama, implicandose más de lo que debe y enamorandose de quien no debe; Jamie Foxx (en su tercera colaboración con Mann tras "Ali" y "Collateral") como Tubbs, el serio y correcto polícia preocupado de atrapar a los narcos y que ve en su compañero y amigo el atisbo de la duda; Gong Li (2046, Memorias de una Geisha) como lo mejor de la cinta, fabulosa como Issabella, mujer del narco Montoya y atraida por Crockett, con un juego de miradas de aupa; John Ortiz como Jose Yero, mano derecha de Montoya; nuestro Luis Tosar como el narcotraficante Arcangel de Jesús Montoya al que le impregna una intensa mirada fulminante durante todo el film, y, no es broma, pero para mi que Montoya es primo segundo del personaje que hacía Javier Bardem en "Collateral" con esa barba y la calva, además del habla.

En resumidas cuentas, un thriller con muy buenas escenas de acción (lastima que sean pocas) mejor que la mayoría que nos llegan de Hollywood pero que para ser de Mann queda debajo de lo esperado, quizás si hubieran cuidado mejor el guión y cortado el minutaje estariamos hablando de otra joya en la filmografía del director, pero se queda en pasable. Eso sí, es de las mejores adaptaciones de la Tv al cine que se han hecho en los ultimos años (si no, recordad "Starsky y Hutch" o "Los Angeles de Charlie"), esta al menos se toma en serio, cosa de agradecer (ya tenía yo miedo de encontrarme con otra "Dos Policías Rebeldes"), y Colin Farrell me ha sorprendido más de lo que esperaba (que no es poco) como Crockett.

Para fans de Mann y de la serie ochentera.

5,5/10

El Gran Lebowski, de los Hermanos Coen

El Nota es un tipo que pasa de todo, cuya mayor preocupación es jugar a los bolos y fumar porros sin molestar ni que nadie lo moleste. Un día recibe la visita de unos hombres que le atacan y se mean en su alfombra, confundiendolo con un rico que se llama como él, Jeffrey Lebowski. Desde ese día la vida del Nota no volverá a ser la misma.

De la mano de los Hermanos Coen (Joel y Ethan) nos llegó este curioso film tras su gran película alabada por crítica y público, "Fargo". El presente film se podría considerar un thriller cómico.

Thriller, porque bebe de la tradición de cine negro en donde se mezcla un secuestro al que acompaña un rescate rodeado de giros y personajes que no son lo que parecen; comedia porque la película es un divertimento con situaciones a la mar de surrealistas, un viaje a través de la vida de este pintoresco personaje que es el Nota junto a sus colegas (personajes muy propios del mundo Coen), el excombatiente y obsesionado de Vietnam, Walter, y el pobre que no se entera de nada, Donny, rodeados de el multimillonario Jeffrey Lebowski, un viejo que está en silla de ruedas, su mujer, Bunny, ninfomana empedernida que da dolores de cabeza a su querido esposo, el secretario de Lebowski, Brandt, con extraño cariño hacia su jefe, la "artistica" hija de Lebowski, Maude, Jesús Montoya, jugador de bolos que sueña con derrotar a el Nota y su equipo en el campeonato de bolos y pederasta, y sin olvidar a el Extraño, ese cowboy que aparece por ahi y que nos cuenta la historia de nuestro "heroe", o sea, con todos estos personajes ¿como no les va a salir una comedia a estos genios con este variopinto elenco?

La película está muy bien dirigida con momentos memorables (los sueños de el Nota, la escena de la bolera en que Montoya baila, el momento de esparcir las cenizas) todos ellos con el toque personal de los Coen. Recordemos que estos hermanos son los creadores de "Muerte entre las flores", "Arizona Baby", "Barton Fink", "Sangre Facil", "El gran salto", o la antes mencionada "Fargo". Con "El Gran Lebowski" volvieron a demostrar su genio a la hora de crear una trama coherente de intriga con unos personajes muy particulares. Decir que los guiones los firman juntos pero que las películas (salvo "Ladykillers") son dirigidas por Joel.

El reparto esta encabezado por Jeff Bridges como el Nota, ese pacifista fumador de porros y jugador de bolos empedernido (hasta se pone cintas de música en que se escuchan los bolos cayendo tras derribarlos la bola), con aire hippy y desgarbado que ya lo han convertido en un personaje clásico en el mundo Coen; John Goodman, el mejor y más grande (no solo por su cuerpo) como Walter, el mejor amigo de el Nota, encaprichado con ayudarle y obsesionado con Vietnam, armando pollos alli donde esté (incluidas cafeterias familiares); Steve Buscemi como Donny, amigo de el Nota y Walter que no se entera de nada de lo que pasa, y que lo mejor q sabe hacer ( y lo único creo) es jugar a los bolos; Julianne Moore como Maude Lebowski, la hija del multimillonario que quiere un hijo del Nota (será porque la pobre está algo confusa de tanto visitar al médico); John Turturro como Montoya, el pederasta jugador de bolos; Phillip Seymour Hoffman como el secretario de Lebowski; Sam Elliot como el cowboy; Tara Reid como Bunny Lebowski, sospechosa de ser raptada; Peter Stormare como el actor porno protagonista de "El Desatascador" (joya de culto por lo que dicen en el film); y David Huddleston como el multimilllonario Lebowski.

