frikigalactico

Despedida y Cierre

2007-07-20T16:56:00.000+02:00

Hola queridos lectores, muy a mi pesar debo comunicar que este blog quedara abandonado por falta de tiempo de quien os escribe. Puede que en breve abra de nuevo otro blog, en tal caso no perdais de vista algunos blogs amigos.
Espero a los que hayais pasado por aqui que os hayan gustado los comentarios y que me perdoneis por este cierre.
Aún asi, estad atentos por la blogsfera, porque volvere.

Saludos.

Las Vacaciones de Mr. Bean, de Steve Bendelack

2007-04-12T11:56:00.000+02:00

Mr. Bean gana una rifa por la cual viajará a Francia.

Diez años después de que asaltará la gran pantalla por primera vez con su famoso personaje, Rowan Atkinson vuelve a enfundarse su chaqueta marrón con corbata roja para traernos una nueva aventura de Mr. Bean. El propio actor ha declarado que esta será la última vez que interprete al celebre personaje inglés, por lo cual había que despedirlo por todo lo alto, y que mejor manera que mandarlo de vacaciones a la costa azul para que incordie un poco a los franceses.

Más conseguida que su antecesora, aquella en la que Bean se hacía pasar por un experto en arte y tiene su aventurilla con “La madre de Wistler”, esta nueva película nos trae un Bean más suelto y más cercano al televisivo. Recién ganado el premio, Bean viaja a Francia en donde vivirá varias situaciones, rozando lo absurdo, hasta llegar a su destino, Cannes.
Bean siempre se ha caracterizado por los gags propios del personaje. En esta ocasión hay abundantes, aunque la gran mayoría son previsibles y fallidos contiene algunos verdaderamente memorables que consiguen la carcajada. Rowan Atkinson hace gala de sus mohines y no deja de mover cada músculo de su rostro, poniendo todo tipo de caras para, supuestamente divertir al espectador, llegando a límites inaguantables. Su personaje siempre ha estado cómodo en televisión y el paso al cine le sigue quedando grande. Por suerte, en esta ocasión, los personajes secundarios están mejor construidos que en la anterior aventura cinematográfica. Con el telón de fondo del Festival de Cannes, Bean se verá inmerso en el supuesto secuestro del hijo de un miembro del jurado, hará la vida imposible a un famoso director de cine (excepcional Willem Dafoe) y, como no podía ser de otra manera, se enamorará de una bella actriz.
Los momentos del egocéntrico director al que da vida Dafoe consiguen llegar a ser mucho más divertidos que las parafernalias de Mr. Bean. Véase por ejemplo ese momento en el festival en que el director admira entusiasmado su obra, pues su nombre y presencia la abarca completamente, que está aburriendo a todo espectador. Una mirada crítica a ciertos directores que se creen las estrellas de sus propias películas en todos los campos llevada al extremo y que Dafoe realiza de manera magistral.

El film está dirigido por el televisivo Steve Bendelack, que conoce bien el personaje de Bean. Sin conseguir momentos realmente brillantes, hace lo correcto para esta película, que es seguir al protagonista y ponerse a su servicio. Como ya he citado la cinta contiene momentos realmente cómicos como pueden ser el momento autostop, la actuación de Bean cantando, o todos los momentos Willem Dafoe que valen su peso en oro y por los que merece la pena ver la película. El resto son una sucesión de gags creados para el personaje que harán la delicia de todo buen seguidor, y que no engañan a nadie.

4,5/10

Flawless, de Joel Schumacher

2007-04-11T11:56:00.000+02:00

Walt Koontz es un agente de policía que sufre un ataque y queda paralizado de medio cuerpo. Para conseguir poder perder la parálisis del habla es recomendable dar clases de canto, para lo cual pedirá ayuda a un vecino con el que no se lleva nada bien porque es travestí.

Joel Schumacher dirige y escribe esta película en donde nos habla de la discriminación y posterior aceptación de personas diferentes, como pueden ser los homosexuales, a través de un personaje homofobo. Con este punto de partida que hubiera dado para una historia de amistad interesante sobre el conocimiento de ambos personajes, el director y guionista da ruedas de tuerca y consigue meter de por medio una investigación policial y un concurso en donde se elegirá a la reina travestí. Bien, dos cosas bastantes diferentes que si se hubieran mezclado bien habrían dado un comedía dramática interesante y no el refrito policial-gay que acaba siendo.
No digo que la película sea horrorosa, sino que los elementos con que cuenta son muy interesantes, pero que quedan anulados por varios momentos bastantes inverosímiles. Si no veamos a esa panda de amigos machos jugando una partida de cartas, insultando a los gays y travestís, para en la siguiente secuencia donde salen ver como están todos en una fiesta felices y contentos bailando. La aceptación es que vienen cuando menos te lo esperas. Los amigos de Rusty, el vecino de Watl, son locas a más no poder, que en seguida se hacen amigos/as del enfermo policía al que uno llama “Señor Pie Izquierdo”.
Por suerte tenemos momentos íntimos en donde Walt y Rusty se confiesan cosas privadas y donde se dan cuenta de que no son tan diferentes el uno del otro.
La trama policial está metida con calzador, pues cuando empieza el film parece que vamos a ver una película en plan policíaca, para después ir abandonando esa trama y recuperarla al final en modo de sorpresa.

Schumacher dirige de forma correcta tirando a floja, metiendo personajes que no sirven para mucho (ese guitarrista amargado), con diálogos bastante prescindibles. Esta película data de 1999 (aunque llegó a España bastante después), y es que los 90 no fueron del todo buenos para el director, no solo regaló a los fans las dos peores entregas de “Batman” sino que realizó films tan deficientes como “Tiempo de Matar”. Por suerte en 2000 volvería a tener buen pulso y nos traería “Tigerland”, “Última Llamada”, o “El Fantasma de la Opera”. Así que esta “Flawless” se puede considerar su película de transición, y más personal en años, pues la escribe y dirige.
Posiblemente lo mejor de la cinta sea ver a dos grandes como son Robert DeNiro y Phillip Seymour Hoffman realizar dos buenas interpretaciones (excepcional en el caso del segundo). DeNiro vuelve a interpretar al policía malhumorado que sufre un ataque y queda tetraplejico, rememorando sus buenos tiempos en “Despertares”, consiguiendo una interpretación muy convincente. Seymour Hoffman por su parte realiza el papel de Rusty, el vecino travestí de Walt que es un gran admirador de la música y cuya mayor ilusión en el mundo es poder hacerse la operación que lo convierta en mujer.

Película de temática gay, en donde no se sabe mezclar bien trama policial con comedía o temática social, pero que contiene dos buenas interpretaciones de sus protagonistas.

4/10

BMW Short Films: The Hire

2007-04-09T13:56:00.000+02:00

Serie de cortometrajes que la compañía BMW realizó entre 2001 y 2002 contando con un buen puñado de profesionales como son David Fincher o los hermanos Scott en la producción y con realizadores de primer orden, los cuales otorgan a las historias su particular estilo cinematográfico. En cada uno de ellos el protagonista, el conductor, al que da vida el sensacional actor Clive Owen, deberá completar una misión o encargo, algo así como una especie de “Transporter”.
La serie se forma de:
-“Ambush” de John Frankenheimer: El director hace gala de su estilo clásico en esta realista persecución en donde el conductor deberá proteger a su pasajero que esconde una importante información.
-“Chosen” de Ang Lee: Heredera directa de “El Chico de Oro”, el conductor debe traladar a un chico del Tibet pasando por diferentes obstáculos. Atención al regalo que le da el niño al final del corto, un guiño al que era el proyecto cinematográfico de Ang Lee por aquel entonces.
-“The Follow” de Wong Kar Wai: El más poético de todos. En él, el conductor nos narra lo que siente cada vez que se le encarga el trabajo de seguir a alguien, viviendo esta vez una historia más personal de lo costumbre con su objetivo. La denuncia social está presente de forma magistral. Secundan a Owen, Mickey Rourke y Forest Whitaker. Una delicia de cortometraje.
-“Star” de Guy Ritchie: El director de “Snatch” pone en marcha su estilo visual narrando la pericia del conductor de llevar como pasajera a la mismísima Madonna, a la cual demostrará sus buenas dotes en la conducción, y de paso le dará una lección. Pura adrenalina.
-“Powder Keg” de Alejandro González Iñárritu: Posiblemente el más comprometido de todos. No es de extrañar estando detrás Iñárritu y Arriaga. Narran la historia de un fotografo de guerra que quiere llegar a la embajada de su país. Entablará una amistad con el conductor, quien puede que falle en esta nueva misión. Desgarrador.
-“Hostage” de John Woo: EL director de “The Killer” vuelve a sus buenos tiempos y realiza una historia con buen pulso y emoción. Acción y adrenalina se dan de la mano de manera sobresaliente.
-“Ticker” de Joe Carnahan: El conductor debe comenzar una carrera contrarreloj para conseguir llevar a su destino un maletín. Carnahan demuestra su buen hacer tras la cámara con un reparto estelar en donde vemos a Don Cheadle, F. Murria Abraham o su habitual Ray Liotta.
-“Beat the Devil” de Tony Scott: El pacto con el Diablo está aquí presente. James Brown visita a Satanás, con quien tiene un pacto, para que vuelva a brillar sobre el escenario como antaño. Tras varios minutos de conversación el conductor le propondrá al Diablo una carrera en donde decidir el destino de Brown. Tony Scottt hace gala de su estilo más salvajemente videoclipero en esta historia que transcurre en Las Vegas y tiene como protagonistas a James Brown, Gary Oldman, Danny Trejo o Marilyn Manson.

La calidad de todos y cada uno de los cortometrajes hace imprescindible el visionado de esta serie, que es mil veces superior y tiene mucho en común con “Transporter”. De todos los citados, el más memorable, en mi opinión, es “The Follow” de Wong Kar Wai, una joya.

El Buen Pastor, de Robert DeNiro

2007-04-06T19:57:00.000+02:00

Edward Wilson es un joven idealista que tras terminar sus estudios en Yale se incorpora a trabajar bajo el Gobierno de los Estados Unidos. Poco a poco, Wilson se ira introduciendo más en materia de espionaje y se convertirá en un hombre frío y calculador convirtiéndose en uno de los fundadores de una de las Agencias más poderosas del mundo: La CIA.

Si digo desde cuando esperaba esta película muchos no me creerían. Segunda película como director del gran Robert DeNiro, que ya debutó con la magnifica “Una Historia del Bronx”, y que aquí va un poco más allá en lo que a riesgo se refiere. Reconozco que fui con cierto miedo tras leer la mayoría de las críticas que dicen que es una película vacía, aburrida y extremadamente larga. Aún así, estando DeNiro detrás tenía cierta esperanza y no salí decepcionado, sino todo lo contrario.
Si lo que se nos quiere mostrar en el film es cómo funciona un alto mando de la CIA desde sus primeros pasos, no se puede negar que la película lo consigue. Vemos como el joven Wilson entra a formar parte de la sociedad secreta “Skulls and Bones” (no sé si ustedes se acordaran de esa película de Rob Cohen llamada “The Skulls”) a partir de la cual se forjaran amistades y enemistades; como mantendrá amistad con un agente del FBI; como traicionará a un profesor que luego será de vital importancia en su vida; como se casará contra su voluntad por haber cometido un pequeño desliz. A medida que Wilson vaya entrando en la telaraña del espionaje y se convierta en un profesional se irá distanciando de su familia y de los ideales que tenía en sus años de estudiante.
No es de extrañar que a mucha gente la película le parezca fría y distante, pues el personaje es así. En ningún momento se simpatiza con él, es un rostro de piedra que estudia cada movimiento, cada situación que lo rodea, un hombre que parece no tener conciencia más que para con su país.

Abarcar un periodo tan largo como pueden ser 22 años de la vida de un hombre resulta complicado, sin embargo el film posee un montaje a base de flashbacks que, si el espectador acepta entrar, consigue atraparnos y mantener nuestro interés. La película comienza en 1961 cuando a Wilson le entregan un sobre con una foto y una grabación, que serán investigadas por él y su equipo, pues en ellas pueden hallar al culpable por el cual la operación en Bahía de Cochinos fue un desastre, mientras tanto se alternarán varios flashbacks que nos llevarán a 1939, cundo Wilson estaba en Yale. Así transcurre todo el film, entre la investigación llevada a cabo en el 61 con los flashbacks que nos relatan la historia de cómo Edgard Wilson llegó a convertirse en un miembro tan vital para el contraespionaje de EE.UU.
La investigación sobre dicha fotográfia y grabación ya intrigan al espectador, sin embargo vemos otras cosas en pantalla que nos muestran el funcionamiento del mundo del espionaje como la infiltración en bando enemigo, saber tener ojos en todas partes y no confiar nuca en nadie. Wilson mantendrá una relación de rivalidad con su Némesis en Rusia tras la Seungda Guerra Mundial, Ulises.
En el ambiente sentimental Wilson apenas tiene complicidad con su esposa Clover, con quien solo tienen en común un hijo. EL amor de Wilson siempre ha sido Laura, una joven sorda que conoció en la Universidad, y por la que siempre se ha sentido atraído, sin embargo su nueva vida como agente le impide seguir viéndola.

La cantidad de información política que se nos da en pantalla es difícil digerirla, convirtiéndose en una película densa, pero no por ello decepcionante. El guionista Eric Roth, a quien le debemos los libretos de “Forrest Gump” o “Munich”, crea un thriller de espionaje internacional verdaderamente realista y con conversaciones a las cuales hay que estar muy atento. Esto no se trata de Jason Bourne (a pesar de compartir protagonista) ni James Bond, esto trata de ser tan real como puede. Así pues Wilson será la cabeza que envié a otras manos para hacer el trabajo sucio y que no le salpique.
Por supuesto, dicho guión, por muy brillante que pudiese ser, no serviría de nada si tras la cámara no estuviera una persona con mano firme e ideas claras que llevará el proyecto a buen puerto. DeNiro afronta la realización del film de manera brillante, sobria, extremadamente clásica, conteniendo momentos verdaderamente sublimes como el descubrimiento de la espía sin audífono o las muertes de personajes queridos para Wilson y su familia. A pesar de que se ha querido comparar a la película con “JFK” o “El Padrino II” no hay que equivocarse. De la primera será porque abarca tramas políticas dentro de Estados Unidos, y de la segunda porque el montaje es a base de flaschbaks, ya que “El Buen Pastor” no posee ni un ápice de épica ni de tragedia griega como si pudiera tener la Saga de Los Corleone. DeNiro crea una película fría, en donde las emociones quedan destapadas en leves secuencias, pero envueltas en esa coraza de hierro como puede ser la del protagonista, conocido como “frío”.

Rodeado de un equipo de primera como puede ser Robert Richardson en la excelente fotografía, An Roth en el vestuario o Jeannine Claudia Oppewal en la dirección artistica. Por no hablar del excelente y extenso reaprto (galardonado en Berlin como Contribución artistica) en donde Matt Damon personifica de manera fría y calculadora a Wilson, capaz de atrapar todo lo que le rodea tras el cristal de sus gafas y el cristal de una botella (sus barcos). Secundado perfectamente por John Turturro como la mano ejecutora de Wilson, Alec Baldwin como el enlace del FBI, Michael Gambon como el buen Profesor de Wilson, Billy Crudup como compañero en la agencia o William Hurt como jefe de Wilson. Angelina Jolie da vida a Clover, esposa de Wilson, quedando muy mal parada frente a Tammy Blanchard como Laura. A pesar de que casi todos los papeles quedan a la sombra de Damon en cuanto a importancia se refieren, y algunos muy desdibujados, tambien aparecen ya en muy menor medida Robert DeNiro como el Coronel Sullivan, Timothy Hutton como el padre de Edgard, y el gran Joe Pesci en colaboración especial para su amigo Bob.

A pesar de su excesivo minutaje (no le hubiera pasado nada recortarla 10 minutos) la película es una excelente muestra de thriller político de espionaje bien llevada a cabo apadrinada por Francis Ford Coppola, y donde DeNiro demuestra que tambien es grande tras la cámara.

7,5/10

Frankie y Johnny, de Garry Marshall

2007-04-03T15:21:00.000+02:00

Johnny acaba de salir de la cárcel y busca trabajo en un café-restaurante en donde conocerá a Frankie, una mujer de la que se enamorará. Aunque Frankie no quiere nada serio, Johnny le hará recuperar las ganas de amar a otra persona.

Muy estimable película del director de “Pretty Woman” en donde se nos narra la historia de amor de los dos protagonistas y el entorno que los rodea.
De caracteres diferentes, Frankie y Johnny se convierten en la pareja perfecta, dos personas diferentes que en el fondo no serían nada el uno sin el otro. Mientras Johnny es un hombre optimista, inteligente y con ganas de vivir el momento Frankie es una mujer con miedo a comenzar una relación por sus vivencias pasadas, su vida se resume en ir a su trabajo, llegar a casa y ponerse a ver películas en su nuevo video que no sabe cómo funciona mientras come una pizza. Dice un refrán que dos personas opuestas son las que más se atraen, y los protagonistas de este film bien pueden ser ejemplo para aquellos que no lo piensen. Otra cosas distinta es que una de las dos partes no quiera admitir que la otra le gusta, luchando contra sus sentimientos y mintiéndose a sí misma. Así es Frankie, una mujer que se niega a sentir lo que verdaderamente siente, y Johnny es quien no abandona en su cruzada por que ella le acepte, según él están predestinados debido a la canción del mismo título que sus nombres entre otras cosas.
La película no es más que una historia de personajes, de seres humanos reales, con problemas de verdad como pagar el alquiler, mantener una familia, trabajar para vivir, sin olvidarse de los sueños (el cocinero que consigue vender un guión y marcharse a Holywood). Todo ello es relatado sin salirse apenas del restaurante en donde trabajan ambos protagonistas, en donde sus compañeros y su jefe enriquecen más la trama y nos demuestra que no somos tan diferentes los unos de los otros.
La historia que nos cuentan trata el tema de la soledad, la que sienten los protagonistas, como los camareros del restaurante. Todos llegan a casa tras una dura jornada de trabajo y se encuentran solos, sin nadie que los reciba, no tienen más que el restaurante donde trabajan y a los compañeros con que comparten la jornada. También se hace alusión al SIDA (no olvidemos que estamos en los 90) a través del amigo gay de Frankie, con lo cual el film hace una leve mirada crítica a dicha enfermedad cuando se daba a conocer.

Sin más escenarios que el restaurante, el apartamento de Frankie y un hall en donde se realiza una fiesta, el director Garry Marshall consigue que el ritmo de la cinta no decaiga y que lo que esta pasando en pantalla nos interese. Cierto es que se la va la mano en más de un momento con sus sentimentalismo, aunque aquí estén ocultos tras el sentido del humor del guión que corre a cargo del autor de la obra de teatro en que se basa, Terrence McNally. Una de las secuencias más memorables de la película es cuando Johnny regala a Frankie una flor, el momento en que ella decide dar el primer paso y perder el miedo, un momento realmente inolvidable.
El reparto consigue crear unos personajes creíbles, cercanos, gracias a lo cual nos sentimos más conectados con la historia. Entre los secundarios nos encontramos con el habitual de Marshall, Hector Elizondo y Nathan Lane como el amigo gay de Frankie. Sin embargo los dos grandes protagonistas son Al Pacino como Johnny y Michelle Pfeiffer como Frankie, quienes consiguen unas más que notables interpretaciones (en especial ella) reencontrándose años después de “Scarface”.

Estimable película sobre una relación y sobre las personas que viven el día a día.

7/10

El Motorista Fantasma, de Mark Steven Johnson

2007-04-02T11:58:00.000+02:00

Johnny Blaze es un joven que hace un pacto con el diablo para salvar la vida de su padre. Años más tarde el diabólico Ser volverá para exigirle a Johnny el pago de dicho pacto: convertirse en su secuaz montado en moto para acabar con Blackheart y sus secuaces.

Nueva adaptación de un personaje Marvel, y van….. En esta ocasión se adapta un personaje más secundario dentro del mundo de los comics, aunque no por ello desconocido. La figura del motorista con el craneo llameante es una de las figuras más conocidas por los amantes de Marvel, pero que no llega al nivel de Hulk o Spider-Man.
Para llevar a la pantalla dicho personaje los ejecutivos de Marvel y Columbia contrataron a Mark Steven Johnson, quien ya se encargo de llevar a la pantalla a otro miembro de la familia con resultados más que desastrosos: “Daredevil”. Esto ya hacía esperar una película deficiente y un hurto al personaje. La incorporación de Nicolas Cage, gran fan de los comics, dio un poco de esperanza.