Un película muy recomendable para los amantes de los Coen y para quien quiera conocer a tan pintoresco elenco y pasar un buen rato.

7,5/10

La Posada de Jamaica, de Alfred Hitchcock

Cerca de 1800, una banda de contrabandistas y ladrones se dedica a asaltar grandes barcos que naufragan cerca de la costa de Cornwall, reuniendose para repartir el botín en la posada de Jamaica. Un día llega a la posada una joven, sobrina de la dueña, que descubrirá que su tia se ha casado con un hombre extraño, el jefe de la banda. Con miedo, la chica solo confiará en Sir Humphrey, el magistrado de la zona. Pero no todo es lo que parece.

Película dirigida por el gran Hitchcock previa a "Rebeca" en donde el maestro narra una historia cercana al género de aventuras con su toque personal. Como él mismo decía "al público nunca hay que ocultarle nada", y es desde el principio de la trama cuando descubrimos quien es en realidad el que verdaderamente mueve los hilos y quien manda sobre los desalmados que se dedican a robar los barcos.

Una de las caracteristicas de la película es la personalidad oculta, tanto en el personaje de Sir Humphrey como en el del ladrón Trehearne, a medida que avanza la trama descubriremos que ni el supuesto caballero ni el ladron son tales como nos imaginamos, dando un giro la historia.

Otro de los temas es el crimen, la banda que se reune en la posada piensa que su jefe es Joss Merlyn, esposos de la posadera, pero en realidad el verdadero jefe es alguien mucho más poderoso, lo que nos lleva a la idea de que siempre hay alguien mucho más importante por encima del supuesto jefe de la banda, que se oculta para no ser descubierto y no caer sobre él la culpa.

Hitchcock narra de manera notable la trama, caracteristico en él, con una inteligente puesta en escena. La escena que abre la película en que se ataca a un barco que naufraga matando a todos los supervivientes esta magnificamente narrada, con un sabio uso en el fuera de campo. Aún asi no es comparable en su conjunto con otras películas suyas de su época británica como puede ser "El hombre que sabía demasiado" (1934) o "39 escalones".

El reparto esta encabezado por Charles Laughton como el magistrado Sir Humphrey al que dota de su aire bonachon y una risa simpaticona presente en lo largo de todo el film, y como siempre está magnifico; la joven Maureen O´Hara como Mary, la sobrina de la posadera, en su primer papel importante en el cine, y notable debut, citar que volvería a trabajar con Laughton en "Esmeralda la Zingara" y "Esta tierra es mía"; Robert Newton como el misterioso Trehearne, en principio componente de la banda, pero que luego se descubre su verdadera identida; Leslie Banks como el cabecilla del grupo Joss Merlyn y Marie Ney como su esposa, Patience la posadera, una mujer enamorada de su marido aunque no vea bien lo que hace.

Una película recomendable, aunque no la consideraría de las mejores del maestro.

6,5/10

Series: House M.D

En el Hospital Universitario de Princetown trabaja el pintoresco Doctor Gregory House (un tipo cojo y solitario), especializado en enfermedades infecciosas, que si puede evitar tratar con los pacientes mejor, asi no podrá mostrarles su "ironico" sentido del humor. El equipo del extravagante doctor está formado por los doctores Foreman y Chase y la doctora Cameron, además de tener apoyo en el oncologo Dr. Wilson y tenerselas que ver más de una vez con la Dra. Cuddy, directora del Hospital.

Una de las series más interesantes que se han realizado, gracias sobre todo a su protagonista. Imaginense a un hombre que le da igual el paciente, un hombre que suelta lindeces como "¡Que se muera, asi sabremos que le ha matado y resolveremos el caso!", y es que a Gregory House poco le importa la vida de un paciente cuando hay por enmedio un interesante caso de enfermedad inexplicable.

La serie es como un CSI de medicina en que el equipo de House tendra que investigar la enfermedad y al propio paciente (incluyendo colarse en sus casas) hasta dar con el motivo de la enfermedad.