La historia del film no puede ser más simple, pues es el mito de Fausto readaptado para la ocasión, con mucha acción, mucho fuego artificial y poca profundidad. Sin embargo lo que queda bien para un serial de comics queda espantosamente mal en película, consiguiendo Steven Jonson superarse a sí mismo y desbancar a “Daredevil” de la peor película basada en un Héroe Marvel.
Ya no solo hablo del argumento, que bien desarrollado habría dado para una peli maja de Serie B, sino de los absurdos diálogos y situaciones que ocurren en el film. Porque vamos, esa conversación Cage-Mendes tras muchos años sin verse y la posterior conversación montados en sendos vehículos es digna para entrar en el podio de peores diálogos de la historia del cine.
Johnson no solo vuelve a dirigir, mal, una película basada en un comic sino que se plagia a sí mismo, ya que la historia entre Johnny Blaze y su padre es idéntica a la de Matt Murdock con el suyo, padre, no especialmente modelo, con problemas personales pero que es un héroe para su hijo y que es el motivo por el que luche contra el mal. Al menos podría haberse esmerado un poco en la planificación o la relación padre-hijo.
Ahora hablemos un poco de los villanos. Los malos del film son diablillos que vienen a la tierra que vienen en busca de no se qué objeto que nos interesa más bien poco. El lider, Blackheart, es el hijo de Mephistopheles, quien planea gobernar el mundo y el inframundo. Menos mal que aquí hay otra historia padre-hijo, el diablo padre no quiere que su hijito se haga con el poder porque es muy travieso. Total que está hecho un diablillo (si de tal palo…). Para detenerlo nadie mejor que el joven Blaze, con quien Meohistopheles hizo un pacto y a quien le ordenará detenerlos. Para eso le pone una nueva armadura, o mejor dicho, le priva de piel carnal para dejarlo en los huesos y que así dé más miedo, y le regala una super-moto endemoniada que mola mucho. Por tatno nos encontramos con un diablo miedica que no es capaz de cantarle las cuarenta a su hijo sino que tiene que mandar a la niñera. Si es que las relaciones paterno-filiales dan mucho juego en Hollywood.
Por supuesto no nos olvidemos de la maravillosa historia de amor entre Johnny Blaze y Roxanne. Lo de ellos no es química sino física, porque ella…. Vamos, no tiene más que aparecer para calentar a Blaze y que le arda la cabeza.
Las escenas de acción y los Efectos Especiales podrían considerarse lo mejor de la cinta, a pesar de ser de serie B.

De los actores poco se puede decir salvo que por ahí salen Wes Bentley, Sam Elliot y Meter Fonda que seguro estaban de vacaciones y no tenían nada mejor que hacer. Eva Mendes pasea felizmente su palmito, lo cual hace más llevadero el visionado de la cinta. Nicolas Cage puede estar satisfecho, ya que ha conseguido participar en una adaptación de comic y ridiculizarse a sí mismo, con ese dedo apuntando a lo “Corazon Salvaje” y esa frase que seguro le costó recordar “No se puede vivir con miedo” prestada de su amigo “Daredevil” que para algo es el hombre sin miedo.
Lo peor es que ha amortizado lo que ha costado y ha obtenido beneficios, lo cual nos lleva a la conclusión de que habrá secuela.

0/10

300, de Zack Snyder

2007-04-01T15:24:00.000+02:00

S. V antes de Cristo. Una guerra inminente se prepara entre Grecia y Persia. Esparta, con Leonidas reinando, niega agua y tierra a Persia. Tras poco tiempo de meditación el rey decide partir a las Termópilas para enfrentarse al ejército de Xerxes y ganar tiempo para que Grecia tome la decisión de mandar a sus ejércitos contra los persas.

Esperada adaptación de la novela gráfica de Frank Miller que desarrolla la batalla de las Termópilas de manera épica y brutal.
Miller comenzó a interesarse por el tema cuando vio la película “El León de Esparta” de Rudolph Maté, convirtiendo la batalla en una obra de culto dentro del mundo de las novelas gráficas. No debemos olvidar que Miller es uno de los autores más representativo del comic en la última etapa del S. XX , gracias a él Batman y Daredevil alcanzaron una nueva etapa y nos llegaban las historias de “Sin City”. El éxito de la adaptación cinematográfica de esta última animó a Hollywood a llevar a la gran pantalla el comic de Miller sobre la batalla de las Termópilas.
El director elegido para la empresa fue Zack Snyder, realizador que consiguió meterse en el bolsillo a crítica y público con su remake de “Amanecer de los muertos”. Snyder creó una gran expectación sobre el proyecto en Internet y diferentes medios (Comic-Con), en los cuales mostraba imágenes de lo que llevaba rodado con el objetivo de conocer las opiniones de los fans incondicionales de la obra de Miller y no decepcionar.

La película es un festín visual para todo amante de las aventuras épicas. Ya desde el principio en que se nos muestran las costumbres espartanas con los niños (si nacen deformes los eliminan pues no sirven para el Estado) vemos el poderío visual del film. Como ya hiciese Robert Rodríguez en “Sin City”, Snyder coge el comic de Miller y lo sigue al pie de la letra convirtiendo sus páginas en un storyboard al conseguir trasladárlo a la gran pantalla. Esto puede resultar bueno o malo, según como se mire. Pues, igual que en “Sin City”, los primeros minutos resultan impresionantes, impactantes, pero a medida que avanza la cinta el efecto va disminuyendo. Y es que trasladar un comic de manera literal al cine es un arma de doble filo, por un lado contentara a todo fan de la obra gráfica, pero por otro puede irritar a más de uno que no siga el juego. Aún así nadie negará que el acabado es realmente rico.
Con respecto a la historia, siempre se ha dicho que “300” no es histórica como pueden ser “Troy” o “Gladiator” (películas cuya rigurosidad no es que sea excesiva), sino una lectura de los hechos de manera heroica y brutal. Así pues los espartanos se nos muestran de forma heroica, valientes y fuertes (todos con unos musculos muy marcados para que nos dejen bien lo mucho que se entrenaban desde niños), invencibles en la batalla, no en vano han sido adiestrados desde los 7 años para luchar. Entre ellos existe un vínculo de sangre que los hace convertirse en uno solo en el campo de batalla. Leonidas es el gran héroe, el Rey, un hombre que desafía a sus consejeros marchando a las Termópilas con 300 hombres para combatir a Xerxes. En Esparta deja a su mujer y a su hijo, a quien puede que nunca vuelva a ver. Lo soldados que le siguen saben que van a una batalla sin retorno, pero el hecho de morir junto a su Rey ya es suficiente como para ir.
Si los Espartanos se nos muestran machos y guerreros, no se puede decir lo mismo del villano de la función, el Rey Xerxes, pues es representado de manera caricaturesca en plan Reina de Carnavales de Rio de Janeiro (no me extraña que se hayan ofendido los países árabes), y con una voz entre masculina y femenina. Claro que no hemos de olvidar de nuevo que estamos ante un comic, una ficción que trata un hecho histórico y no es extraño encontrarnos con personajes imaginarios, como ese jorobado con cruce de Gollum o el monstruoso esbirro de los Inmortales.

El plato fuerte del film, o al menos eso parece, son las grandes batallas que se cuecen en las Termópilas. Digo en apariencia porque si cogemos la primera y la segunda batalla y las comparamos vemos que es la misma solo que con más soldados en el bando persa. Estamos asistiendo a un videojuego en donde la cámara va a ritmo normal, pasa a lenta y de repente a ritmo vertiginoso con acordes de guitarra eléctrica de fondo. Una bonita publicidad para ir abriendo boca para el videojuego oficial. Claro que hay peleas verdaderamente brutales y sangrientas dignas del espectador más exigente, por supuesto si dicho espectador está ansisoso de hacerse con la Playstatio3.
Por suerte el film contiene algunos momentos épicos que merecen la pena ser recordados, como son la contemplación de Leonidas de la flota persa con la lluvia torrencial siendo detenida por su escudo, la muerte de uno de los miembros de los soldados a ojos de un ser querido, o el tramo final en que la batalla toca a su fin. Sin embargo, los que para mi son los mejores momentos del film son aquellos que poseen una cierta poesía visual como la despedida de Leonidas de su mujer e hijo (momento copiado integramente de “Gladiador” en la puesta en escena y la música); la premonición del oráculo; o el arrodillamiento del Rey de Esparta ante Persia.
Parece ser que Snyder quiere homenajear (¿o copiar?) a ciertos films de corte épico en diferentes tramos, y no solo a “El León de Esparta”. La historia de la Reina ante el Senado y todos sus momentos con Leonidas nos recuerdan a “Gladiator” (con música similar incluida), un plano es casi idéntico a “Hero”, y las batallas de grandes masas podrían pasar por cualquiera de “El Señor de los Anillos” pero más bestias. No he leído el comic de Miller pero me han entrado ganas, no vaya a ser que lo hayan copiado a él los films citados.

La película es narrada en voz en off por uno de los soldados de Leonidas. El uso de dicho recurso recuerda de nuevo a “Sin City”, claro que en aquella ocasión eran los pensamientos de los protagonistas, mientras que aquí se nos relata lo que vemos en pantalla, lo cual me parece innecesario. Por no hablar de la “originalidad” de los diálogos, todo un festín para todo aquel que quiera dedicarse a guionista, pues los hay con doble sentido y todo.
La música de Tyler Bates encaja perfectamente con las imágenes, sin embargo no compone todo original, pues la marcha principal es una copia de la que creara Elliot Goldenthal para “Titus”. Sí consigue acompañar a las imágenes en todo momento, como los anteriormente citados entre Leonidas y su mujer, o el usar guitarra eléctrica en las batallas de forma que se consigue un efecto más brutal, y chocante.
De entre el reparto destaca Gerard Butler como Leonidas, actor que aporta carisma al Rey Espartano y cuya carrera parece que ascenderá tras este film. Rostros de producciones épicas como David Wenham (Faramir en “El Señor de los Anillos”) o Dominic West ponen su rostro a miembros de Esparta con diferentes objetivos.

Aceptable adaptación de la novela gráfica de Frank Millar, ideal para una tarde de domingo acompañado por palomitas y refrescos. Aún así, yo me sigo quedando de lejos con “Sin City”.

5/10

Volveré

2007-03-12T11:52:00.000+01:00

Debido a asuntos personales escribo poco por aqui, pero eso no quiere decir que deje este blog. Este mes de Marzo no escribiré salvo el post presente, pero en Abril prometo volver con nuevos comentarios sobre films que he visto.
Como bien decía Suache en "T-2": "Volveré".

Perdón por las molestias.

Oscars 06: Scorsese´s Night

2007-02-26T10:45:00.000+01:00

Pues nada, que por fin se ha reconciliado la Academia con el Gran Scorsese premiándole con la estatuilla al Mejor Director del Año. Además, su película, "The Departed", ha sido premiada con 3 Oscars más, entre ellos el de Mejor Película del año (Doblemente contento Marty), Montaje (para la habitual del director,Thelma Schoonmaker, y que a mi me pareció horrendo en su primer tercio del film) y Guión Adaptado. Siempre he dado ha conocer mi desilusión con dicha película, más que nada porque es una remake de una película estupenda china y porque no está a la altura de Obras Maestras como “Toro Salvaje”, “Taxi Driver” o “Uno de los Nuestros”, aunque la Academia estaba en deuda con Scorsese y ha decidido premiarle en esta, que será recordada como su Gala. Ha sido muy emocionante ver como recibía el premio de manos de sus colegas: el Padrino Coppola, el Rey Spielberg, y el Mago Lucas. Lo único que hubiera puesto la guinda a su noche es que el premio a Mejor Película lo hubiera otorgado De Niro y no Nicholson, que ya lo hizo el anterior año.
El resto de premios, más o menos previsibles, Actriz para Helen Mirren, Actor para Whitaker, Secundaria Jennifer Hudson, y la sorpresa para Alan Arkin como Secundario por “Little Miss Sunshine”. El Laberinto del Fauno se ha llevado 3 Premios, siendo la segunda triunfadora en número de estatuillas, aunque no se haya llevado el de Película Extranjera que ha sido para “La Vida de los Otros”. Babel ha sido la gran derrotada, de 7 candidaturas solo ha conseguido llevarse Banda Sonora, de nuevo para Santaolalla que ya lo ganó el pasado año injustamente (estaba John Williams con dos joyas presentes). Me entristece que “Children of Men” y “Apocalypto” se fueran de vacío, pero así son estos premios.
En total, una noche en donde la Academia rectificó fallos de antaño dando un Oscars honorifico a Morricone y premiando de una vez a Scorsese, aunque repito que “The Departed” me parece de sus films más sobrevalorados. Me despido de este mini-resumen con una foto para la Historia.

BSO de la semana: The Mission

2007-02-23T16:22:00.000+01:00

The Mission de Ennio Morricone: Puesto que este domingo se entregan los Oscars y el único que se sabe abiertamente es el honorífico para el gran compositor italiano Ennio Morricone he decidido colgar hoy esta gran Banda Sonora, de la que más satisfecho se siente el compositor italiano. Con un inteligente uso de instrumentos musicales consigue transmitirnos la sensación de estar en la selva amazónica. El maravilloso tema principal es conocido por todo el mundo y no hay quien no sepa tararearlo. Inolvidables son también los temas "Gabriel´s Oboe" o "Miserere" que cierra el disco. La sensacional película de Roland Joffe no sería lo que es sino fuera por la gran partitura elaborada por Morricone.
5/5

Cartas desde Iwo Jima, de Clint Eastwood

2007-02-22T21:02:00.000+01:00

1944. Soldados japoneses enviados a la isla de Iwo Jima preparan la defensa de la isla. El General Kuribayashi es mandado para dirigir el ataque. A pesar de todo el esfuerzo por defender la isla, los soldados, con el General a la cabeza, saben que la batalla está perdida.

Segunda parte del díptico sobre la batalla de Iwo Jima. Si hace un mes teníamos en pantalla “Banderas de Nuestros Padres” en donde se narraba la historia de los hombres que colocaron la bandera en el monte Suribachi ahora podemos ver la historia vista desde el lado japonés. Tenía muchas ganas de verla, ya que “Banderas…” me pareció bastante regular para ser de Eastwood y esperaba que con “Cartas...” nos narrara algo mucho mejor. Y la verdad es que la espera ha merecido la pena.
Con un inicio en que se nos muestran imágenes de la isla en 2005, vemos como un grupo de arqueólogos entra en los túneles que guarnecieron a los soldados japoneses y encuentran algo bajo tierra, comenzando a cavar. Desde ese momento se hace un encadenado con la playa de la isla en donde los soldados japoneses están preparando su defensa contra los americanos. Estamos en 1944. Presenciamos la legada del General Kuribayashi y como preparará una nueva estrategia defensiva, ha estudiado a los americanos y conoce sus técnicas. Sin embargo no tiene menos miedo que sus soldados al saber que su flota ha sido derrotada y que están solos en la isla, sin apoyo.

“Cartas desde Iwo Jima” es una película mucho más intimista y poética que “Banderas…”. El primer tercio, antes del ataque, es un verdadero festín para todo amante del cine clásico. Los paseos de Kuribayashi por la isla con esa eminente fotografía semiapagada, la relación que existe entre los soldados con sus rencillas con algunos oficiales, la preparación estratégica para la defensa de la isla. Todo ello con un estilo un tanto sobrio, cercano a las películas japonesas. No voy a decir que emule al cine de Ozu o Kurosawa, que me parecen palabras mayores, pero si es cierto que Eastwood consigue un ritmo, una puesta en escena cuidadísima. El momento del ataque y toda su duración ya es algo más regular, parece que Eastwood no ha nacido para secuencias de guerra por muchos medios que posea. Aún así, dichas secuencias no duran mucho, y lo que realmente nos importa es lo que les pasa a esos hombres escondidos en los túneles que aguantan hasta comprobar que están perdidos y no les queda más salvación que morir honorablemente. El momento en que todos empiezan a inmolarse a vista de dos de los protagonistas es tremendamente desgarrador, transmitiendo una sensación de impotencia contenida. Sin embargo, hay dos muertes a base de suicidio que me parecen memorables, la del Barón Nishi en la cueva, solo, y la de Kuribayashi, viendo la única tierra de la isla que sigue siendo japonesa. Esta última muerte especialmente se convierte en una secuencia memorable gracias a la labor interpretativa, no solo de Ken Watanabe, sino de Kazunari Ninomiya que protagoniza las secuencias más dramáticas del film.
El honor de los japoneses de luchar por su país y morir en ensalzado en esta película y muestra lo importante que es para ellos, viendo una deshonra la rendición. Al ser esta la perspectiva japonesa, había que mostrar cómo se comportaban los americanos con los japoneses que capturaban. Si en “Banderas…” el personaje de Ryan Phillipe entraba en una cueva y veía las atrocidades que le habían hecho a un compañero (momento que intuyo cual es en esta película), en “Cartas…” Eastwood muestra el lado deshumano de los americanos, subrayando una vez más que en la guerra no hay buenos ni malos, sencillamente hombres que luchan por su país, aunque sea en contra de su voluntad.
Además de eso, se establece un vínculo entre japoneses y americanos al leer la carta de un soldado americano que es capturado. Es una carta de su madre. Al leerla, los japoneses sienten que no son tan diferentes a ese soldado, pues sus madres habrían escrito algo igual. Una muestra más del absurdo del deshumanización que supone la guerra en la vida de las personas.

Si en la prímera película los personajes nos importaban más bien poco, puesto que apenas nos identificamos con ellos, en “Cartas…” pasa justo lo contrario. Y todo gracias a una elaboración de personajes mucho más cuidada. El guión ha sido escrito por Iris Yamashita, el cual parece elaborar mejor personajes que Paul Haggis visto el resultado. El General Kuribayashi (sensacional Ken Watanabe) es un excelente soldado, un hombre culto que ha vivido durante un tiempo en América, y un gran estratega. Lleva muchos años como soldado y ha luchado en multitud de batallas. Su presentación en la película no es simplemente su descenso del avión sino cuando detiene a un oficial por golpear a unos soldados y le dice que “un buena capitán debe usar más el cerebro que el látigo”, una frase que lo define muy bien. Por otro lado tenemos al Barón Nishi, admirado por todos los del regimiento por ser el campeón de las olimpiadas en salto ecuestre, se muestra como un magnifico oficial, amigo de Kuribayashi, y una persona que transmite a sus hombres valor. Al igual que el general, ha vivido en América y conoce la lengua, así pues establecerá amistad con un soldado americano que capturan. Su muerte es de lo más memorable del film, en ella se ve la templanza y el honor de un hombre al que le ha llegado la hora y lo asimila con valentía. Por último tenemos a Saigo, el joven soldado que demuestra ser mejor de lo que sus oficiales piensan. Admirador del general Kuribayashi, quien le salva la vida tres veces en la isla, es el personaje que guía al espectador a través de la vida de los soldados. Su maravillosa secuencia junto a Kuribayashi al final es para convertirse en clásica instantánea.
Para ayudar a comprender a los personajes se utilizan los pensamientos de los mismos, trasladados a las cartas que escriben, y en flashbacks. Si en “Banderas…” los flashbacks resultaban un tanto innecesarios y mal utilizados, no se puede decir lo mismo aquí. Gracias a ellos comprendemos el miedo de Saigo en la guerra, fue separado de su mujer estando embarazada y teme no conocer a su hijo, a quien le hizo una promesa. También poseemos detalles de la vida del general Kuribayashi, en especial me quedo con el flashback en que es invitado a una cena en América y es homenajeado regalándole una pistola que lleva siempre con él y que será causa de su final. En dicha cena se establece una conversación con la mujer de otro oficial en que se le pregunta que haría si Japón y Estados Unidos entraran en guerra, a lo que el oficial responde que lucharía honorablemente por su país, aunque eso conlleve matar a personas con quien está comiendo en ese momento.

Clint Eastwood vuelve a demostrar aquí su buen hacer tras la cámara con momentos anteriormente mencionado. La larga duración del film no desciende de ritmo apenas, salvo algún momento puntual durante el asedio. Quizás el final sea un poco más largo de lo necesario, sin embargo está mucho mejor construido que su predecesor americano. El momento en que todas las cartas caen al suelo a ritmo de la maravillosa música de Kyle Eastwood y Michael Stevens, esas cartas representan los recuerdos de aquellas personas que fueron enviadas a una muerte segura, cuyas huellas quedaron para siempre en aquella isla. Un final donde la emoción contenida envuelve todo.

Excelente película que nos muestra lo que tuvieron que vivir aquellos soldados afincados en la Isla de Iwo Jima, servida por la maestría de Clint Eastwood.