La estructura es siempre la misma, un enfermo llega a urgencias y o bien se le asigna el caso a House, en cuyo caso el tio dira que es una soberana idiotez y que no tiene nada (hasta que se descubra que si que tiene) o porque al buen doctor le interese los sintomas de un paciente. Además el pobre es castigado con pasar consulta, pero les aseguro que una vez visitado a este medico se le quitan a uno las ganas de volver a pisar un hospital. Y es que este tio es el mejor curando enfermedades y acertado a la primera lo que tienes (salvo en casos complejos, que casi siempre mete la pata, se supone que la buena no la que tiene coja).

El reparto está encabezado por Hugh Laurie, un secundaro visto en "El hombre de la máscara de hierro", "El vuelo del Fenix" o como padre adoptivo de"Stuart Little", como el buen doctor, al que le dota de un sarcasmo, un rostro melancólico y una seriedad únicas, y consiguiendo que el espectador le tenga simpatía; Robert Sean Leonard, memorable por "El culb de los Poetas Muertos" o "Rebeldes del Swing", como el Dr. Wilson, el mejor amigo de House; Lisa Edelstein como la Dra. Cuddy; Omar Epps como Foreman; Jesse Spencer como Chase y Jennifer Morrison como Cameron. Además han aparecdo rostros famosos como Joe Northon, Robin Tunney o el director de cine Bryan Singer (productor ejecutivo de la serie).

Creada por David Shore, ha tendio muy buenas críticas y conseguido varios premios de interpretacion para su protagonista.

Una buena serie, no apta para los que les den yuyu las agujas, que por ponerle un pero diría que su planteamiento argumental es demasiado mecánico.

Orgullo y Prejuicio, de Joe Wright

Los Bennet son una humilde familia inglesa cuya mayor preocupación es conseguir casar a sus cinco hijas con hombres de buena posición social. Entre ellas se encuentra la orgullosa Elizabeth, que no piensa enamorarse ni casarse.

Basada en la novela homonima de Jane Austen, la película bebe de otras producciones inglesas de época como "Sentido y Sensibilidad" o "Emma" (ambas basadas en novelas de la mima autora). Con un cuidado exquisito en los decorados y vestuario, le película es una hermosa historia de amor rodeada por las conveniencias que existían en aquella época de casarse con alguien solo por su fortuna. La joven Elizabeth no piensa en casarse hasta conocer al misterioso Sr. Darcy, por el que sentirá sentimientos contradictorios como son el odio y el amor. A medida que pase el tiempo niguno de los dos podrá evitar mostrar sus sentimientos.

El film está dirigido brillantemente por Joe Wright, que tiene especial cuidado tanto en las escenas de grandes multitudes como son los bailes, y en donde utiliza de manera bastante interesante y correcta el travelling (magnifico el del principio a través de la casa), como en las escenas intimas en que se nos muestran a los personajes solitarios rodeados por esas grandes tierras. El resto de apartados (fotografía, música, montaje) está muy cuidado y hace que la película gane enteros.

El reparto es soberbio, encabezado por Keira Knightley (nominada al Oscar por este papel) como Elizabeth, a la cual dota de orgullo, pero con una pizca de dolor interno por no poder expresar sus verdaderos sentimientos; Matthew Macfadyen como el serio Sr. Darcy, un hombre distante y sombrio pero con más de un secreto; Rosamund Pike como la hermana mayor de Elizabet, Jane, enamorada timidamente de un rico amigo del Sr. Darcy; Judy Dench en el breve papel de la tía del Sr. Darcy, mostrando entereza y mando; Brenda Blethyn como la preocupada madre Bennet que nada más piensa en casar a sus hijas y conseguir una posición social; y Donald Sutherland, magnifico, como el patriarca de los Bennet, el noble padre que ve como su esposa está nada mas que obsesionada con casar a sus hijas por dinero, sin pensar en su felicidad.

Una bella historia de amor al estilo inglés, muy bien dirigida y con unos actores en estado de gracia.

7,5/10

Alatriste, de Agustín Díaz Yanes

Diego Alatriste es un soldado que vuelve de luchar en Flandes con la promesa de cuidar a Iñigo Balboa, hijo de un compañero caido en combate. El Imperio Español está en decadencia y Alatriste se verá envuelto en más de una trama palaciega, haciendo amigos y enemigos.

Tenía miedo de esta película, pues como lector de Las Aventuras del Capitán Alatriste la esperaba con ansias, pero había leido ciertas críticas que la tachaban de fallida, mal montada, incomprensible. ¿Sera porque es la película española más cara de la historía?¿Sera porque no es el tipico film de espadachines?¿O será que yo he visto otra película y me esperaba algo peor?