8/10

La Saga del Mes: El Señor de los Anillos

2007-02-21T15:26:00.000+01:00

La Comunidad del Anillo (2001):

Frodo Bolson vive apaciblemente en La Comarca. Tras la partida de su tio Bilbo el joven hobbit se queda con un preciado objeto, un anillo. El Mago Gandalf el gris advertirá a Frodo del peligro que corre quedándose en La Comarca. Partiendo junto a tres hobbits mas, Frodo huirá en busca de salvación llegando a Rivendel en donde se formará una compañía dispuesta a destruir el anillo.

Cuando se dio a conocer la noticia de que la Obra Magna de Tolkien iba a trasladarse a la pantalla la mayoría de la gente, empezando por los fans, se alegraron. La única versión cinematográfica existente era la película de animación de los 70 que realizará Ralph Bakshi y que tan solo narraba hechos acontecidos en “La comunidad del anillo” y “Las dos torres” en un film no superior a dos horas.
La persona encargada de realizar la adaptación para la gran pantalla era Peter Jackson, quien mostró su empeño por realizar tres films correspondientes a las novelas por las que sentía especial cariño. Claro que no era tan fácil, pues los derechos los tenía Miramax y sus directivos, los hermanos Weinstein, quienes querían una sola película de tres horas. Tras varias reuniones New Line acabó comprándoles los derechos para que Jackson llevara a cabo su visión particular sobre el mundo de Tolkien.
Jackson decidió rodar los films en Nueva Zelanda, trabajando con profesionales de allí, tal es el caso de la compañía de efectos visuales Weta. Con un elenco interpretativo en que brillaban nombres como Christopher Lee, Ian McKellen, Ian Holm, o Cate Blanchett el director realizó un casting para elegir al resto del elenco que daría vida a los personajes de las novelas. Con la mente puesta en actores británicos el director no dudo en contratar a actores americanos como Sean Astin o Elijah Word, quien mostró su especial interés por el proyecto, y en concreto por el personaje protagonista de Frodo, mandándole una cinta a Jackson en que el actor se había grabado a sí mismo interpretando al hobbit. Cuando parecía que todo iba sobre ruedas y el rodaje iba a comenzar el actor elegido para dar vida a Aragorn, Stuart Townsend, fue sustituido por un actor más maduro, Viggo Mortensen.
Con un plan de rodaje que abarcaba las tres películas para ser rodadas a la par el director tuvo que controlar todo el proceso creativo que rodeaba el proyecto. El presupuesto no fue muy alto para una superproducción de envergadura como esta, ya que cada film no costaría más de 100 millones de $ (hablamos de películas de 3 horas de duración con un gran equipo técnico a sus espaldas).
Con la fecha de estreno prevista para Diciembre de 2001, Jackson trabajó duro para que la película estuviera lista sin problemas. Su idea era estrenar cada entrega con un año de diferencia, o sea cada Navidad. La productora New Line se esforzó al máximo para conseguir la expectación necesaria (aunque ya con decir que es la adaptación de la novela fuera suficiente), ya que esa Navidad también llegaría a las pantallas otra importante adaptación literaria, Harry Potter.

El 19 de Diciembre llegaba a los cines “La Comunidad del Anillo”, primera parte de la trilogía de los Anillos. Recuerdo que ese día fui con mi entrada comprada días atrás a la cola del cine a eso de las 10 de la mañana (cuando aún se hacía cola, lástima que ya no se haga) y me encontré con varias personas ya allí (¡¡¡A las 10 de la mañana!!!). Reconozco que quedé boquiabierto, me puse tras la última persona de la cola, una chica que terminaba de leer “La Comunidad del Anillo”. Cada diez minutos iba llegando más gente y la cola iba creciendo y creciendo. En mi vida había experimentado tal cosa en el cine (el estreno de “La Amenaza Fantasma” me lo perdí porque ya se habían agotado las entradas). En las horas que faltaban para la película (empezaba a las 16:30) hablabas con gente de la cola, sobre qué esperaban, si veríamos esto y lo otro. Yo no esperaba gran cosa, lo reconozco. El único libro que había leído era precisamente el primero y me pareció tremendamente tedioso en sus descripciones, y a la película de animación no le tengo un buen recuerdo. A las 14:00 la entrada del cine estaba abarrotada por gente que iba con sus libros, algunos con disfraces, todos entusiasmados. Yo fui solo (cosa no muy extraña en mí) pero no me encontraba solo, ya que entable conversación con varias personas de la cola, de forma que para comer nos turnábamos para ir y que no nos quitarán el sitio. A las 16:00 las puertas del cine se abrieron y comenzó a entrar la gente. Ya no me importaba que la película me decepcionara (tampoco iba con muchas expectativas, repito), ya que el compartir con todas esas personas esa experiencia desde que llegara a las 10 merecía la pena. A la entrada a la sala cada uno nos poníamos como loco a buscar un buen sitio para ver la peli. A las 16:30 en punto toda la sala estaba llena, las luces se apagaron y comenzaron los anuncios durante los cuales la gente reía y hacía chistes, o pedía que empezara ya la película. Apareció el logotipo de Aurum, el emblema de New Line se creaba acompañado de una música que hizo que la sala entera enmudeciera en un silencio que nos transportaba a otra Tierra. Los susurros de Galadriel y sus primeras palabras daban paso al título de la película que muchos habían estado esperando “El Señor de los Anillos”.El prologo de la película recogía en imágenes lo que Tolkien narraba en sus primeras paginas, la forja de los anillos y como fueron repartidos entre enanos, elfos y hombres. Sin embargo había otro anillo que se adueñó el señor oscuro Sauron con el cual dominar la Tierra Media. Una Alianza entre hombres y elfos combatieron a Sauron y su ejército de Orcos derrotándolos, pero el rey de los hombres, Isildur, cayó en la codicia y se quedó con el anillo de Sauron, el cual traería desgracias a todo aquel que lo poseyera. Tras la muerte de Isildur el anillo quedó bajo el mar hasta que fue descubierto por un ser llamado Gollum y que llama al preciado objeto “mi tesoro”. Sin embargo el anillo se separa de Gollum y es encontrado por un hobbit, Bilbo, quien se lo adueña para él.
Todo este prologo aparece en pantalla de manera magistral, narrado por la voz de Galadriel. La enorme batalla entre elfos y humanos contra el ejercito de Sauron y su posterior victoria ya hacía ver que lo que estábamos contemplando era algo majestuoso que llamaba a convertirse en inmortal.
Tras el prologo la acción se sitúa varios años después en La Comarca con el joven Frodo Bolson leyendo en el bosque. Por lo visto Jackson fue fiel a su palabra, había adaptado de manera fidedigna lo que Tolkien escribió.
La historia del joven Frodo Bolson que parte de La Comarca acompañado de sus amigos Sam, Pippin y Merry, para salvar a la Tierra Media de caer en la oscuridad es conocida por todo el mundo. El joven Frodo representa la última eperanza para los habitantes de Tierra Media, demostrando que un ser tan pequeño como él puede hacer cosas grandiosas enfrentándose a todo tipo de peligros. Por supuesto recibirá ayuda del mago Gandlaf, de los guerreros Aragorn y Boromir, el elfo Legolás y el enano Gimli.
El director construye una historia visualmente inolvidable, consiguiendo transportarnos a la Tierra Media. Con un ritmo que no decae en ningún momento, el director consigue dotar de la atmósfera apropiada a cada momento de la historia. Así pues veremos la alegría que se vive en La Comarca y sus habitantes, temblaremos en la Cima de los Vientos cuando hagan su aparición los espectros del anillo, y nos maravillaremos ante los escenarios de ensueño de Rivendel y Moria. Jackson contó con la ayuda de los dos artistas más renombrados a la hora de ilustrar el mundo de Tolkien, Alan Lee y John Howe, cuyos dibujos ayudaron a Jackson a la hora de imaginar el mundo que debía reproducir.
No hemos de olvidar que “El Señor de los Anillos” es una historia donde valores como la amistad, el compañerismo, la lucha del bien y el mal se muestran, pero todo ello en un marco de fantasía y de aventura. Secuencias tan magistrales como el combate entre Gandlaf y Saruman; la lucha que acontece en la Cima de los Vientos entre Aragorn y los nazgul; la espectacular secuencia dentro de las Minas de Moria en que los heroes combaten contra orcos y trols, para acabar encontrándose con el Balrog contra quien Gandalf protagonizara uno de los momentos más inolvidables y dramáticos del film. Todos esos momentos han quedado grabados en la cabeza de más de un amante del cine.
Por supuesto toda esta historia no podría conseguir su objetivo si el reparto no es el adecuado, pero Jackson consiguió unos actores que supieron dar lo mejor de ellos mismo para el personaje. Elijah Word se confirmo como un perfecto Frodo Bolson, al igual que sus compañeros Hobbits, Sean Astin (quien tendría aún mucho que demostrar), Billy Boyd, y Dominic Monaghan. Viggo Mortensen demostró que se habían equivocado dándole el papel a Townsed y que no había un Aragorn mejor que él. John Rhys Davies mostraba su buen sentido del humor dando vida a Gimli, el enano. Cate Blanchett supo sacarle jugo a su breve papel de Galadriel. Ian Holm da vida a Bilbo. Hugo Weaving nos hizo olvidar a su Agente Smith de “Matrix” para mostrarnos una faceta más bondadosa como Elrond. Ahora vamos a mencionar a los peores y los mejores del casting. Liv Tyler es mona, vale, ideal para Arwen, puede, pero no sé en que estaría pensando Jackson cuando decidió darle más protagonismo a su personaje que el necesario. Si algo tiene “El Señor de los Anillos” tiene de culpa es dar a conocer al mundo a ese hombre llamado Orlando Bloom, Legolas en la película, personaje que lo que mejor hace es dar volteretas y tirar flechas (será lo único que sabe hacer este chico como demuestra en “Troya” o “Piratas del Caribe”). Ahora bien, entre lo mejorcito del reparto nos encontramos con Christopher Lee como Saruman y a Ian McKellen como Gandalf, los dos están sensacionales como los magos a los que dan vida y sus secuencias juntos son inolvidables (ese combate). Sin embargo el mejor de todo el elenco interpretativo es ese actor que tan infravalorado está como es Sean Bean, su interpretación como el codicioso Boromir está llena de tantos matices y contradicciones que el espectador es incapaz de no comprenderle y sentirse identificado con él, debería haber estado nominado él en lugar de McKellen.
Además del reparto también ayudaron mucho el sensacional vestuario, la dirección artística, los efectos especiales, y la magistral partitura de Howard Shore, quien crearía una de las obras musicales más memorables del Septimo Arte. Enya fue contratada para cantar el tema principal que ponía punto y final a esta primera aventura por Tierra Media, “May It Be”.

En la ceremonia de los Oscars de 2001 “El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo” partía como gran favorita con 13 Nominaciones de las que acabó ganando 4 correspondientes a Efectos Especiales, Fotografía, Maquillaje y Banda Sonora. Debería haber ganado merecidamente aquel año, ya que la ganadora fue la sobrevaloradísima película de Ron Howard “Una Mente maravillosa”.

“La Comunidad del Anillo” fue una experiencia cinematográfica inolvidable, a pesar de faltar ciertos detalles del libro (Tom Bombadil) y de tomarse libertades creativas, Peter Jackson consiguió no solo complacer a los amantes de las novelas sino a todo buen amante del cine.

8/10

Las Dos Torres (2002):

La Guerra por la Tierra Media va a dar comienzo. Mientras Sam y Frodo van en dirección al Monte del Destino acompañados por Gollum, Aragorn, Gimli y Legolas siguen la pista de Merry y Pippin. Por el camino se encontrarán con Gandalf, quien les guiará hacia Rohan en donde el mal ya ha hecho su aparición. El poder del Señor Oscuro aumenta y deben estar preparados para la gran batalla del Abismo de Helm.

Tras el enorme éxito de la primera película las expectativas hacia “Las Dos Torres” eran muy grandes. Jackson había conseguido reflejar el mundo de Tolkien de manera magistral por lo que no cabía más que esperar otra gran película.
En lo me respecta a mi, el año que separó una película de otra lo dediqué a leerme la trilogía completa y a comprarme la Edición Extendida de La Comunidad del Anillo para disfrutarla de nuevo previo visionado de la segunda. He de decir que de los tres libros el que más me gustó fue el segundo precisamente, y no porque se fuera a estrenar el film, sino porque me pareció muy interesante la forma en que está construido y porque posee mucha más emoción que el anterior.
Llegó Diciembre de 2002 y de nuevo compramos las entradas previas al estreno, esta vez fui acompañado y la entrada era numerada por lo que no había que hacer cola. Lo que seguía existiendo era ese ambiente de emoción previa a la proyección, claro que ni una pizca de lo vivido con la anterior.

La película comenzaba con un flashback que nos devolvía a Moria en donde Gandlaf lucha contra el Balrog, del momento en que vimos desaparecer a Gandalf en la primera, aquí caemos junto a él y contemplamos su salvaje combate con el Balrog hasta el fondo de la tierra. Un inicio realmente prometedor. Lástima que el resto del film sea muy irregular. Jackson ya anticipaba que esta película era la más difícil de las tres por no poseer principio ni final, y ser un film dependiente, por tanto igual que el libro. Sin embargo lo que Tolkien hace en el libro de manera que uno lo acabe con ganas de empezar el siguiente, Jackson no lo consigue en el film, realizando una película tediosa con buenos paisajes y efectos especiales. Quizás esto indigne a muchos, pero más indignado me sentí yo al ver “Las Dos Torres”, ya que siendo mi novela favorita de los anillos esperaba una adaptación tan fiel como la de “La Comunidad”.
Por un lado en esta película tenemos lo que les ocurre a Frodo y Sam, que no importaría de no ser por el mayor logro del film y lo que se ha convertido en un clásico en la Historia del cine, Gollum. Sam y frodo se dirigen al Monte del Destino para deshacerse del anillo y así acabar con Sauron, por su camino se tropiezan con Gollum que ansía volver a poseer el anillo. Entre los tres se formará una especie de Alianza que Sam no verá con muy buenos ojos. Frodo ve en Gollum lo que él podría llegar a ser si un día el anillo lo poseyera, por tanto le tiene lástima y cree tener que compartir su camino con él. Por el camino se encontrarán con múltiples peligros para darle emoción a la cosa y no aburrir al espectador, aunque ya digo que si no fuera por Gollum poco nos importaría lo que les pasa a Frodo y Sam.
Por otro lado tenemos a Merry y Pippin capturados por los orcos. Tras una emboscada en que el ejército de los hombres vence a los orcos, los hobbits huirán adentrándose en el bosque de Fangorn y conocerán a Carbol, un Ent. Si la parte de Frodo con Sam es tediosa, esta parte no tiene nombre. Se tiran todo el rato encima del hombre-árbol hablando de cosas supuestamente importantes de forma leeeennttaaaaa.
Por último tenemos lo que da vida a la película y realmente importa que son los hechos que acontecen a Arargorn, Gimli y Legolás. Esta trama acontece en el mundo de los hombres, el cual se está viniendo abajo. En Rohan el Rey Theoden ha sido dominado por Saruman, por lo cual su pueblo vive en la miseria. Pero no todo está perdido ya que un viejo amigo vuelve del más allá, Gandalf, conocido ahora como el Blanco (vamos que ha subido de nivel). En este tramo descubrimos que Aragorn es el legitimo líder de los hombres y el que debe guiarlos a la batalla, a pesar de que él no quiera aceptarlo. También seremos testigos de la batalla en el Abismo de Helm, batalla que en el libro dura diez paginas y en la película 40 minutos destinados para espectadores con ansías de Playstation en vivo.Si en “La Comunidad del Anillo” Jackson se permitía ciertas licencias, en esta se inventa media película. Empezando por alargar los hechos extremadamente (el abismo de Helm, los Ents), pasando por convertir a Legolas en un muñeco de goma que sabe subirse a los caballos de la forma más incoherente del mundo, hasta cambiar personalidades como Faramir, quien en el libro es noble, en la película es tan codicioso como su difunto hermano Boromir. Por no hablar de la forma de acabar el film, sin emoción, con un plano general parecido al anterior, de manera que el espectador no piense en la tercera parte por lo tediosa que ha sido esta. Y es que pensemos, el libro acaba dejando ambas historias (la de Frodo y la de Aragorn) en suspenso, de forma que cuando acabas de leerlo ya tienes “El Retorno del Rey” en la mano para continuar y saber que pasa. La película no, acaba y ya está, hasta la siguiente, no hay emoción, no consigue transmitir esa sensación de “No me dejes así. ¡Cuéntame más!”. También puede ser que tras una aventura tan fascinante como “La Comunidad del Anillo” en que la fantasía invadía la pantalla, “Las Dos Torres” es más una película de vikingos, de guerreros, no en vano lo más interesante transcurre en el mundo de los hombres. Tal vez Jackson, contando con eso, se sacó ese As de la manga como es el crear otra Alianza entre elfos y hombres en el Abismo de Helm, por lo que la que dijo Tolkien que era la última ahora dice el señor Jackson que no, que fue la última de otra Era, que después hubo otra. Toma ya. No olvidemos tampoco el flashback que reúne de nuevo a Aragorn y Arwen, cuando esta no sale en ningún momento del libro segundo. En fin, es que el contrato de Liv Tyler le exigía participar en las tres y había que conseguir que saliera.
Pero no todo va a ser malo, por supuesto. La película posee cosas muy buenas, empezando de nuevo por el trabajo interpretativo, empezando con Gollum, al que dio vida real Andy Serkis para después, por obra y gracia de la informatica, dotarle del aspecto que tiene en pantalla. Entre las incorporaciones del reparto destacar la de Bernard Hill como el Rey Theoden, Miranda Otto como Eowyn y Brad Douriff (“El Muñeco Diabólico”) como Lengua de Serpiente.
Jackson sabe brindar de nuevo secuencias majestuosas dentro de un conjunto tan soso, como pueden ser las apariciones de Gandalf, la batalla en Osgiliath o cuando Aragorn decide liderar a los hombres luchando con Theoden. Poco más.
De nuevo la dirección artística y los Fx brillaban en todo su esplendor. Pero lo más memorable fue la gran partitura que creó Howard Shore para esta película, superior a la creada para la anterior.

La película entró de nuevo en el cupo de los Oscars, por supuesto previamente recibió grandes halagos de la crítica (que sigo sin creérmelo), consiguiendo 6 nominaciones, entre ellas Mejor Película, anteponiéndose a joyas como “Camino a la Perdición” o “Atrapame si Puedes”. Si los Oscars de 2001 fueron de risa estos son de carcajada. Al final acabó llevando los de Efectos Visuales y los de Mejor Edición de Sonido de nuevo (deberían haber sido sus únicas nominaciones).

La peor película de la Trilogía, muy inferior a “La Comunidad del Anillo” por mucho que quieran decir. Tan solo resalta Gollum y la portentosa Banda Sonora.

5,5/10

El Retorno del Rey (2003):

Cada vez más cerca del monte del Destino, Sam y Frodo caminan sin descanso acompañados por Gollum, quien les tiene preparada una trampa. Mientras tanto Aragorn siente su deber de tomar su lugar en el trono como Rey de los hombres. La última batalla por la Tierra Media está lista y los días de los hombres se decidirán en ella.

Con todo a favor, el equipo de Jackson se esforzó al máximo para concluir de forma majestuosa la Trilogía. Con un marketing que comenzó en Febrero, mucho antes que las anteriores, el director jugó sobre seguro. Ciertamente las imágenes que se mostraban eran muy prometedoras, concluyendo con el impresionante trailer. Claro que ya no se sabía que esperar tras ver como se había desenvuelto Jackson en la anterior. Una semana antes del estreno los pases de prensa y las críticas no solo eran favorables sino que la ponían como una nueva Obra Maestra de nuestro tiempo, un espectáculo inolvidable.
Para concluir este viaje inolvidable nada mejor que terminarlo por todo lo grande, con una maratón que recogía las tres películas, o sea “La Comunidad del Anillo”, “Las Dos Torres”, en extendidas en la cual las segunda ganaba mucho más, concluyendo con la visualización de “El Retorno del Rey”. Un verdadero maratón friki al que asistimos cientos de jóvenes expectantes de ver las tres películas como una sola, tal y como se habían pensado, completando una maravillosa aventura.

La película comienza de nuevo con un flashback, como las dos anteriores. Sin embargo este flashback era de lo más esperado por muchos, pues narraba el origen de Gollum, el cual no era sino un joven Hobbit llamado Smeagol que cometió un terrible acto por conseguir hacerse con el anillo y quedar sepultado en las tinieblas convirtiéndose en la criatura que es. Ese prologo no posee Efectos Especiales ni es tremendamente espectacular, pero consigue ser el mejor prologo de la Saga simplemente porque lo que vemos nos parece real y doloroso, y está tan bien rodado que es imposible no sentir lo que transmite la pantalla (atención a esa alusión de sonido para concentrarse en la respiración de Deagol mientras es estrangulado). A partir de ahí, la voz de Gollum entra en escena narrándonos como fue convirtiéndose de un hobbit a la criatura abominable que es. Nada más que por ese prologo ya había merecido la pena ver la película. Sin embargo, y por suerte, la película aún deparaba un verdadero espectáculo.
En Rohan, tras la caída de Saruman se estudia la situación en la guerra contra Sauron y su ejercito. El principal lugar donde atacará será en Minas Tirith, valuarte de la humanidad. Sin embargo Theoden se niega a ir hasta que el Rey Denethor (padre de Boromir y Faramir) les pida ayuda encendiendo las antorchas. Algo inesperado ocurrira en Rophan que hará que Gandalf se dirija a Minas Tirith, Pippin ha mirado a través del palantir de Saruman y ha visto a Sauron, dicha visión ha puesto en peligro los planes de los hombres. Gandalf decide partir con Pippin dejando a Aragorn al frente de los hombres, su hora de coronarse Rey esta próxima y ha de estar preparado. La llegada de Gandalf a Minas Tirith es de lo más memorable, como vemos al mago galopando en lomos de su caballo, subir por una colina y aparecer ante nuestros ojos la ciudad blanca, un regalo para la vista. La entrada en la ciudad al compás de la música sumerge al espectador en ese mundo de fantasía y aventura que ya vimos en la primera película.
A partir de ese momento encontramos momento llenos de poesía y dramatismo junto con otros de verdadero espectáculo. La cabalgada de Faramir con sus hombres contra las hordas en Osgiliath con esa tenue canción de Pippin mientras Denethor come uvas pone la carne de gallina, el poco amor que siente un padre por su hijo, lo poco que le importa haberle enviado a una muerte segura. La forja de la espada que se quebró y vuelve a manos de su heredero legitimo. La travesía de Aragorn junto a Gimili y Legolas a través del valle de los muertos, inquietante.

Mención aparte merecen varios partados. El primero la batalla en los campos de Pelennor y todo el asedio de Minas Tirith, en donde Gandalf liderará a los hombres y demostrará su valía y poder. Gracias a la Versión Extendida vemos su enfrentamiento con el Rey Brujo, momento muy esperado que en cines se omitió y que en extendida queda de forma muy breve. El asedio es un verdadero espectáculo visual sin parangón, no como el del Abismo de Helm. Aquí los Orcos, con un líder parecido a cierto personaje de “Los Goonies” muestran toda su mala leche en la batalla. En los campos de Pelennor vemos a los olifantes combatir, la valentía del Rey Theoden, de Eomer, y de la joven Eowyn, y de cómo Aragorn llega con todo su nuevo ejercito del más allá para eliminar de una barrida a todo orco.
En segundo lugar el viaje de Frodo y Sam, cuya relación se ha distanciado. Frodo se está convirtiendo en lo que fue Gollum un día y Sam quiere ayudarlo a llevar tan pesada carga. Enfrentados hábilmente por Gollum, los dos hobbits se pelean acabando Frodo en solitario, cayendo en una trampa, la morada de Ella Laraña. Y así es cómo debería haber acabado la segunda película, como el libro, en Ella Laraña. Con un pulso maestro Jackson crea una escena de atmósfera inquietante y terrorifica en donde el monstruo persigue a Frodo sin parangón. Sin embargo el mejor momento es cómo el director capta en un magnifico contrapicado la situación de Laraña sobre Frodo sin que este se de cuenta. El hobbit se vuelve no ve a nadie, y de repente, en un movimiento rápido, Ella le ha clavado el aguijón. Comienza a envolver a su presa en una tela, cuando entra en escena un objeto conocido, Dardo, la espada de Frodo, esta vez en manos del verdadero héroe de la película, Sam. El hobbit se enfrenta contra el monstruo y lo derrota, pero su joven amo está en trance y es apresado por orcos que lo llevan a una torre en Mordor. Así concluye una de las mejores secuencias del film.

Mucho se ha comentado sobre el final de esta entrega. Si es muy largo, si debería haber sido uno solo… a mi me parece que no sobra ni falta nada. Pero ¿Dónde comienza el final? Porque muchos dicen que es tras la eliminación del anillo. Yo pienso que es justo en el momento antes, cuando Sam y Frodo suben el Monte del Destino y Sam agarra a Frodo llevándolo hasta arriba en lo que posiblemente sea lo más emocionante de toda la Saga, el compañerismo y valor de Sam (toda la sala aplaudió de golpe). A partir de ahí se crea el climax final, mientras se combate a las puertas de la puerta negra se desarrolla potra lucha mucho más dolorosa arriba, Frodo sucumbe al anillo y se enfrenta en una lucha feroz a Gollum, quien se hace con el objeto dorado y cae en la lava. Muere, si, pero consigue lo que siempre ha querido, su tesoro, y momentos antes de morir ha sido feliz. Tras ello transcurre lo que se puede considerar el Epilogo. Aragorn es coronado Rey, los hobbits vuelven a La Comarca (en donde todo sigue tan normal y no como en el libro que está bajo dominio de Saruman), Sam se casa, y Frodo concluye una historia comenzada por Bilbo años atrás. La partida en los Puertos Grises es un fiel reflejo de una ilustración y una manera magistral para acabar el film, pero no es esa la manera que elige Jackson para concluirlo, sino con Sam llegando a casa y cerrando la puerta. ¿Por qué? Siempre he pensado que debe haber alguna razón y mi única conclusión es que si la historia comienza con la puerta de un hobbit abriéndose (la de Bilbo en “La Comunidad del Anillo” al llegar Gandalf) la mejor manera de concluirla es cerrando una puerta igual, de forma que de ese modo queda cerrada la historia.

De nuevo Jackson recobraba la energía y vitalidad que desprendía en la primera entrega, consiguiendo que los 200 minutos de duración no hicieran mella en el espectador. Al contrario, “El Retorno del Rey” fue un espectáculo, una conclusión perfecta para la adaptación de la Obra de Tolkien, aunque de nuevo se tomará ciertas licencias creativas. En esta ocasión todos los apartados técnicos estuvieron a la altura de la historia. La Banda Sonora de Howard Shore de nuevo vendió miles de copias y concluyo de manera magistral su trabajo con Annie Lennox cantando el tema principal, “Into the West”.

Además de arrasar en taquilla, “El Retorno del Rey” arrasaría en Los Oscars consiguiendo los 11 premios a los que optaba. Personalmente creo que ganó en el año que más competencia tenía, pues se enfrentaba contra “Mystic River” y “Lost in Translation”, y me hubiera gustado que se hubieran repartido mucho más los premios y no se hubiera llevado los 11 Oscars que se llevó, que no son más que para compensar a todas las películas. Pero solo es una apreciación personal, en todo caso “El Retorno del Rey” es una película de aventuras muy bien realizada, emocionante y sublime, a la altura de “La Comunidad del Anillo”.

8/10

En conclusión “el Señor de los Anillos” es una de las Sagas más ilustres de la Historia del cine (ya no solo de la literatura). Jackson consiguió llevar a cabo su sueño de juventud (mejor dicho el segundo, porque dos años después nos dijo cual era el de verdad en forma de Gorila) de forma notable y encomiable. A pesar de conseguir los premios correspondientes a Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión para Peter Jackson su mayor premio fue realizar la Trilogía de “El Señor de los Anillos”. Una gran Saga Épica con sensacionales escenarios y una gran historia.

Oscars: Raging Bull (1980)

2007-02-20T18:25:00.000+01:00

Poco, o nada, se puede decir que no se haya dicho de esta fabulosa película que dirigiera Martin Scorsese en 1980. Proyecto personal para su protagonista, Robert De Niro, quien le insistió a su amigo Marty en realizarla, pero que el director negó en varias ocasiones hasta que sufrió una fuerte crisis (se especula que pudiera ser una sobredosis) y tuvo que ser hospitalizado. En dicha hospitalización Scorsese decidió que la biografía del boxeador sería su próximo proyecto, pues ya había conseguido entender mejor al personaje.
Para la producción del film se pusieron en contacto con United Artists y con Irwin Winkler, quien ya había producido el éxito pugilístico “Rocky”, así pues le vendieron la historia como “otra de boxeo”. Los directivos del estudio no metieron mucho las narices salvo en algún punto del guión, el cual consideraban demasiado violento y malhablado, pues estaban más preocupados con la millonada que le habían soltado a Cimino para realizar “La Puerta del Cielo”.
Scorsese asistió a varios combates de boxeo para entender el deporte (a Marty no le gustan los deportes) y tuvo como asesor al mismísimo LaMotta. Por su parte De Niro decidió profundizar hasta las entrañas del personaje como buen actor de método y detener la producción en el último tercio durante tres meses para engordar 20 kilos que requería la etapa final de LaMotta.

El resultado final fue historia. A pesar de no ser muy bien recibida en su estreno, “Toro Salvaje” es una experiencia visual poderosa e inolvidable. Desde sus maravillosos títulos de crédito a ritmo de “Cavallería rusticana” en donde vemos a cámara lenta como un boxeador (Jake LaMotta) baila por un ring vacío, dando golpes al aire, preparándose para un combate, iluminado por destellos de flashes que aparecen al fondo hasta concluir y dar paso a un Jake LaMotta decadente que ensaya monólogos de Shakespeare para actuar frente a un público de bar nocturno, concluyendo dicha presentación del personaje con una frase final memorable: Esto es espectáculo. Desde ahí, 1965, el film es un gran flashback que comienza en 1942, cuando un joven Jake LaMotta en estado de gracia combate por hacerse un hueco en el mundo del boxeo.
Este comienzo ya nos resume en gran parte la historia que vamos a contemplar, y la frase “Esto es espectáculo” forma parte del significado. Por un lado vemos a un gordo y descuidado LaMotta prepararse para una función nocturna frente a un público alcohólico en donde espera dar un espectáculo, por otro lado vemos al joven LaMotta disputar un combate en donde nos ofrece un verdadero espectáculo. Ha pasado de ser un joven con talento en el cuadrilátero a un viejo que cuenta chistes en garitos nocturnos.
¿Cómo ha llegado a convertirse en eso?
A medida que avanza la historia seremos testigos de la relación de Jake con su hermano Joey, quien es su manager y le presentará a quien será su esposa y gran amor (junto con el boxeo), Vickie. También veremos la mafia que controla el barrio del Bronx y cómo Jake no quiere saber nada de ellos.

“Toro Salvaje” es un discurso sobre la hombría, la masculinidad. LaMotta es un hombre católico, a quien no le gusta que le digan qué ha de hacer (aunque consienta perder un combate para complacer a jefes de la mafia y estar más cerca del título), que le gusta la buena comida, y que no aguanta que miren a su mujer ni que ella mire a otro hombre. En la relación con su esposa Vickie se acusaría a LaMotta de maltrato y machismo, pero Vickie lo ama tanto como él a pesar de las palizas, volviendo siempre a su lado. Scorsese muestra muy bien dicha relación en dos secuencias soberbias. La primera cuando un LaMotta previo a un combate le pide a su amada que le excite a pesar de no tener que practicar el sexo cómo bien manda el reglamento del buen deportista, y en donde le dice la mítica frase, una de mis favoritas de la Historia del cine, “Bésame las heridas”, a lo que ella accede. Dicha secuencia está construida de manera magistral comenzando con un plano en donde vemos los pies de Jake y a ella saliendo del baño para acercarse a él y besarle, concluyendo con él metiéndose en el baño y cerrando la puerta que ha quedado abierta cuando ella ha salido y ahora con los pies de ella dentro de cuadro. Simplemente soberbio. La segunda secuencia es la escena entre ambos cuando Jake la acusa de acostarse con su hermano Joey y entra en el cuarto de baño rompiendo la puerta y le repite la pregunta, que ella responde afirmando debido a la insistencia de su marido. Dicha afirmación llevará a Jake a ir a casa de su hermano y pegarle una fuerte paliza que será la causante de que ambos hermanos pierdan el contacto, pero a su llegada a casa y descubrir que Vickie está haciendo la maleta Jake le suplicará que no se marche y que se quede, a lo que ella accede sin oponer resistencia.

La violencia que demuestra Jake en su vida privada no es inferior a la fuerza bruta que muestra en el ring frente a un oponente. Los combates de boxeo son verdaderas joyas cinematográficas, rodados de diferentes maneras, ninguno posee un plano ni textura igual. Destacar el momento previo a la hora de luchar por el título de campeón en que un largo travelling nos guía junto a Lamotta desde el vestuario, pasando entre el público, hasta el ring, un travelling que años después Scorsese retomaría y perfeccionaría en “Goodfellas”. De todos los combates el más memorable y que ha pasado a la historia es el combate final frente a Sugar Ray Robinson, su oponente directo pues lucha con él cinco veces desde el 42. El combate se desarrolla entre niebla, como si estuviéramos en un sitio muy calido, en el mismísimo infierno. Cada golpe retumba como si fuera una bomba, los dos luchan como verdaderos animales, hasta que Jake se quede entre las cuerdas a la espera de la brutal paliza que le propagará Robinson. La sensacional fotografía en Blanco y Negro de Michael Chapman brilla en esta secuencia, consiguiendo que la sangre blanquinegra nos parezca tan roja como en la vida real. El vibrante y monstruoso montaje de Thelma Schoonmaker nos transmite la sensación de angustia, dolor y perdida que está experimentando el personaje. Todo ello bien encauzado por la mano maestra de un Scorsese en plena forma creativa.

El tramo final del film nos muestra el declive de LaMotta en que se convierte en propietario de nightclub, su mujer se marcha con sus hijo dejándolo solo, y es detenido por permitir la entrada de menores en su local, enjaulándolo en una celda en donde seremos testigos a uno de los momentos más duros del protagonista, cuando entre oscuridad golpee a la pared con sus puños desnudos y su cabeza gritando “¿Por qué?” ¿Por qué ha acabado solo? ¿Por qué no consiguió volver a hablar con su hermano? ¿Por qué todo lo que había conseguido parece haber quedado olvidado? ¿Por qué Dios le castiga de es forma? Al final, entre lágrimas, el excampeón concluirá “No soy un animal”, aunque ni él mismo consiga creerlo.
Al final veremos como Jake, en el mismo estado que lo vimos al comienzo de la película, se encuentra frente al espejo recitando un monologo de “La Ley del Silencio”, en el cual Brando recordaba a su hermano que por culpa suya dejó de boxear. Al concluir Jake se levanta y, como si fuera a disputar un combate, comienza a moverse como antaño pero sin la misma velocidad ni el mismo estilo. Simplemente porque ya no es el hombre que era.

Scorsese decidió rodar el film en Blanco y Negro tras ver varias pruebas en color y no quedar demasiado satisfecho, lo que sí queda en color son las grabaciones caseras que nos muestran la vida familiar de los LaMotta, otorgando al film el aire documental necesario para conseguir que la historia nos llegue mucho más.
De Niro consiguió una interpretación grandiosa, de las mejores de su carreras (y mira que tiene), dejando a todo el mundo boquiabierto al verle con 20 kilos de más. Además de por su arriesgado trabajo físico (que le dejó una lesión) De Niro se desenvuelve de manera realmente sutil y contenida para un papel con tanta energía física, ejemplo de ello es cuando somete a un interrogatorio a su hermano sobre su mujer. Entre los secundarios no encontramos con el que sería su compañero criminal en posteriores trabajos de Scorsese (además de buen amigo en la vida real) Joe Pesci como su hermano Joey, en donde ya mostraba sus malos humos que le harían famoso en “Goodfellas” y “Casino”, si no vean la secuencia en el club en donde le endiña una paliza a uno que tiene tratos con la mujer de su hermano, precisamente interpretado por otro de la “Familia”, Frank Vincent. Para el papel de Vickie se eligió a la actriz Cathy Moriarty, novata en el mundo del cine, que consiguió una sensacional interpretación como la mujer de LaMotta. Entre todos los actores existe cierta complicidad, de hecho varias secuencias salieron de la improvisación entre ellos y no es extraño que años después hayan vuelto a trabajar juntos.

El film fue candidato a varios Premios de la Academia, entre ellos Película, Director, Actor Secundario, Actriz Secundaria, Sonido y Fotografía, consiguiendo el de Mejor Actor para Robert De Niro y el de Montaje para Schoonmaker. De nuevo Scorsese se quedó a las puertas del Oscar que merecía (y que parece ser le darán este año). Me hace gracia pensar que la película frente a la que perdió es “Gente Corriente” de Robert Redford, un film del que poca gente se acuerda, mientras que casi todo el mundo sabe, aunque no la haya visto, cual es “Toro Salvaje”. Y es que no es extraño, ni excesivo, el que la película de Scorsese sea considerada por mucha gente como “el Mejor Film Americano de los 80”, una década que iría en declive pero que comenzó con muy buen pie.

“Toro Salvaje” es un biopic, si, pero no un biopic convencional. Es un drama, una tragedia griega, una película de amor y celos, un film de boxeo, la historia de un hombre que tuvo todo y acabó sin tenerse más que a sí mismo. Una Obra de Arte. Un film Atemporal.

10/10

5 Confesiones

2007-02-20T12:08:00.000+01:00

Bueno, mi buen amigo Javi me ha pasado un meme para confesar 5 datos cinéfilos, a ver qué os parece:

-Desde niño me ha gustado el cine. Recuerdo que el visionado en pantalla grande de “Batman” me marcó, al igual que años posteriores el de “Jurassic Park”. Una película a la que tengo especial cariño, y que también vi en cine el día de estreno, es “Terminador 2”, una autentica pasada. Otros films que hicieron que me gustara el cine fueron “Casino”, “Heat”, “Braveheart” y las películas de Chaplin, los hermanos Marx y Harold Lloyd.

-Años después descubrí películas que me marcarían de por vida como “El Padrino”, “Érase una vez en América”, “El Crepúsculo de los Dioses”, “El Gabinete del Dr. Caligari”, “Mulholland Drive” y a darme cuenta de que hay mucho más por descubrir. A pesar de ello no niego mi amor por films como “Star Wars” o “El Señor de los Anillos”, ni que me gusta ir al cine a ver las películas de Michael Bay (siempre encuentra uno algo para reírse).

-Al cine me gusta ir solo, a primera sesión, aunque últimamente voy casi siempre acompañado. Lo bueno de ir acompañado es poder comentar la película después, aunque desgraciadamente la mayoría de la gente con quien voy no pasa de “está bien”, “es muy bonita” o “no me ha gustado”, para comentar una peli en condiciones tengo que ir con mi padre (culpable de que me guste el Séptimo Arte) o con algún coleguilla Cinéfilo (gratos recuerdos me trae “Poseidon”, cuando la disfruté con mi amigo Javi y la poníamos a caldo mientras la veíamos). Me gusta asistir a estrenos muy esperados (siempre que me atraigan) y llevar algo friki para la ocasión (camiseta de Superman para el estreno de “Returns”).

-Mi género cinematográfico favorito es el cine negro, el que menos me gusta es el de Terror, aunque he visto clásicos como “Al final de la escalera”, “Psicosis”, “Tiburón”, “Alien”, “La Profecía” o “El Exorcista”, película que no volveré a ver debido al trauma que me provocó.

-Además me gusta comprar todo tipo de artículos relacionados con películas. Deniño me regalaban los muñecos de films como “Hook”, “Star Wars”, “Terminador”. Ahora, algo más crecidito sigo haciéndome con algunas figuras (mucho más caras y de mejor calidad) de películas, y con piezas de colección como puede ser la replica del sable láser de Darth Vader. Sin embargo, lo que más colecciono son posters, desgraciadamente tengo la gran mayoría (por no decir todos) guardados, lo que es una pena. Espero que en la próxima feria del comic de Granada, dentro de unas semanas, pueda conseguir mí ansiado poster de “El Padrino”, y algún otro por ahí que vea chulo. Me gusta hacerme con las Bandas Sonoras de las películas que veo, aunque sean algo decepcionantes (la Banda Sonora, la Película, o ambas). Ni que decir tiene que también compro DVDS, mi última adquisición ha sido la EE de Toro Salvaje (auna autentica maravilla). No me gusta prestarlos, y mucho menos las Ediciones Especiales. Lo siento, soy así.

No sé si compartiré algo con alguien, pero ya sabéis un poco más sobre mí.

Saludos.