Pues bien, mi opinión al salir de verla es satisfactoria. Lo mejor para verla y disfrutarla es ir sin esperar nada e intentando no sacarle fallos con respecto a lo que narran los libros (que hay más de uno). Que nadie espere ver un "Señor de los anillos" o "EL Padrino" porque esto no lo es, es una película basada en las novelas de Perez-Reverte que funciona por sí sola (y aqui seguro que un lector del capitán me mata). Diaz Yanes realiza una película drámatica con escenas de acción, y donde Alatriste es el eje central, entrando de lleno en la historia y sin detenerse en explicaciones. Quizas ese sea su error en el primer tramo de la película, en el que los personajes se nos presentan borrosos y mal dibujados (Malatesta, Manuel Saldaña), pero eso quizás lo notemos más los lectores que los espectadores que van a conocer al Capitán.

La película narra la vida de Alatriste desde que le hace la promesa a su compañero caido en Flandes (que gran inicio) de cuidar a su hijo, Iñigo, el cual se nos presentara como un joven con grandes aspiraciones a convertirse en soldado, y que verá en Alatriste a un padre. Como ya he mencionado, el primer tramo de la película es confuso en cuanto a que las situaciones ocurren demasado deprisa y se resuelven en un plis (el enfrentamiento con los ingleses), pero una vez que el espectador está dentro funciona muy bien.

Uno de los aciertos del film es que, al igual que en los libros, se nos muestra España en aquella época, su poder y su decadencia; autores de prestigio; grandes gobernantes y validos; la miseria del pueblo por las callejuelas.

La dirección de Diaz Yanes (responsable de la notable "Nadie hablará de nosotroas cuando hayamos muerto" y la un tanto decepcionante "Sin noticias de Dios") es más que acertada, rueda escenas con sabor clásico y elegante, obteniendo en más de una ocasión fuerza drámatica (la emboscada en el callejuelo; el duelo bajo la lluvia; la visita a las enfermas de sífilis), todo con la sabía ayuda de el diseño de producción, cuidadisimo, una fotografía absolutamente maravillosa de Paco Femenía que recuerda cuadros de Velazquez y Zurbarán y la excelente música de Roque Baños.

Una pega sería hablar del montaje, pero narrar 25 años de la vida de un hombre no es facíl en dos horas y media, y creo que los fundidos y los encadenados hay que entenderlos como elipsis y que el espetador construya lo que ha pasado en ese tiempo (cosa no muy díficil), y otro momento de pega es el asalto al galeón y la batalla que allí se efectúa de manera algo confusa (en ese momento la dirección hace algo de agua).

A pesar de eso un gran acierto son las batallas y duelos, desde el principio de la película en Flandes con esa atmosfera de niebla en la que se palpa la humedad y el sudor de los soldados, hasta los duelos en que se mata rapido, que esto no es una excibición de espadachines, aqui se mata y la sangre nos salpica.

El casting me ha parecido de los más acertado que he visto en años en el cine español, salvando excepciones, claro. Viggo Mortensen está magnifico como Diego Alatriste, por mucho que me digan que se le nota el acento, que susurra, a mi me da sensación de ser un hombre cansado por todas las guerras que ha visto y ha vivido, cada vez que sale en pantalla el tio tiene una fuerza y una presencia como él solo (y eso que a mi no me gustó su elección cuando se anunció); Unax Ugalde tiene momentos muy buenos como Iñigo, pero en general está bien; Elena Anaya hace muy bien su papel de Angelica de Alquezar (personaje un tanto cambiado en cuanto a las novelas), manipuladora pero enamorada de la persona a la que se le ha encomendado hacer daño; Eduard Fernandez está soberbio como Copons, el fiel amigo de Alatriste; Juan Echanove realiza un Quevedo inolvidable con grandes frases; Ariadna Gil como la actriz Maria de Castro no esta mal, tiene una gran escena con Mortensen casi al final; Enrico LoVerso es Malatesta, y me ha sorprendido bastante, lastima que su papel no esté mejor desarrollado; Eduardo Noriega como Guadalmedina pega completamente, prepotente como él solo; Javier Cámara está más que solvente como Conde Duque de Olivares, su maravillosa interpretación hace que nos olvidemos del retrato de Velazquez de ese gran hombre a lomos de su caballo. En cuanto al resto, citar a Antonio Dechent como compañero de andadas de Alatriste, y Blanca Portilo como Bocanegra, que aún me pregunto por qué una mujer con lo facil que hubiera sido poner a un hombre.

En resumidas cuentas podría decir que estoy más que satisfecho, y complacido al ver que en España se ha hecho por fin una película épica, con frases patrias (¿O es que solo van a poder decir en USA "Dios salve America" y en Francia "Vive la France"?) y con aroma de buen cine.

Quizás no la recomendaría a alguien muy admirador de las obras y que espera ver cada hoja en pantalla, pero si la recomendaría a quien quiera hacer un viaje a la España del S.XVII y conocer a un hombre que puede que no fuera ni el más honesto ni el más piadoso, pero si un hombre valiente, que malvivía en Madrid vendiendo su espada por cuatro maravedís y cuyo nombre era Diego Alatriste.

6,5/10