En busca de la Felicidad, de Gabriele Muccino

2007-02-19T23:23:00.000+01:00

Chris Gardner trabaja como vendedor de un aparato innovador destinado para realizar radiografías. Desgraciadamente su vida dista de ser feliz, pues apenas consigue vender los aparatos que tiene en casa lo que conlleva cumplir con los pagos mensuales de la casa y que su hijo tenga que ir a una guardería en donde no les enseñen más que a ver la tele. Cuando su mujer los abandone Gardner tendrá que luchar para conseguir un trabajo honrado y digno en una empresa de finanzas, para lo cual realizará unas prácticas previas por las que no cobrará. Junto a su hijo vivirá la peor época de su vida, en que se verán viviendo como unos sin techo, durmiendo en estaciones de tren, cuartos de baño, moteles y hogares de acogida. Sin embargo los golpes de la vida no conseguirán tumbar a Chris e impedirle conseguir su ansiado trabajo dándole a su hijo una vida mejor.

Sorprendente éxito ha conseguido esta historia de superación personal que nos narra los problemas que vivió el protagonista hasta conseguir su puesto en una importante empresa de bolsa. Con un cierto aroma a telefilm, y con la frase previa de “Basada en hechos reales”, la película consigue alejarse de dicho producto televisivo gracias al carisma de su protagonista, Will Smith. El actor consigue una convincente creación como Chris Gardner que le ha valido su segunda nominación al Oscar como Actor. No es para menos, pues sobre él recae todo el peso del film que consigue levantar en todo momento.
Sobre la historia, pues resulta previsible, sobre todo cuando uno ya va con antecedentes y sabe que el personaje en que se inspira la película acabó convirtiéndose en multimillonario. Aún así resulta algo incomodo ver todos las cosas por las que pasaron Chris y su hijo, hasta el punto de que la película se convierta en un sin fin de desgracias acumuladas (la secuencia en que están en la estación de metro y se meten a dormir en un servicio es simplemente desalentadora). Por suerte la película trata de transmitir ese aire a historia con final feliz y buenas esperanzas, en que por muy mal que estés si trabajas duro y te esfuerzas puedes llegar lejos. Como no, se hace mención a cosas muy americanas (como la Declaración de Independencia), que propaguen a USA como la tierra de las oportunidades, en donde un hombre sin trabajo, que vive en la calle puede llegar a ser alguien importante en la vida. Algo así como un historia con aires de Frank Capra, pero sin el toque del maestro.

Gabriele Muccino realiza su primer trabajo en Hollywood poniéndose al servicio de una estrella como Smith. Sin ser nada del otro mundo, el director consigue transmitir la sensación de desesperación que vive el protagonista junto a su hijo, pero repito sin Smith esta película no valdría más que para emitirla en Antena3 a medio día. Además de protagonizarla, Smith la produce, así que no es extraño que a su hijo en la ficción le de vida su hijo en la vida real, Jaden, consiguiendo ambos notables momentos emotivos en donde se ve su complicidad. Completan el reparto Thandie Newton como la esposa de Gardner y Brian Howe como un socio de la empresa de finanzas que echa una mano a Chris.

Película con buenas intenciones que tiene en Hill Smith su principal reclamo, además de su hijo Jaden. Si no fuera por ellos la película no dejaría de ser un telefilm más.

5/10

Oscars: The Sting (1973)

2007-02-13T11:38:00.000+01:00

Johhny Hooker es un ratero de poca monta que trabaja junto a su socio Luther Coleman. En uno de sus pillajes consiguen robarle a un banquero importante con malas pulgas, Doyle Lonnegan, quien manda darles una lección. Escapando Hooker, buscará ayuda en Henry Gondorff, un viejo estafador ya retirado, para que le den un golpe a Lonnegan y puedan vengar la muerte de Coleman.

Estupenda película sobre estafadores, cuyo esquema y giro final han sido emulados, pero nunca superados.
Tras “Dos hombres y un destino”, el director George Roy Hill y los actores Paul Newman y Robert Redford decidieron volver a colaborar en esta película sobre un grupo de timadores que van a dar el golpe de su vida engañando al banquero.

En plena época de la Ley Seca, la trama se desarrolla en un ambiente de juego ilegal, en donde los protagonistas ven en el timo su única forma de vivir. Era una época en que estaba prohibido el alcohol y donde el juego era ilegal. El film refleja muy bien ese ambiente de bajos fondos gracias al vestuario y a la excelente dirección artísitica.
Johhny Hooker es un joven que cree ser el mejor timador de Illinois y que consigue dar esquinazo a la policía en todo momento, sin embargo la muerte de su socio y amigo Coleman le hará tener ansias de venganza, para la cual necesita la ayuda de un viejo amigo de Luther, el experto estafador Henry Gondorff, que vive en un pequeño recinto con columpios. Con su ayuda realizarán un tinglado de apuestas sobre carreras de caballos con el cual engatusar al banquero y meterselo en el bolsillo.
Gondorff intentará enseñar a Hooker que el arte de la estafa es más que saber quitarle una cartera a cualquier primo, hay que tener arte, tesón, estilo, que no vean por donde va a ir el golpe. El joven tan solo pensará en darle a Lonnegan lo que se merece lo antes posible, es impaciente, y eso le puede costar caro.
Además de preparar el timo deberán tener cuidado con la policía que les sigue la pista. Mientras el agente Zinder persigue a Hooker, el FBI sigue la pista a Gondorff, con lo cual la trama se complica hasta el límite de no saber quien juega con quién.
El golpe que le van a dar a Lonnegan no es diferente al golpe que se va a llevar el espectador, pues cuando parece que va a suceder una cosa sucede otra, consiguiendo que el tramo final sea una sucesión de giros imprevistos magníficos.

Roy Hill realiza un película enmarcada en plenos años 30 con una ambientación muy cuidada y un excelente guión de David S. Ward.. El director consigue momentos que han pasado a la historia del cine, como puede ser la partida de cartas en el tren, en donde un ebrio Paul Newman demuestra sus dotes para el juego.
En lugar de decantarse por un drama sobre timadores, la película es un soplo de aire fresco, una de esas historias que uno no se cansa de ver una y otra vez, en donde los personajes parecen optimistas en una época en que casi nadie lo era, llevando la historia al terreno de la comedia. Ayudado por una Banda Sonora que adaptaba el tema de Scott Joplin y que se ha convertido en una de las más tarareadas de la historia. Otro punto a tener en cuenta es cómo se desarrolla la trama, por capítulos, como si de un libro se tratara vemos carteles que nos informan el episodio que vamos a contemplar.
Robert Redford dio vida al joven Johhny Hooker mientras Newman dotaba de experiencia a Gondorff. Robert Shaw es Doyle Lonnegan, al cual doto de una cojera que tenía en realidad. Completan el reparto James Earl Jones en el breve papel de Coleman, Harold Gould como Twist y Ray Walston como J.J.

Nominada para 10 Oscars, consiguió alzarse con 7 la ceremonia de 1973, entre ellos Película, Director, Guión Original, Dirección Artística, Vestuario, Adaptación Musical y Montaje. Sus 3 nominaciones no premiadas fueron Mejor Actor para Redford (cuando en mi opinión está mejor Newman), Fotografía y Sonido. Aquel año tambien estuvieron nominadas películas como “American Graffiti” (la gran perdedora) o “El Exorcista” (que ganó 2 premios correspondientes a Mejor Sonido y Guión Adaptado).
“The Sting” es una película por la que no pasa el tiempo, que siempre es un placer ver, y que irradia optimismo y aroma de buen cine.
8,5/10

Diamante de Sangre, de Edward Zwick

2007-02-11T20:17:00.000+01:00

Sierra Leona, 1999. Solomon Vandy es apresado y separado de su familia por los rebeldes de la zona que preparan una revolución. Trabajando como buscador de diamantes, el africano encontrará un gran diamante rosa que guardará. Pronto será liberado por Danny Archer, un contrabandista de diamantes que le ayudará a encontrar a su familia a cambio del pedrusco.

Grata sorpresa me he llevado con esta película, pues me esperaba un previsible producto hollywoodiense de consumo rápido políticamente correcto y no un estimable film de acción y aventura con trasfondo social crítico sobre el contrabando de diamantes en África y la militarización de niños en aquel país.
La vida de Solomon Vandy cambia una vez lleguen a su poblado los rebeldes que buscan una revolución. La mayor preocupación de Vandy no es otra que su familia, su mujer y sus tres hijos, con el mayor, Dia, a la cabeza. Una vez salga de la cárcel se pondrá a buscarlos por las listas de desaparecidos y no los encontrará. Sin embargo Vandy no es el único que ha perdido a su familia, cientos de personas hacen cola esperando una respuesta que les aclare el paradero de sus familiares. Posteriormente contemplaremos los campos en donde son destinadas las personas desparecidas, un lugar rodeado de verjas en donde no tienen apenas protección.
Danny Archer es un buscavidas que se dedica al contrabando de diamantes. Antiguo miembro del ejercito del General Cotzee, llegó a África cuando era un niño, perdiendo a sus padres brutalmente. Su única escapatoria del país es encontrar el diamante que ha escondido Vandy y venderlo a una importante firma de diamantes.
Dependiendo el uno del otro (Solomon le consigue el diamante y Archer busca a su familia) realizarán una odisea a través de las montañas del continente, a pesar de no llevarse del todo bien, pues su relación es de conveniencia.

El film nos muestra cómo se consiguen esas piedras preciosas de manera ilegal y cómo introducirlas en el mercado de forma legal. Sin embargo nada de eso es fácil y vemos como una vida en África no vale nada con tal de conseguir dichas reliquias de los ríos y las montañas.
Sin embargo la que, para mi, es la verdadera crítica del film es mostrarnos la transformación de niños en soldados. El hijo de Solomon es un niño al que le gusta estudiar, ayudar en casa, pero una vez capturado todos sus recuerdos quedaran ocultos tras el lavado de cerebro que le hacen en la guerrilla. Vemos como les tapan los ojos a los niños y les obligan a disparar contra personas, y cómo transforman a jóvenes en capitanes y lideres de los rebeldes. Una muestra más de la explotación infantil que existe en el mundo.
Todos esos hechos no llegan a nosotros porque a las grandes compañías de negocios no les interesa. Los Diamantes son conseguidos gracias a los rebeldes, su guerra es pagada por la gente que se los compra. Por supuesto siempre hay personas que se atreven a mostrar al mundo la verdad, como Maddy Bowen, una periodista destinada allí para desenmascarar el negocio que se esconde tras los Diamantes de Sangre, pues para conseguirlos se derrama la sangre inocente de personas inocentes.

El director Edward Zwick siempre se ha caracterizado por narrar historias dramáticas con un envoltorio correcto emocionante de acción (“Tiempos de Gloria”, “El Último Samurai”). En esta ocasión el director consigue realizar un film mucho más profundo con buenas secuencias de acción (el ataque al poblado, el tiroteo en Freetown). Como buen artesano eficiente Zwick construye una historia que no decae a pesar de su larga duración y que consigue emocionarnos gracias a las escenas entre Solomon y su hijo. Ayudado por los maravillosos escenarios africanos con sus amaneceres, y por la pegadiza Banda Sonora de James Newton Howard, Zwick realiza una película más conseguida que su previa aventura oriental con Tom Cruise, sin contenerse en las secuencias de violencia que se desarrollan.
El dúo DiCaprio-Hounsou está fantástico, no lo voy a negar, aunque la nominación para Leonardo me parece excesiva por este film (está mucho mejor en “The Departed”). Djimon Hounsou está nominado para secundario cuando en realidad es el protagonista, y ciertamente debería estar nominado para dicha categoría pues está inmenso. Eso sí, no sé por qué sus personajes siempre son apresados y piensan en todo momento en su familia (“Amistad”, “Gladiator”). Jennifer Connelly siempre está maravillosa y esta no es una excepción, a pesar de su brevedad en pantalla consigue devorar a todo el que se lo pone por delante. Completa el elenco el que fuera La Momia y enemigo de Jack Bauer, Arnold Vosloo como el General Cotzee.

Muy buen film de acción con trasfondo social desgarrador y unas interpretaciones de altura.
7/10

BSO de la semana: The Rock

2007-02-09T10:55:00.000+01:00

The Rock de Hans Zimmer: Para su primera colaboración con el director Michael Bay, el compositor Hans Zimmer realizó la que posiblemente sea su Banda Sonora de acción más plagiada de todas. Con temas de acción que deben mucho a los compuestos por el autor en “Crimson Tide”, el alemán realizó esta Composición junto a Harry Gregson-Williams y Nick Glennie-Smith. Consiguieron una Banda sonora adrenalínica, en donde abundan los temas emocionantes. Momento como la persecución a través de San Francisco, el tema de los marines cuando suben a los aviones o todo el tramo final son verdaderas joyas de la música de acción actual que ha sufrido plagios y variaciones en producciones MediaVentures posteriores. También componen temas más trágicos para el personaje del Coronel Hammel o para descriir la relación de Mason con su hija. Aunque peque de ser un tanto machacona y repetitiva es ideal para la narración del film.
Una de las mejores Bandas Sonoras de acción de la década de los 90, y uno de los trabajos más memorables de Zimmer.
4/5

Oscars: Lost in Translation (2003)

2007-02-08T12:25:00.000+01:00

Bob Harris es un reputado actor estadounidense que viaja a Tokyo para rodar un anuncio publicitario. Charlotte acompaña a su marido a la misma ciudad en donde tiene que realizar un reportaje. Hospedados en el mismo hotel, pronto se establecerá una relación de amistad entre Bob y Charlotte que les ayudará a sobrevivir en la desconocida ciudad.

La segunda película de Sofia Coppola tras la cámara fue una sorpresa y su consolidación como autora cinematográfica. Con un presupuesto ínfimo la directora se trasladó a Tokyo con todo su equipo para rodar la película, en la mayoría de lugares sin permiso por lo cual tuvieron que rodarlo rápido.
La historia que nos cuenta Coppola es una historia Universal, la relación entre un hombre y una mujer en tierra extraña. Aunque la directora no nos lo pone fácil queriendo narrar la típica historia de amor, sino que nos la presenta del modo más natural y humano como es la posibilidad de encontrar a una persona en quien apoyarte cuando estás solo, perdido. Y no me refiero solamente perdido en una ciudad como lo pueden estar los protagonistas, sino perdido en la vida, sin saber qué hacer con ella, como bien dice Charlotte en la sensacional secuencia en que está con Bob tumbada en la cama bocarriba.
Y es que ambos personajes son dos personas que no saben muy bien en qué punto de su vida se encuentran, sintiéndose solas sin nadie que las escuche. Bob ha ido a Tokyo para rodar un anuncio de Whisky en lugar de estar representando una obra de teatro que le haría mucho más feliz, y Charlotte ha ido solamente para acompañar a su marido a hacer un reportaje fotográfico.
Las relaciones con sus respectivas parejas ayuda a comprender también ese estado de soledad que viven ambos. Mientras Bob mantiene conversaciones con su mujer por telefono en donde las conversaciones más importantes son acerca del color de una moqueta, Charlotte comparte su vida con un trabajador compulsivo, cuyas amistades no agradan a la chica (esa actriz mega-chuli hermanastra de Cameron Diaz).
La ciudad de Tokyo es un personaje más. Sus enormes edificios, su inagotable movimiento, su cultura, su gente. Todo lo que representa la ciudad en vuelve a los protagonistas en un manto de soledad (que maravilloso plano en que vemos a Charlotte asomada a la venta con Tokyo a través de ella). No es extraño que cuando se viaja a un lugar extranjero, en donde te sientes solo y no tienes a nadie experimentes una crisis existencial que haga replantearte tu vida.

La vida de ambos cambia al encontrarse en el bar del hotel por la noche, incapaces de dormir debido al insomnio (aunque no es la primera vez que se ven). La situación no puede ser más normal, ella llega, se sienta junto a él y comienzan una conversación. Tan simple como eso, la vida de ambos ha cambiado sin que aún lo sepan. Lo que ha sido una simple velada tomando una copa en un bar se convertirá en una amistad que los ayudará a sobrevivir en una ciudad que no entienden, y que no les entiende. Juntos pasarán una noche de diversión rematada con sesión de karaoke; irán al hospital para que miren el tobillo a Charlotte (mientras contemplamos la divertida escena que está ocurriendo en la sala de espera entre Bob y un pequeño japonés); y compartirán sus vivencias tumbados en la cama, en donde el único gesto carnal entre ellos será el leve roce que le hace Bob a ella en la mano.
Esa amistad que se ha establecido entre ambos pronto se convertirá en algo más grande y significará para cada uno un momento personal importante en sus vidas. A pesar de una diferencia de edad considerable, Bob y Charlotte acaban enamorándose, aún sabiendo que no pueden permitírselo. En el film no se escucha nunca decir “te quiero” ni frases simplonas y previsibles, aquí gritan los silencios, las cosas que no se dicen pero se intuyen por miradas y gestos. La secuencia final, sublime, muestra como Bob le susurra algo a Charlotte al oído que el espectador no puede oír, consiguiendo que cada uno imagine cuáles han sido esas últimas palabras.

A pesar de contarnos algo tan triste como es la soledad, Coppola tiñe las situaciones de humor e ironía. Como cuando Bob está rodando el anuncio y el director japonés lo corta una y otra vez hablando largo y tendido para simplemente decirle que lo haga “más intenso”, o cuando la encargada de hacérselo pasar bien a Harris entra en su habitación para darle “placer” a base de que él le “lompa las medias”.
La directora contó para el film con dos interpretes sensacionales, que supieron dar todo su potencial interpretativo. Bill Murray como Bob Harris, el actor que viaja a Tokyo para hacer publicidad de un Whisky, y Scarlett Johansson (antes de convertirse en la Sex-Simbol de hoy) como la perdida Charlotte. Además participan Giovanni Ribisi como el marido de Charlotte, y Anna Faris (la prota de Scary Movie) como la irritante actriz de cine.
Dicen que Sofia Coppola se basó en sus propias experiencias para crear el personaje de Charlotte. No sería extraño ver representado a Spike Jonze en el personaje de John, el marido de Charlotte, ni comparar a Cameron Diaz con el personaje interpretado por Anna Faris.

Nominada a cuatro Oscars, consiguió llevarse el de Mejor Guión Original para la hija de Coppola, mientras Bill Murray se quedó con cara de palo al escuchar el nombre de Sean Penn como Mejor Actor (merecidísimo por su interpretación en la sensacional “Mystic River”). Se echó en falta la nominación a Johansson como Actriz, aunque ese año también tenía en cartel “La Joven de la Perla” y era difícil elegir entre uno y otro.
Aún así, aquel año 2003 fue el año de “El Retorno del Rey” y tanto el film de Coppola como el de Eastwood quedaron tapados (a pesar de llevarse ambos films premios gordos).
Para mí “Lost in Translation” es una película real, dura, que muestra perfectamente el estado de soledad que vivimos en determinados momentos de nuestra vida, esos momentos en que no sabemos cómo salir del agujero en que nos hemos metido, en donde gritamos en silencio que nos encuentren.
9/10

Miguel y William, de Inés Paris

2007-02-07T15:09:00.000+01:00

El escritor inglés William Shakespeare es un joven que viaja a Castilla tras la pista de su amada Leonor, la cual se va a casar con el Duque de Obando, un viejo celoso. La joven le pedirá a su prometido para su boda una obra escrita por un conocido autor español que se dedica a recaudar impuestos, Miguel de Cervantes. A la llegada de Shakespeare a Castilla, la joven ideará un plan para que ambos autores escriban la obra sin enfrentarse.

Con un planteamiento tan peculiar, y original, como “¿Y si Miguel de Cervantes y William Shakespeare se hubieran conocido?”, la directora Inés Paris realiza su primera película en solitario tras la divertida “A mi madre la gustan las mujeres” y “Semen, una historia de amor”, codirigidas junto a Daniela Fejerman. Partiendo del guión escrito por Tirso Calero y Miguel Ángel Gómez, Paris introduce el personaje femenino de Leonor convirtiéndola en protagonista de la historia, y musa de los dos prestigiosos autores.
Leonor es una joven que se va a casar con un duque viudo, avaro y celoso por deseo de su padre. Sin embargo la joven vive una aventura con William Shakespeare a la vez que se enamora de Miguel de Cervantes. Para que esto pueda ser así en el palacio de su prometido, Leonor convierte a William en sirviente suyo y a Miguel le encarga una obra para ella.

Esa es la historia a grandes rasgos, sin embargo lo que resalto, y creo que ahí está la riqueza del film, es la inventiva para unir a dos grandes genios de la literatura en una misma historia. ¿Y qué mejor manera de unirlos sino por la fantasía y tratando a la historia como si se tratará de una obra escrita en esos días? Y es que la historia posee elementos teatrales a mansalva, no solo en su desarrollo, sino también como guiños a obras de la Edad de Oro del Teatro Español (Ahí tenemos al Duque exponiendo su idea de que “si tuviera que elegir entre boba o bachillera, a la boba elegiría sin duda” sacado de La Dama Boba de Lope de Vega).
El tratamiento de dos figuras tan ilustres en el mundo de las letras me parece un acierto para el propósito del film, que no es otro que contarnos una especie de sainete fantástico. Miguel de Cervantes es un hombre maduro que ha perdido toda ilusión por escribir, y por la vida. Se dedica a recaudar impuestos y a vivir de una mísera renta. Mientras que Shakespeare es un joven, algo payaso, que ama la vida, y a las mujeres, incapaz de crear una tragedia, pues solo ve alegría en la vida y tiene miedo a enfrentarse al dolor. A medida que se van conociendo (desde su obra, pues Leonor le pasa al uno lo que ha escrito el otro para que hagan una única obra) ambos autores irán alimentándose creativamente el uno del otro hasta llegar a respetarse, no sin antes haber tenido sus pesquisas.
La obra que ambos crean no es otra que “Othello”, la historia del moro cegado por los celos. Obra que tiene mucho que ver con la historia de Leonor y el Duque, pues él no permite que nadie mire a su prometida ni la toque sin su permiso. Así pues realidad y ficción se unen en la trama para demostrar que lo que vemos en una obra de teatro no es sino reflejo de lo que en realidad somos.
Además tenemos a los personajes de las hijas del Duque, Magdalena y Consuelo. Consuelo es una religiosa que no está muy segura de su vocación (esas miradas al escritor inglés), mientras Magdalena es una arpía con un único objetivo: quedarse con la fortuna de su padre eliminando a Leonor. Para lo cual decide hacerse con el medallón que la joven regaló a un inquisidor en pago por la vida de Cervantes, y así demostrar a su padre (el cual ha solicitado a su prometida llevar dicho megallón en su cena prematrimonial) que la engaña con otro hombre. ¿A alguien más le recuerda al argumento de las piedras de diamantes de “Los Tres Mosqueteros”?

Seguramente cuando uno ve esta historia no puede dejar de pensar en “Shakespeare in Love”, y es que el film de Paris (por mucho que quieran negarlo) le debe mucho a la película que Madden dirigiera. En primer lugar tiene a Shakespeare como protagonista, quien crea una obra inspirado en una joven de quien se enamora y que pronto se va a casar. Dicha joven no solo quiere la obra escrita sino que también quiere protagonizarla. La representación de dicha obra no está exenta de miedo al principio por parte de los actores para al final acabar con un gran éxito. ¿Sigo?. La música del film está compuesta por el mismo autor, Stephen Warbeck, que he de decir crea una música alegre y pegadiza. Resumiendo, que por mucho que quieran eludir las comparaciones, son inevitables.
Ahora bien, este film se ha hecho en España, sin pretensiones, con el fin de hacer pasar un buen rato al espectador, y con elementos españoles deudores de la picaresca española, y de la obra de Cervantes. Nada más hay que ver el inicio del film con ese “En un lugar de Inglaterra, cuyo nombre no recordamos....”, o la personificación de Sancho Panza en un criado, o la pelea de Shakespeare contra los molinos. Incluso la relación entre Cervantes y Shakespeare cuando son amigos puede compararse a la de Quijote y Sancho (Cervantes monta un corcel elegantemente, mientras Shakespeare va en burro haciendo el ridículo). No solo tenemos guiños al Quijote, sino también a obras del inglés, como “Hamlet” cuando le dice a Consuelo que “Vaya a un convento”, o directamente de “Othello”.

Como película que quiere emular una obra de teatro, aquí el plato fuerte son los actores y sus interpretaciones. Juan Luis Galiardo (también productor de la cinta) realiza con tesón y presencia una adecuada personificación de Cervantes, mientras Wil Kemp (que ya coincidió con Anaya en "Van Helsing") aporta su juventud y dotes para la danza al personaje del escrito de Stratford. Elena Anaya está muy correcta como Leonor, su sola presencia ya basta (al menos para mí). Sin embargo, los que consiguen que el film consiga tener ese aire de fantasía y teatralidad son los secundarios, liderados por José Mª Pou como el Duque, con su presencia extravagante y sus celos desbocados consigue llenar toda escena en que aparece. Le sigue una maquiavélica, y divertida, Malena Alterio, cuyo personaje parece un cruce entre la madrastra de Cenicienta y Bette Midler en “El Retorno de las Brujas”. Geraldine Chaplin da vida al indispensable personaje del ama de la protagonista, mientras la debutante Miriam Giovanelli da vida a la casta (en apariencia) Consuelo.

Simpática película, cuyos mayores errores es tener tanto que ver con “Shakespeare in Love” y abusar del personaje femenino convirtiéndolo en protagonista, cuyo monologo final parece de un mitin feminista. Pero como es todo fantasía, pues se lo perdonamos y recomendamos esta película como una obra que pudo haberse escrito en el S. XVII, con algún que otro cambio, y donde se demuestra que la pluma (el amor) gana a la espada.
6/10

Smokin'Aces, de Joe Carnahan

2007-02-05T12:50:00.000+01:00

Buddy Aces Israel es un testigo del FBI protegido para testificar contra el mafioso Primo Sparazza, quien ofrece una recompensa para aquel que mate a Israel. El anuncio llevará a varios sicarios profesionales a ir contra Aces.

Tercer trabajo de Joe Carnahan tras la estupenda “Narc”. En esta ocasión el director dirige y escribe un film coral que se ha dicho debe mucho del cine de Tarantino y Guy Ritchie. Yo no lo veo completamente así, ya que en mi opinión es más deudor del cine de Tony Scott o de cualquier producción Bruckheimer. El grupo variopinto de asesinos introducidos en la carrera por matar al testigo podría competir con los presos de “Con Air”. De Tony Scott (no cito a Michael Bay que sería pasarse) es deudor en su ritmo videoclipero y secuencias visualmente atractivas, sin embargo el mayor fallo de “Smokin’Aces” es no saber muy bien por donde llevar la historia ni de que manera.
Si las peliculas de Scott, como la reciente “Domino”, o las producciones Bruckheimer estilo “60 Segundos” van a lo que van, o sea contar una historia con personajes planos en donde el guión suele ser muy simple, en su último film Carnahan se desvía para al final volverse algo pretencioso y darle importancia a una trama que en principio parecía diseñada para pasar un buen rato. Y es que si la película tratará simplemente del intento de asesinato de Aces por parte de los extravagantes asesinos y de la resistencia por parte del equipo del FBI por medio de un buen tiroteo y secuencias de acción en el hotel estaríamos hablando de un film palomitero de acción bien diseñado visualmente y sin pretensiones.
Los personajes que circulan por el film son verdaderamente ideales para crear un cóctel molotov visual, a saber: un asesino que se crea mascaras a partir de los rostros de personas de verdad; otro que hace todo tipo de aberraciones con sus victimas; unas chicas guerreras con una relación más personal de lo que parece; un grupo de locos hitlerianos deseosos de reventar todo loo que encuentran a su paso; y un fiador con dos policías que esperan recibir la recompensa capturando a Aces. A estos asesinos hay que sumar al propio Israel, posiblemente el mejor personaje de la trama, capaz de hacer con sus cartas todo tipo de trucos, incluso se podría decir que cortar cuellos (cuando clava la carta en el sofá da esa sensación), pero su presencia solo sirve para que veamos a una persona que va a traicionar a su gente y que se hunde en su propia miseria. Con estos personajes se podría haber conseguido una historia divertida, loca, absurda, pero digna de lo que se espera, sin embargo a Carnahan se le ocurre introducir a los personajes del FBI enviados para proteger al testigo, y al jefe de estos que con solo diez minutos en pantalla consigue darle al relato una seriedad innecesaria.

Visualmente la película es una pasada, con estilo videoclipero, en los primeros quince minutos nos presenta a todos los personajes con un ritmo endiablado. Lástima que a mitad el film de un bajón y le cueste recuperar el pulso. Aún así Carnahan consigue realizar momentos memorables como el tiroteo en el ascensor. En lo que respecta al guión intenta introducir situaciones absurdas y diálogos estilo tarantinianos (supongo que por ese motivo le habrán comparado), que no estarían nada mal (y siento volver a lo mismo) si la historia no fuera más que un divertimento que no se tomará en serio a si mismo.
El reparto está compuesto por nombres conocidos como Ben Affleck, Ray Liotta, Andy Garcia, Alicia Keys, Jeremy Piven, Ryan Reynolds o Jason Bateman, aunque algunos de ellos desaparezcan al poco (no voy a decir quién).
Como entretenimiento está bien, pero Carnahan debería haber arriesgado algunos personajes y sacar más partido a los asesinos, seguro que si la hubiera realizado Michael Bay estaríamos hablando de su mejor film, ya que él hubiera eliminado el tono pretencioso final.
4,5/10

Oscars: Annie Hall (1977)

2007-02-04T20:59:00.000+01:00

Alvy Singer es un cómico neoyorkino judío que conoce a Annie Hall gracias a unos amigos. Ambos comenzarán una relación llena de altibajos por las calles de Nueva York.

Una de las películas más celebres de Woody Allen en las que vuelve a hacer gala de su característico sentido del humor dando vida a Alvy, su alter ego, un cómico enamorado hasta la medula de Nueva York, judío que ve ataques antisemitas en varios personas que viven en la ciudad de los rascacielos, neurótico compulsivo que lleva visitando a un psiquiatra desde hace 16 años, con una visión pesimista de la vida y amante de las películas Suecas, con Ingmar Bergman a la cabeza.
Lo que en principio era una historia a base de sketches con monólogos y números cómicos de Allen acabo convirtiéndose en la historia de una relación.
El film comienza con Alvy contando un chiste al espectador (La cámara) en que dice que “no le gustaría ser socio de un club en que lo aceptaran”, así es como él ve la vida, y en concreto las relaciones, pues a pesar de encantarle estar con mujeres, no ve la posibilidad de vivir con ninguna. Ya entonces nos comunica su ruptura con Annie.
En un partido de tenis conocerá a Annie Hall, una chica inteligente, con un estilo de vestir original y llamativo, que se quiere hacer un hueco en el mundo de la música. Con Annie vivirá una relación plena, que los llevará incluso a vivir juntos (algo en lo que Alvy no está de acuerdo). Tendrán sus momentos buenos y sus momentos malos, hasta que llegue el momento en que ambos vean que están bebiendo de un vaso vacío y decidan romper.
Annie y Alvy son diferentes, mientras Alvy no aguanta entrar a los dos minutos de empezar la película Annie lo ve una estupidez, Annie desea trasladarse a California mientras Alvy no podría vivir mucho tiempo apartado de Nueva York, lo único que tienen en común es que ambos son artistas a los que les cuesta actuar frente a un público (Alvy empezó escribiendo chistes para cómicos penosos).

Allen puso originalidad en la puesta en escena consiguiendo momentos inolvidables dentro de su filmografía. No solo hablaba al espectador, sino que, entre otras cosas, introducía personajes en escena para argumentar lo que dice (el momento en el cine), se convierte en un personaje animado enamorado de la madrastra de Blancanieves, y viaja en el tiempo junto a Annie y su amigo Rob para presenciar su infancia en Brooklyn.
El montaje es una de las mejores cosas del film, pues el montador Ralph Rosenblum consigue dar coherencia y unión a una serie de escenas que en principio eran simples chistes y gags para finalmente convertirlos en la historia de Alvy Singer y su relación no solo con Annie, sino con otras mujeres de su vida. Se dice que Rosenblum tuvo que trabajar con 30000 metros de cinta grabada que tuvo que organizar para conseguir el resultado final del film.
Entre los actores que participaron en ella nos encontramos con Jeff Goldblum y Christopher Walken en pequeños papeles. Tony Roberts como el amigo de Alvy, Rob, y Diane Keaton como Annie Hall, uno de sus mejores papeles, que la actriz construyo ayudada por el extravagante vestuario que lleva su personaje.
El guión corrió a cargo de Allen y Marshall Brickman, y significo un punto de inflexión en la carrera del director, pues realizó un film alejado de todo lo que había hecho antes en que las historias iban a base de sketches característicos de alguien que ha salido de un nightclub.

En 1977 consiguió alzarse con los premios correspondientes a Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz (Keaton) y Mejor Guión. A pesar de ello, y aunque es de las mejores películas del director, creo que aquel año debió ganar “La Guerra de las Galaxias” (no solo porque me encante, que conste). En mi opinión la mejor película de Allen es “Manhattan”.
7,5/10

Dreamgirls, de Bill Condon

2007-02-01T14:19:00.000+01:00

Effie White, Deena Jones y Lorrell Robinson componen el grupo llamado las Dreamettes que se presenta a un concurso de talentos. Allí serán descubiertas por el visionario con aires de empresario Curtis Taylor, quien les conseguirá un trabajo como coristas de la estrella afroamericana Jimmy Early. Al poco tiempo las tres chicas comenzarán su carrera en solitario formando el grupo “Deena Jones y las Dreams”.

Basada en la Obra teatral de Broadway que el guionista de “Chicago”, Bill Condon, adapta y dirige a la gran pantalla.
Como espectáculo musical no se puede comparar con la película dirigida por Marshall (que tampoco es que sea de mi admiración), pues aquí Condon utiliza breves números musicales fuera del escenario en que cantan las chicas. El mejor de todos ellos el protagonizado por el descubrimiento (salida del OT americano) Jennifer Hudson, sola en un escenario.
La historia se basa ocultamente en la vida de Diana Ross y las Supremes, además de en el florecimiento de la música negra a finales de los 60. El vendedor de coches, y posterior magnate de discográfica, Curtis Taylor es una persona que sabe muy bien como vender la música, buscando ritmos nuevos que lleguen a todo el mundo. A la hora de formar el trío The Dremas, no dudará en quitar protagonismo a la mejor voz del grupo de amigas, Effie, para centrarse en Deena que tiene una voz más exportable y con la que se puede jugar en la mesa de mezclas. Y es que el negocio de la música tal como nos lo muestra esta película se basa en la imagen, en marketing. Mientras Effie tiene una gran voz, Deena tiene una imagen digna de portadas de revistas que, en el fondo, es lo que vende.

Si como musical no se puede alzar al Olimpo de las grandes producciones Hollywoodienses, en lo que respecta a la historia tampoco es que sea nada del otro mundo. No tiene mucha originalidad, ni es nada que no hayamos visto en otras producciones recientes (como puede ser “Ray” que además comparte protagonista masculino).
Condon sabe darle ritmo a una historia trillada gracias al ritmo de las canciones, pero aún así contiene momentos de bajón inaceptables en una producción como esta.
Por suerte salvan la función los actores, empezando por la citada Hudson que realiza una notable interpretación como Effie White, la joven que es expulsada del trío. Eddie Murphy es junto a Hudson lo mejor de la función, lo que da vida a la película, su Jimmy Early es una especie de James Brown, con un tramo final memorable. Jammie Foxx sabe dotar a Curtis de ambición y poder, mientras Beyoncé está correcta como la lider de The Dreams. Completan el reparto un recuperado Danny Glover, Anika Noni Rose como la tercera de las cantantes que mantiene una relación con Jimmy, y Keith Robinson como el compositor C.C.

En la última ceremonia de los Oscars parte con 8 Nominaciones, 3 de ellas a Mejor Canción. Sus mejores bazas en la esperada noche son Hudson y Murphy, quienes no me extrañaría que se fueran con la estatuilla bajo el brazo (aunque tampoco hagan nada del otro mundo, ojo).
Aceptable película musical en donde brilla el elenco interpretativo, lástima que la historia se desinfle a medida que avanza.
5/10

Bobby, de Emilio Estevez

2007-01-30T16:59:00.000+01:00

6 de Junio de 1968. Estados Unidos está viviendo época de elecciones a las que se presenta el Senador Robert F. Kennedy. Ese mismo día por la noche el Senador será asesinado en el hotel Embassador, marcando a todo un país, y particularmente a varios miembros que estaban en el hotel ese mismo día.

Película que trata de narrarnos lo acontecido en el hotel en donde tuvo lugar el asesinato de Robert F. Kennedy, en la que el director y guionista Emilio Estevez crea un mosaico de personajes alrededor del acontecimiento de las elecciones presidenciales acontecidas ese mismo fatídico día.
Con un elenco interpretativo de altura en donde brillan nombres de gran prestigio Estevez intenta emular a Altman o Paul T. Anderson a la hora de mezclar historias. Sin embargo el director lo consigue a medias.
Entre los personajes que circulan por el hotel Embassador nos encontramos con el director que tiene una aventura con una operadora de teléfonos mientras su esposa se dedica al estilismo, encargándose de maquillar a una gran estrella de la canción, a cuyo marido esta volviendo loca queriéndolo llevar de gira a Las Vegas. Mientras tanto veremos las rejillas raciales en la cocina, en que el jefe no deja a sus empleados, casi todos emigrantes, ir a votar. Entre ellos está un latino de buen corazón cuya mayor ilusión es ir a ver un partido de Béisbol, y un cocinero de raza negra con unos claros ideales. También asistiremos a la boda entre dos jóvenes para que él evite ir a Vietnam, mientras dos ayudantes de campaña del Senador realizan un viaje existencial a base de LSD. Un matrimonio en que ella da más importancia al aspecto fisico o el jefe de Campaña de Kennedy y su relación con un ayudante afroamericano que ven en el Senador la gran esperanza del país. Sin olvidarnos del jubilado que sigue yendo a trabajar para no sentirse inútil ni del contrabandista de drogas.

Varias historias entrecruzadas con un mismo destino: asistir a la muerte del Senador estadounidense en pleno triunfo electoral. Sin embargo, y aquí radica su debilidad, no todas las historias cuajan del mismo modo ni todos los personajes están bien tratados. De todas las historias me quedaría con la del jefe de Campaña, la de la Diva que vuelve loco a su marido, la de los jóvenes que se casan, y la del director de hotel con su esposa. El resto parecen episódicas, bueno vale, la de la cocina sirve para explicarnos el suceso acontecido de la muerte de Luther King, pero eso ya nos lo mostraba la película al principio con imágenes de archivo.
Lo mejor es que cada historia representa el estado en que estaba sumergido el país en ese momento: Vietnam, Las Vegas, el LSD, la igualdad, la Paz, etc... El País estaba cambiando, y muchos veían en Kennedy la salvación para ese cambio a mejor.
Otra cosa que va en contra es que todos los personajes están a favor de Bobby, podrían haber puesto algún personaje apático, que estuviera en contra del Senador, y no un conjunto de partidarios.

Estevez consigue que el ritmo este bien llevado en las casi dos horas que dura el film, aunque en algún momento parece que decaiga. Mezclando imágenes de archivo del Senador hablando a la nación insertados en el film. Apoyado sobre todo en un reparto por el que pasan Anthony Hopkins (que también produce el film) como el jubilado con ganas de seguir sirviendo a la sociedad, Laurence Fishburne como el cocinero, Heather Graham como la amante del director, Christian Slater como el jefe de cocina, Joshua Jackson como el jefe de campaña, Ashton Kutcher como el traficante de droga englobado, Lindsay Lohan y Elijah Wood como los novios que van a casarse para que él no vaya a la guerra, Freddy Rodriguez como el latino cocinero. También se reserva un papel Emilio Estevez, como también lo hace para su papá Martin Sheen, como esposo de Helen Hunt. Sin embargo destacan sobre todo William H. Macy como el director de hotel, Sharon Stone como su esposa, y una espléndida Demi Moore como la Diva que va a actuar esa noche presentando al Senador.

Aceptable película que nos condensa a América en el hotel donde acontecieron los hechos aquel fatídico 6 de Junio.
6/10

Apocalypto, de Mel Gibson

2007-01-29T18:29:00.000+01:00

En los últimos días de la civilización Maya, un joven es apresado junto con varios miembros de su tribu para realizar sacrificios a los dioses. Sin embargo, el joven escapará, huyendo a casa para reunirse con su mujer e hijos en lo que será una cacería humana en la selva.

Mel Gibson ha sido tachado de machista, maleducado, antisemita, y un largo etcétera que a mi me importa bien poco, no lo voy a negar (cada cual haga con su vida lo que quiera). Lo que me interesa de su persona es su trabajo artístico, y más concretamente su faceta de Director, mediante la cual nos ha deleitado con “El hombre sin rostro” (ese notorio producto con aire a telefilm), “Braveheart” (su mayor logro cinematográfico y una de las películas más memorables que haya visto en una sala de cine) y “La Pasión” (retrato duro de las últimas horas de Cristo). Todos sus films, gusten más o gusten menos, son un espectáculo visual perfectamente cuidado para los sentidos (aunque alguna que otra vez se exceda).
En su último film Gibson se ha decantado por narrarnos una epopeya situada en los últimos días de la cultura Maya.

La Historia gira en torno a Garra de Jaguar, un joven indígena que vive tranquilamente junto a los suyos en su poblado y un día es capturado por los mayas, quienes saquean el pueblo llevándose a mujeres y hombres, pero dejando a los niños. Garra de Jaguar ha escondido a su esposa embarazada en una cueva prometiéndole que volverá. Su viaje de cautiverio lo llevará junto con los suyos al gran Imperio Maya, en donde las pirámides parecen tocar el cielo, y los brujos hacen sacrificios humanos para su Dios Pagano. Tras un suceso, Garra de Jaguar y sus compañeros serán llevados a una explanada en donde se les dará la oportunidad de escapar, oportunidad que el joven indígena no desaprovechara, enfureciendo al jefe de los cazadores, quien emprenderá una enfurecida cacería tras él.

Con es historia tan sencilla (y trillada en películas de serie B) Gibson consigue realizar una gran película de aventuras, posiblemente la mejor película de aventuras que haya contemplado en cine desde “El último mohicano” de Michael Mann. Una película que irradia rabia, furia, tristeza, esperanza y emoción, mucha emoción. Tras un inicio en que vemos escenas costumbristas entre los miembros del poblado, cercanas al documental, ocurre el fatal ataque con un ritmo salvaje, apasionante, en que el espectador siente todo lo que ocurre en pantalla y se involucra de manera que no puede dejar la historia a partir de ese momento. Para poner un ejemplo de este ritmo endiablado, y una comparación odiosa, referirme a “El Nuevo Mundo” de Malick, en donde las 2 horas y poco de duración parecían ser más, en este caso de “Apocalypto” su mismo minutaje se nos pasa en un chasquido. Con esto no quiero desprestigiar el film de Malick, todo lo contrario, pues con la de Gibson hace una gran sesión doble sobre civilizaciones perdidas.
Que lo primero que ocurra en el film sea la caza de un jabalí no es más que un preámbulo para lo que vamos a contemplar después a una escala más infrahumana. Pues si los cazadores del principio quieren a la criatura para alimentarse, los cazadores mayas quieren a los humanos para hacer sacrificios para los dioses. La media hora final en que transcurre la cacería hacía Garra de Jaguar es de lo más impresionante visto en muchos años, cómo con una idea tan simple y con los elementos de la selva y los hombres se puede crear tanta emoción.
Gibson juega muy bien con los elementos que le proporciona la selva. Elementos como una pequeña rama que va cayendo dentro de un pozo, una gran cascada y río como purificación y fuente de reencarnación, arenas movedizas que se insertan en la piel del protagonista para convertirlo en el Jaguar mitológico.
La utilización de primeros planos en la película es muy sabio, mostrándonos esos rostros asustados ante la amenaza tan inofensiva (en apariencia) de una niña. Como también es inteligente el uso de la lengua yucateca para la película, al igual que hiciera con “La Pasión”, Gibson vuelve a rodar el film en lengua originaria del mundo que representa, lo que da mucha más credibilidad e impacto.
También hay cabida para la grandilocuencia en esos grandes planos generales que nos muestra el Imperio Maya con sus grandes pirámides y el pueblo rindiendo pleitesía a su gobernante.

Los personajes son los que abundan en el mundo de Gibson, los buenos muy buenos y los malos malísimos y sanguinarios (como los Ingleses en “Braveheart” y los romanos en “The Passion”). El protagonistas es muy Gibsoniano. Dominado por una civilización a la fuerza, el joven luchará por su libertad y la de su familia, sin olvidarse de la venganza. Representa el individualismo frente al dominio de una gran civilización. No muy diferente a William Wallace. También experimenta en viaje de regreso en que aprenderá y se reencarnará en otro ser, un viaje de dolor y sufrimiento, como el de Cristo en “La Pasión” (aunque menos desagradable carnalmente). Sus sueños pensando en su mujer no son tampoco muy diferentes a los que tenía Wallace, y gasta la misma valentía y coraje en el combate, utilizando el cerebro y no la fuerza bruta.

La película ha sido rodada en la nueva cámara Genesis de alta definición, lo que da a las imágenes un realismo asombroso, además de conseguir un aspecto cinético en que las imágenes se mueven en cada momento. Esto consigue que el espectador quede atrapado en esa selva durante todo el metraje de la película.
James Horner ha vuelta a ponerse a las ordenes de Gibson tras colaborar con él en “El hombre sin rostro” y “Braveheart”, aquí el compositor secunda a las imágenes con elementos como tambores, flautas y sonidos naturales que encajan perfectamente.

En el apartado interpretativo casi todos los actores son novatos en cine. El protagonista, Rudy Youngblood, es un bailarín de danzas americanas nativas que da vida a Garra de Jaguar; Gerardo Taracena apareció fugazmente en “Man on Fire” y aquí interpreta a uno de los cazadores, Raoul Trujillo también aparecía en “The New World” y Mayra Serbulo en “Y tú mamá también”. Dalia Hernandez es la esposa del protagonista que espera en la cueva el regreso de su esposo.

Estupenda película de aventuras en la selva que nos muestra fugazmente los últimos días de una civilización olvidada. Una experiencia cinematográfica salvaje. La confirmación de Gibson como autor cinematográfico.
8,5/10

Nominaciones a los Oscars 06

2007-01-24T22:22:00.000+01:00

Ayer se dieron a conocer las nominaciones de los Premios de la Academia (Los Oscars). Finalmente “Volver” no está nominada a Mejor Película Extranjera, aunque sí Penélope Cruz por su trabajo en el film de Almodóvar. “El Laberinto del Fauno” ha conseguido alzarse con seis nominaciones.
Entre los ausentes mencionar a Jack Nicholson y Brad Pitt, ambos secundarios que se han quedado sin nominación. También expresar mi desilusión al comprobar el ninguneo a las dos mejores películas del año: “Childre of Men” y “Apocalypto”, ambas con 3 nominaciones, aunque el film de Gibson sean a nivel técnico y maquillaje.
De nuevo asistiremos a un combate entre Eastwood y Scorsese, aunque parece que esta vez el director de Infiltrados se llevará el gato al agua.
A continuación marco en negrita los que me gustaría que ganaran.

MEJOR PELÍCULA

Babel
Infiltrados
Pequeña Miss Sunshine
The Queen (La reina)
Cartas desde Iwo Jima

MEJOR ACTOR PRINCIPAL
Leonardo DiCaprio (”Diamante de sangre”)
Ryan Gosling (Half Nelson)
Peter O´Toole (”Venus”)
Will Smith (”En busca de la felicidad”)
Forest Whitaker (”El último rey de Escocia”)

MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL
Penélope Cruz (”Volver”)
Judi Dench (”Notes on a Scandal”)
Meryl Streep (El diablo viste de Prada)
Helen Mirren (”The Queen”)
Kate Winslet (”Little Children”)

MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Alan Arkin (Pequeña Miss Sunshine)
Eddie Murphy (”Dreamgirls”)
Djimon Hounsou (”Diamante de sangre “)
Jackie Earle Haley (Little Children)
Mark Wahlberg (”Infiltrados”)

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Adriana Barraza (”Babel”)
Cate Blanchett (”Notes on a Scandal”)
Abigail Breslin (Pequeña Miss Sunshine)
Jennifer Hudson (”Dreamgirls”)
Rinko Kikuchi (”Babel”)

MEJOR DIRECTOR
Clint Eastwood (”Cartas desde Iwo Jima “)
Paul Greengrass (”United 93″)
Stephen Frears (”The Queen”)
Alejandro González Iñárritu (”Babel”)
Martin Scorsese (”Infiltrados”)

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
Cars
Monster House
Happy Feet

PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA
Días de Gloria
After the Wedding
El laberinto del Fauno
Water
Las vidas de otros

GUIÓN ORIGINAL
Guillermo Arriaga (”Babel”)
Iris Yamashita, Paul Haggis, Tadamichi Kurivayasi (Cartas desde Iwo Jima )
Michael Arnt (Pequeña Miss Sunshine)
Guillermo del Toro (El laberinto del fauno)
Peter Morgan (”The Queen”)

GUIÓN ADAPTADO
Borat
Hijos de los hombres
Infiltrados
Juegos Secretos
Diario de un escándalo

DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA
Vilmos Zsigmond (Dalia Negra)
Emmanuel Lubezki (Hijos de los hombres)
Dick Pope (El ilusionista)
Guillermo Navarro (El laberinto del Fauno)
Wally Pfister (El truco final)

EDICIÓN
Douglas Crise, Stephen Mirrione (Babel)
Richard Chew, Steven Rosenblum (Diamante de sangre)
Alfonso Cuarón y Álex Rodríguez (Hijos de los hombres)
Thelma Schoonmaker (Infiltrados)
Claire Douglas, Richar Pearson, Christopher Rouse (United 93)

DIRECCIÓN ARTÍSTICA
Dreamgirls
The good shepherd
El laberinto del fauno
Piratas del Caribe (El cofre del hombre muerto)
El truco final

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO
Chung Man Yee (Man cheng jin dai huang jin jia)
Patricia Field (El diablo viste de Prada)
Sharen Davies (Dreamgirls)
Milena Canonero (María Antonieta)
Consolata Boyle (La reina)

MEJOR BANDA SONORA
Gustavo Santaolalla (Babel)
Thomas Newman (El buen alemán)
Philip Glass (Diario de un escándalo)
Javier Navarrete (El laberinto del Fauno)
Alexandre Desplat (La reina)

MEJOR CANCIÓN
I need to wake up (Una verdad incómoda)
Listen (Dreamgirls)
Love you I do (Dreamgirls)
Our Town (The cars)
Patience (Dreamgirls)

MAQUILLAJE
Apocalypto
Click
El laberinto del fauno

MEJOR SONIDO
Apocalyto
Banderas de nuestros padres
Diamante de sangre
Dreamgirls
Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto

MEJOR EDICIÓN DE SONIDO
Apocalyto
Banderas de nuestros padres
Diamante de sangre
Cartas desde Iwo Jima
Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto

EFECTOS ESPECIALES
Poseidón
Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto
Supermán Returns

MEJOR DOCUMENTAL
Deliver us from evil
Una verdad incómoda
Iraq in fragments
Jesus Camp
My country, my country

MEJOR CORTO DOCUMENTAL
The blood of Yingzhou district
Recycle
Life
Rehearsing a dream
Two hands

MEJOR CORTO DE ANIMACIÓN
The Danish Poet
Lifted
The litle matchgirl
Maestro
No time for nuts

MEJOR CORTOMETRAJE
Binta y la gran idea
Éramos pocos
Helmer & Son
The SaviourWest bank Story

La Saga del Mes: X-Men

2007-01-18T16:40:00.000+01:00

Inicio una nueva sección en mi blog, que espero pueda realizarla mensualmente. Intentaré comentar una Saga al mes. Debido a mi reciente adquisición en DVD (larga vida al formato) de “X-Men: La Decisión Final” he decidido comenzar este nuevo apartado por la Saga de los mutantes.

X-Men (2000)

En un futuro no muy lejano el genoma humano ha sufrido una considerable evolución descubriendo en diferentes seres rasgos especiales. Entre las personas que poseen dicha característica se encuentra Pícara, una joven que no puede tocar a nadie, pues le provoca la muerte. En una huida hacia la soledad se cruzará con Logan, un ser tan peligroso como ella, en quien verá un amigo. Ambos llegarán a unirse a los miembros de los “X-Men”, un grupo de mutantes que buscan la igualdad con los humanos y combaten a otro mutante que desea la supremacía de la especie, Magneto.

Cuando se anunció la realización del film sobre los mutantes más famosos de la Marvel a finales de los 90, muchos nos alegramos en extremo (en mi caso porque me enganché a la sensacional serie de animación de principios de los 90). Iba a ser la primera gran producción sobre un famoso comic de Marvel, aunque dos años antes, en 1998, se había llevado a la gran pantalla con éxito “Blade”, pero el comic en que se basaba no era tan conocido como el de “La Patrulla X”, y mucho menos en España. Recordar que previamente (en los 80 y principios de los 90) ya se habían realizado productos de serie B sobre personajes Marvel como Spider-Man, El Castigador (con Dolph Lundgren) o La Masa (con Lou Ferrigno).
El proyecto no carecía de dificultad, pues no solo era trasladar uno de los comics más conocidos de la casa de Stan Lee, sino que se trataba de llevar a la pantalla un extenso grupo de personajes que forman el universo X. Esto no era como “Spider-Man” ( proyecto que estaba en espera por aquel entonces), en que el protagonista es un solo superhéroe, aquí hablamos de varios miembros con diferentes poderes y personalidades. Además hay que añadir que el público dio la espalada al género de superhéroes, sobre todo cuando Schumacker realizó “Batman & Robin”, pues veían todas las historias trilladas, aburridas, sin ninguna novedad, mas que poner más colores a los films del hombre-murcielago. Gracias al éxito de “Blade”, la película costó poco y recaudo una suma considerable que dio pie a dos secuelas más, la Marvel se lanzó a dar luz verde al proyecto de “X-Men”, con la FOX como productora y distribuidora.

El anuncio de la realización fue todo un acontecimiento dentro de la comunidad de fans de los mutantes, que ya imaginaban a sus personajes favoritos en la gran pantalla dando truños a tutiplé. Sin embargo, las ansias se calmaron, o mejor dicho clamaron en cólera al conocer detalles del proyecto. No iban a aparecer todos los miembros deseados (Bestia, Ángel, Gambito quedaban fuera); El film iba a costar 75 millones de $, relativamente poco viendo que la media de una superproducción espectacular cuesta 100; el directo elegido fue Bryan Singer, aclamado por su sensacional película “Sospechosos Habituales”, pero que enfadó a los fans admitiendo no haber leído ningún comic (cualquiera lo dice ahora); el reparto estaba lleno de nombres jóvenes como Anna Paquin como pícara, Halle Berry como Tormenta, o Famke Janssen como Jean Grey, sin quitar merito a sus respectivas carreras (aunque de ellas tan solo tenía un Oscar Paquin en ese momento) la elección parecía equivocada e insatisfactoria para los fans (recordemos que Pícara en el papel era una chica de muy buen ver y no una niña). Cíclope sería interpretado por James Marsden, otro joven actor salido en series de televisión.
La elección de Lobezno, personaje mítico dentro del Universo Marvel, no estuvo tampoco exenta de discusión. Desde el principio se tuvo claro que debía ser un rostro desconocido. En primer lugar se eligió a Dugray Scott para interpretarlo, pero problemas de fechas que obligaban al actor a comprometerse con el rodaje de “M-I:2” llevaron a los productores a buscar un sustituto urgente. El elegido fue un actor australiano desconocido llamado Hugh Jackman, que tampoco sabía nada de en qué mundo se metía.
Los rostros más conocidos eran los de Ian McKellen como Magneto, otro choque más, pues el villano, aún siendo mayor posee en los tebeos una presencia prominente, con musculatura. Patrick Steward como el Profesor X fue la única elección no discutida, pues desde que pilotaba el Enterprise con su calva se le veía con dotes de mando.

El estreno se estableció para Verano de 2000, época en que las superproducciones llegan sin parangón. Sin mucha publicidad sobre el rodaje, cómo si hicieron otras producciones que competían con ella como fueron “La Tormenta Perfecta”, “M-I:2”, o “Gladiator”, la productora lanzó el teaser trailer Abril, relativamente tarde. El breve anuncio no dejaba un respiro a los espectadores, y anunciaba el comienzo de la evolución terminando con las garras de Lobezno apareciendo en pantalla. Un breve pero intenso anticipo que llenaba de ansías a los fans y les quitaba el miedo que tenían sobre la forma en que se había hecho la película. El segundo trailer, ya más extenso, no hacía más que afirmarlo, se nos planteaba un discurso moral sobre los mutantes dentro del mundo de los humanos, rodeado de imágenes espectaculares en donde se nos mostraban a los protagonistas en acción y nos demostraba que la elección de elenco no era del todo equívoca por el momento.
El día 4 de Julio, día de la Independendia Americana, llegaba a las salas yanquis la película de “X-Men”, cuya premiere se realizó en un lugar que tiene vital importancia en el film como es la Isla de Ellis. Los espectadores, en su mayoría fans fueron con las garras afiladas para lapidar a Singer en caso de haber destrozado tan glorioso Universo, incluso Kevin Smith estaba entre ellos como buen friki. Por suerte para todos, Singer había realizado una excelente película basada en un comic Marvel, y una notable película de Ciencia-Ficción que se podía disfrutar igualmente si no se conocía a los personajes.

El film no era el típico de acción basado en un comic como muchos afirmaban que era. La película posee un discurso sobre la tolerancia. Los mutantes no son sino seres discriminados por una sociedad que teme lo que no conoce, llegando el problema a las altas esferas del Gobierno. Desde el principio siempre ha habido discriminación en el mundo, odia entre personas diferentes. No hay mejor prueba de ello que cómo empieza la historia cuando, en 1944, un joven Eric Lensherr (Magneto) ve como sus padres son llevados junto con él a un campo de concentración alemán por ser judíos. Empezar con una secuencia del holocausto nazi en lo que, se supone, es un film palomitero para todos los públicos da que pensar. Nos están hablando en ese momento del enfrentamiento entre una raza y otra (la aria y superior contra la judía e inferior), en una época oscura de nuestra historia. Años después, en lo que se supone es un futuro cercano, la relación entre personas no ha cambiado, viendo a seres diferentes (mutantes) como una raza peligrosa a la que hay que detener antes de que se expanda.
Dentro del grupo mutante nos encontramos, a su vez, con dos puntos de vista. Por un lado el de Charles Xavier que ve la posibilidad de convivir humanos y mutantes en un mismo mundo, tan solo hay que darles tiempo para comprender. Por otro lado está Magneto, el joven que sufrió las represalias de los nazis en su juventud, y que siempre ha sido tratado como un ser inferior. Ahora ha llegado su momento de demostrar su supremacía y la de su especie, comenzando junto con su Hermandad de Mutantes una guerra contra los que quieren dominarles (entre los que se encuentran y tienen más voz el Senador Kelly). Ambos, amigos en el pasado, se enfrentan en un combate por demostrar quién lleva razón, pero los actos de Magneto alcanzan el terrorismo, y Xavier no ve más solución que interponerse en su camino.

Como adaptación no podría ser más fiel, inteligente y original. Consiguiendo capturar la esencia de la mayoría de los personajes, Singer realiza un film fresco, elegante, con secuencias de acción bien realizadas (Magneto frente a la policía hablando con Xavier; la pelea entre Mística y Lobezno) y condensando la historia en unos breves, pero suficientes, 95 minutos.
La puesta en escena está muy cuidada con interesante escenarios, en donde se ven varias X insertadas en la arquitectura, y con secuencias inteligentemente planificadas. Los decorados están muy conseguidos, en especial la sala Cerebro y las instalaciones X, abundando el estilo futurista azulado. Las escenas de acción no abundan, pero las que hay son de agradecer pues no son de pega como otras producciones en las que es una obligación, sino que aquí son justificables gracias a la trama.

La presentación de los personajes principales es otro acierto, pues tanto a Xavier, como a Magneto se les presente entre sombras asistiendo a la conferencia sobre los mutantes para después mantener una charla en un pasillo frío y cristalino. En dicha secuencia es de aplaudir como sencillez y elegancia van cogidas de la mano, y cómo en un sencillo juego de plano-contraplano Singer construye una escena en que se nos descubre la psicología de cada personaje y su relación, así como también lo hace en una magistral escena final que nos deja con la miel en los labios y nos avanza lo que vendrá, con ambos personajes jugando al ajedrez en la cárcel de plástico.
El personaje de Lobezno se nos presenta entre sombras, de espaldas, en una jaula como el animal que es. Una gran presentación. Es el personaje más cuidado de todos, y junto con Xavier el más fidedignamente representado. Con amnesia que le impide recordar gran parte de su pasado, entre lo que se encuentra cómo le implantaron en su esqueleto el irrompible metal “adamantium”. Posee el mismo mal carácter que en los comics y su mismo buen gusto por los puros.
Pícara es otro personaje cuidado, pues sobre ella cae mucho peso de la historia al enfrentarse al dilema de vagar por el mundo sin encontrar nadie que la entienda. Su única esperanza es Lobezno, en quien verá un amigo y protector, comenzando una amistad que la chica cree interpretar como otra cosa.
Sobre el resto mencionar que Cíclope, Tormenta y Jean Grey son secundarios con intervención en las secuencias de acción al final, esto daba pie a pensar ya en una secuela. De los villanos tan solo Mística posee una personalidad propia como Magneto, Dientes de sable es un luchador de Presing Catch con rasgos felinos y Sapo es Darth Maul (Ray Park) con lengua extralarga (incluso repite los mismos movimientos en combate que en “La Amenaza Fantasma”). Mencionar la aparición de personajes como el Hombre de Hielo, que comienza una relación de amistad con Pícara, Pyro, o Gata Sombra, personajes que tendrían más protagonismo en las secuelas.

Los Efectos Especiales no son los protagonistas de la función, sino que están al servicio de la historia, como debe ser. Además no se abusa de ellos más que cundo es necesario (el final en la Estatua de la Libertad).
La Banda Sonora fue compuesta por el difunto Michael Kamen, quien desgraciadamente no consiguió llegar al espíritu de los protagonistas. Su composición es como la película, un preludio para algo mucho mayor que estaba por venir. Desgraciadamente no pudo continuar el tema principal que aquí presentaba tímidamente, pues en la secuela sería sustituido por John Ottman.
El reparto estuvo a la altura de las circunstancias, callando las voces que se alzaron en un principio, y consiguiendo que lo que veíamos en pantalla diera sensación de realidad, de estar viendo una película de ciencia-ficción y no una de fantasía inspirada en un comic.

Bryan Singer alcanzó un gran éxito con este film, consiguiendo que “X-Men” fuera considerada por los amantes de los tebeos como la mejor adaptación de un comic jamás realizada. Gracias a este éxito no solo seguiría la franquicia mutante, sino que las productoras de Hollywood comenzarían a realizar adaptaciones de comic anualmente, y abundantemente, pues posteriormente vendrían “Spider-Man”, “Hulk”, “Daredevil”, “Los 4 fantasticos”, etc.... Pero “X-Men” tiene el privilegio de haber sido la primera superproducción Marvel consiguiendo un resultado inmejorable como primera película.

7/10

X-Men:United (2003)

El debate sobre los mutantes prosigue. El Presidente de los Estados Unidos es atacado por uno de ellos, lo cual beneficia al militar y científico William Stryker a conseguir una autorización para poder entrar en la Mansión de Xavier y capturar a varios de sus alumnos. Sin embargo, sus verdaderos fines son más macabros. Los X-Men tendrán que luchar contra él uniendo sus fuerzas a las de Magneto y Mística.

Tras la buena taquilla cosechada por la primera entrega estaba claro que iba a realizarse una segunda parte, es una norma de Hollywood. Para esta primera secuela, la productora FOX no escatimó tanto en medios como para realizar la primera, de unos 75 millones que costó “X-Men” pasaron a unos 120 de presupuesto para esta, una cifra muy considerable. El equipo volvería a ser en su gran mayoría el mismo tras los buenos resultados cosechados, la gente no admitía tras la cámara a nadie que no fuera Singer tras su buena labor mutante.
Como toda buena secuela, y dado el generoso presupuesto, se decidió realizar un espectáculo visual más rico que el anterior y añadir varios personajes nuevos. Desde el principio se anunció la incorporación de Rondador Nocturno y la importancia que iban a tener otros personajes que ya vimos en la primera.
El estreno se fechó para el 5 de Mayo de 2003, compitiendo casi directamente (con una semana de diferencia) con la que, se suponía, iba a ser el boom del verano “Matrix Reloaded”, sin embargo Singer siempre mostró calma y confianza en el trabajo que estaba realizando.

La película se estrenó en la fecha prevista y volvió a ofrecer un espectáculo acercándonos de nuevo al Universo Mutante Marvel. Con una diferencia, y es que esta vez, y como secuela que era, no se debía detener en presentar a la mayoría de los personajes, sino más bien en desarrollarlos un poco más. Así pues Tormenta o Jean Grey pasaban a tener más protagonismo (en el caso de Berry se debió a sus exigencias al estudio y a su reciente Oscar) haciendo más gala de sus poderes que en la primera parte, el Hombre de Hielo se convertía en pareja de Pícara, quienes iban acompañados de Pyro, capaz de manipular el fuego y al que le gusta fanfarronear, pues cree tener una capacidad superior que el resto de sus compañeros. Desgraciadamente, y esto nunca ha contentado a los fans, Cíclope quedaba en segundo plano, como protector del Profesor.
Sobre los nuevos, decir que enriquecieron la trama. Rondador Nocturno se nos presenta al principio (en una espectacular primera secuencia de ataque contra el Presidente en la Casa Blanca a ritmo del “Réquiem” de Mozart) como un personaje hostil para después descubrir que es un personaje atormentado y espiritual, abrazado a la Fe, donde busca el perdón de Dios. Ciertamente es una contradicción el ver a criatura tan diabólica en aspecto (piel azul, cola y cuernos) ir con un rosario y rezar para exculpar sus pecados.
La trama seguía insistiendo sobre el dilema acerca de la sociedad mutante en el mundo de los humanos. En esta ocasión se nos muestra la discriminación por un punto de vista más cercano, como puede ser el de la propia familia. El personaje de Bobby Drake (Hombre de Hielo) oculta a sus padres su verdadera condición de mutante diciéndoles que está en un colegio privado, sin embargo se vera en la obligación de decírselo cuando se oculte en su casa, junto con otros miembros X, y ellos no lo acepten del todo. Se puede decir que desde que lo saben le dan la espalda y lo entierran (su hermano llama a la policía alegando que los tienen secuestrados).
El personaje de Bobby Drake nos sirve para hablar sobre Pícara, que aquí ha pasado de ser casi protagonista en la primera parte a meramente secundaria. Su problema requeriría más profundidad que el que se nos ha mostrado, aunque es cierto que solo es una niña y no la mujer de los comics deberían haberla aprovechado más.
El trío de jóvenes lo completa Pyro, quien no duda a la hora de utilizar sus poderes ya sea contra humano o mutante. Sus pensamientos están más cercanos a los de Magneto que a los de Xavier, y de eso se darán cuenta ambos lideres.

La hostilidad por parte de la Sociedad humana está mucho más presente aquí que en la antecesora, en que solo teníamos a un Senador parlanchín. En esta ocasión nos encontramos con William Stryker, viejo soldado al que el tema mutante le obsesiona y martiriza desde hace tiempo. Su hijo fue discípulo de Xavier, quien no pudo hacer nada por al muchacho cuando llegó a su límite y perdió la razón llegando a matar a su madre. Gracias a una poción, Stryker puede dominar a todo mutante vivo, excepto a Xavier. Para él tiene algo especial, a su hijo, antiguo alumno del Profesor X, ahora pegado a una silla de ruedas como el líder de los X-Men. Jason conseguirá entrar en la mente de Xavier y le obligará a realizar lo que Stryker desea: aniquilar a todo mutante viviente mediante la duplicación de la maquina Cerebro.
Con Stryker se crea un trío psicológico enfrentado. Por un lado Xavier que sigue deseando la convivencia entre humanos y mutantes, al cual Magneto le responde hablando tan solo de supremacía y de dominación contra los humanos, y por último tenemos a William Stryker a quien el odio por el daño que le hizo Xavier en el pasado con su hijo le ha llevado a odiar a los mutantes de tal manera que ansía su total destrucción del mundo. Más cercano a Magneto que a Xavier, pues ambos son personajes radicales que no aceptan el dialogo, Stryker se convierte en la Némesis directa del Profesor X y en enemigo natural de Magneto.
Gracias a Stryker se pude profundizar algo más en el pasado de Lobezno, pues él fue quien le implantó el metal de “adamantium” en el esqueleto del mutante y afirma ser su compañero de hace años. Lobezno recordará parte del experimento, y visitará el laboratorio en donde se realizó la operación quirúrgica.
Como bien se subtitula la película en su versión original (United), en esta nueva aventura vamos a presenciar la unión momentánea entre Magneto y los X-Men con el fin de acabar con la locura de Stryker que concierne a todo mutante. Menuda gracia el ver como Lobezno, Tormenta y Jean tiene que trabajar junto a Mística (a la que Lobezno le dejo un magullado recuerdo) y Magneto. Por supuesto, el viejo soldado se cubrirá las espaldas con una presencia femenina con rasgos orientales y huesos tan duros como los de Lobezno, Dama Mortal.
En los comics dicho personaje era una antigua pareja de Lobezno que desaparecía de la vida del héroe para luego aparecer en presencia fantasmagórica. En la película no se llega a ese termino, sino simplemente a establecer una relación entre ambos personajes mediante el implante del indestructible material, la capacidad regenerativa de ambos, la posibilidad de sacar garras (Lobezno de los nudillos, Dama Mortal de las uñas). Los dos personajes se enzarzaran en una pelea brutal en que no se mostrará más sentimiento hasta que acabe la lucha (Dama Mortal deja de estar a merced de Stryker y Lobezno cree reconocerla al volverse sus ojos normales).

De nuevo Singer confeccionó una película digna de su predecesora, con estilo clásico, elegante puesta en escena y poderosas secuencias de acción, que era de lo que se quejaban ciertas personas al ver la escasez que poseía la primera. Dichas secuencias están bien construidas y dan emoción desde el primer minuto, en que, a ritmo de Mozart, contemplaremos el ágil ataque de Rondador Nocturno al Presidente. La única pega de dicha secuencia, y que rompe con el estilo del film, es la ralentización en que Rondador aparece y desaparece repartiendo puñetazos a los guardaespaldas. Aunque puede servir para demostrarnos su habilidad mutante (teletransportación) parece que copia el efecto “Matrix”. El resto de las secuencias de acción son perfectas, y de nuevo encajan perfectamente en la trama. De todas ellas destaco el ataque a la mansión X en que Lobezno da muestras de su buen humor y se nos muestran a los jóvenes que viven en la mansión, aprovechando para mostrarnos a Coloso, otro mutante muy querido; la huida de Magneto de su prisión de plástico a base de bolitas de hierro, y la pelea entre Lobezno y Dama Mortal, mejor coordinada que la de Lobezno contra Mística de la primera. Además supo dar oscuridad e inquietud en los juegos entre Jasón y Xavier.
FOX le dio más libertad creativa a Singer, el cual se rodeo de colaboradores habituales con los que había trabajado anteriormente. El comienzo del film es idéntico al anterior, la voz de Xavier, los créditos y la puerta de Cerebro que se nos cierra para dar comienzo a la historia. Con eso Singer siempre ha declarado la unión entre los films como si se tratara de un serial, como las películas de Bond.
La fotografía corrió a cargo de Thomas Siegel, quien se lució sobre todo en las secuencias dentro de la prisión de plástico de Magneto con esos colores pálidos. La música fue un cambio, ya que recayó en el habitual de Singer, John Ottman, quien compuso una partitura vibrante, más completa que la de Kamen, y con un tema principal mucho más pegadizo.
El reparto repitió al completo. Hubo incorporaciones como la de Alan Cumming como Rondador, Bryan Cox como Striker y Kelly Hu como Dama Mortal.

La película cosechó un éxito superior al de su predecesora, consiguiendo recaudar en su primer fin de semana en Estados Unidos la friolera cifra de 80 millones de $, consiguiendo una recaudación total de 215 millones en un verano en que tuvo que verselas con Neo, Jack Sparrow en su primera aventura, y Terminator. Estaba claro que íbamos a seguir disfrutando de los X-men, sobre todo después de ver el final del film. Lo que no sabíamos es que iba a haber cambios.

7,5/10

X-Men: The Last Stand (2006)

Los X-Men siguen combatiendo contra las fuerzas de Magneto y su Hermandad de los Mutantes. Entre los miembros sigue existiendo un alo de tristeza tras la perdida de Jean Grey en el Lago Álcali. Una noticia irrumpe en la sociedad, los científicos han encontrado un antídoto que puede erradicar el gen mutante X y convertir a los mutantes en seres humanos normales.

En una entrevista posterior a “X2” Bryan Singer declaraba su participación en una tercera película de los X-Men si se hiciera, de hecho se especuló que tenía el borrador de la historia escrito. Sin embargo algo se interpuso entre los mutantes y el director, algo que volaba procedente del planeta Krypton. Singer fue elegido para dirigir la nueva película sobre Superman, dejando a sus mutantes huérfanos. Muchas voces decían que el proyecto debía posponerse hasta que Singer estuviese disponible y pudiera dirigirla, sin embargo la FOX se puso en busca inmediata de un director que suplantará al padre cinematográfico de lo mutantes. Ciertamente esperar más hubiera sido romper un sistema que funciona bastante bien, como es el estrenar una secuela cada 3 años (sistema que ha utilizado George Lucas para estrenar sus capítulos galácticos). De modo que la 3ª entrega mutante debía estrenarse en 2006 sin problema.
El elegido para sustituir a Singer en la silla de dirección fue Brett Ratner, especialista en realizar terceras partes de Sagas (aunque sea en forma de secuela) como ya demostró en “El Dragon Rojo”. Ratner además era el causante de la Saga “Hora Punta”, lo cual daba bastante miedo a los admiradores de los mutantes.
Por suerte ahí estaban los de FOX (Avi Arad y Lauren Shuler Donner) para secundarle y guiarle por el buen camino, además de todo el elenco interpretativo que, en su mayoría, repetía, encabezado por Hugh Jackman que ahora pasaba a ser también productor del film.
El rodaje fue relativamente corto y no tardó en promocionarse la película con un teaser poster y posterior trailer a finales de 2005 en donde se mostraba acción a raudales con la voz en off de Xavier de fondo. El título elegido, esta vez para todo el mundo n lugar de solo para USA como hicieron con la 2ª, fue “The Last Stand” (La Decisión Final) que ya avecinaba la película como la última de la Saga, y así la fueron vendiendo.

Al enterarme del argumento del film, la cura, no pude esquivar mi pensamiento a la hora de ver la serie de animación y recordar que en dicho argumento estaba involucrado uno de mis villanos favoritos, Apocalipsis. ¿Tendría la FOX el As en la manga guardado de mostrar a dicho ser en la película? Sin embargo mis esperanzas se desvanecieron al comprobar que tambien adaptaba la famosa serie “Fénix Oscura” en que Jean Grey vuelve convertida en un ser superior y malvado. Ambas series e ideas (La Cura y Fénix Oscura) daban para películas independientes, sin embargo el unirlas en una sola, y con una duración similar a la de la primera película (95 minutos) no presagiaban algo bueno.

Efectivamente, el 25 de Mayo llegaba a las pantallas de todo el mundo “X-Men: The Last Stand” y muchos comprobamos que lo que había hecho Brett Rattner no era sino intentar mantenerse fiel al estilo narrativo y visual de Singer pero acelerando los acontecimientos y centrándose en las secuencias de acción.
La historia es interesante, no vamos a negarlo. Una posible cura que convierta a los mutantes en humanos y en la cual vea Magneto la razón para un levantamiento mutante es sensacional. Ahora bien, cuando entra en escena Jean Grey nos olvidamos de la cura, pues sol queremos ver a Fénix actuar. El mayor fallo que le veo al film es este mismo, unir dos historias paralelas en una sola, ya al principio, a modo de flashback, vemos a la joven Jean siendo visitada por Xavier y Magneto, y posteriormente vemos a Ángel intentar cortarse las alas y siendo descubierto por su padre, que se convertirá en el creador de la cura.
En lo que concierne a la cura entran en escena mutantes como Pícara que ve la posibilidad de poder tocar a sus seres queridos, Tormenta que afirma que no hay nada que curar y dos nuevos personajes, Bestia, quien sustituye a Rondador Nocturno aunque permanezca dando color, y Ángel. Sobre Bestia he de decir que me sentí bastante desilusionado, pues en la segunda película se hacía un pequeño cameo de Hank Macoy hablando en televisión y ya, en esta tercera, aparece trabajando hombro con hombro con el Presidente y asistiendo a conferencias. Si se supone que este 3º film comienza justo donde acaba el 2º , o pocos meses después ¿como han cambiado tanto de opinión los humanos? Ángel aparece 5 minutos en toda la película, y no es más que para hacerle ver a su padre que porque tenga alas es peor que un ser humano, simplemente es diferente, pero claro eso se supone que hay que adivinarlo porque entre los dos no se hablan más que tres frases. Este es un ejemplo de lo acelerado de los acontecimientos. Desgraciadamente el tema de La Cura solo sirve para introducir peleas entre los seguidores de Magneto y los X-Men, pues dicho argumento queda muy pobre en el film, y más si lo comparamos con el de la serie de animación, en donde Apocalipsis inyectaba dicha “cura” para tener a los mutantes a su merced. Lo mejor que tiene La Cura es el posible debate que se establece entre los mutantes de si hay que tomarla o no, porque entonces estás negando lo que eres y te convertirás en lo que otros quieren.Sobre Fénix Oscura, que posiblemente este mejor desarrollada en la película que la trama de la cura, entran en acción Lobezno, Xavier y Magneto. El regreso de Jean tras su caida era lo que realmente esperábamos de este film, y no una trama secundaria o complementaria. Ratner (inteligente como el solo) la utiliza además para eliminar personajes que cree que son un lustre o que ya no tienen nada que hacer salvo morirse.

Aunque el guión sea bastante pobre, Rattner se preocupa más en meter acción y entretener al personal, que para algo va a ir la gente al cine.
Esta es la entrega más emocional de la serie, eso en palabras de Ratner, Yo supongo que el hombre lo dice porque desde los 15 mitos de película ya está cargándose personajes y deben darnos pena. Algunos si que es cierto que nos dan pena, sobre todo por lo bien planificado que está. Como he mencionado Ratner está más preocupado por la acción que por el guión, y crea secuencias de acción a mansalva, algunas de ellas memorables y protagonizadas por Fénix, como la secuencia en casa de Jean cuando se establece la batalla telequinésica, la secuencia entre Jean y Lobezno en la habitación del recinto de los X-Men o la batalla final entre ambos personajes.
Sobre la forma en que está rodada la película, salvo las secuencias antes comentadas, está bien, por debajo del nivel de Singer (lo cual se esperaba). Ratner parece haberse estudiado al dedillo las dos previas para embarcarse en el trabajo a la hora de poner en pantalla a los personajes(cosa que ya hiz con “El Dragón Rojo” en donde copiaba planos de “EL Silencio de los Corderos”), por ejemplo a Xavier lo presenta tal cual Singer en las dos anteriores (empezando por una rueda de su silla y subiendo hasta él). Sin embargo prescinde de la forma de comenzar la película por un flashback que da pie a los créditos, con lo cual se rompe la continuidad y la autoría que mantenían las dos previas.
“X-Men: The Last Stand” es la película de acción de la Saga, en donde aparecen casi todos los personajes posibles, aunque sean con una línea de dialogo (véase Morpho por ahí) y eso es otro fallo, pues para alimentar las ansias de los fans en ver personajes, Ratner decide hacer aparecer por ahí a Juggernaut, que no hace más que decir idioteces siendo el contraputo a otro personaje previo que tenía la misma función, Dientes de Sable. Mientras el hombre-Animal apenas abría la boca, el gigantón con casco dice cosas por decir, porque deben hacer gracia, o eso se supone. También vemos por ahí a Calisto, que se tira de los pelos con Tormenta. Bestia está bien representado, salvo por el pequeño detalle de que es muy precipitado que ya desde el principio se siente con el Presidente a hablar tranquilamente.
En cuanto a los personajes conocidos, se elimina Rondador como ya he citado, Pícara sale nada más que por mantener continuidad y en su lugar gana protagonismo Kitty Pride, quien mantendrá una relación de cariño con Bobby Drake, quien se las verá en esa esperada pelea contra Pyro. Mística, posiblemente el mejor villano de todos los aparecidos junto a Magneto también se la cargan.
Tampoco desaprovechan la ocasión de mostrarnos la ansiada sala del peligro, y ya de paso mostrarnos la cabeza de un centinela (maquina que ansiábamos ver desde la primera película).

Tras la salida de Singer tuvieron que contratar a otros especialistas para diversos campos. Así pues se ocupó de la fotografía Dante Spinotti consiguiendo un color más cálido y oscuro que en las anteriores entregas. La música volvió a tener un nuevo compositor en John Powell quien creó la mejor Banda Sonora de la trilogía.
EL reparto volvió a ser el mismo aunque con cambios respecto a la importancia de los personajes. James Marsden rodó rapidito su parte que le esperaba Superman; Anna Paquin sabia perfectamente cual era su papel en esta ocasión, comparsa; Halle Berry se proclamo protagonista femenina tras atosigar a los productores y ver que su experimento de “Catwoman” no salió bien; Hugh Jackman se aseguró del protagonismo de Lobezno interviniendo además como Productor. Entre los nuevos miembros del reparto tenemos a Ellen Page como Kitty Pride, personaje que ha tenido un rostro distinto en cada nueva película; Ben Foster como Ángel; Vinnie Jones como Juggernaut; y Kelsey Kramer como Bestia.

Al final de la película descubrimos que la supuesta finalidad de la Saga no es más que una idea de marketing, ya que el final es más abierto que el de la 2, lo cual ya es decir. Supongo que los productores querían referirse a que es el final de una etapa, y que ahora contrataran a otros actores para nuevos personajes continuando una Saga tipo “Ultimate X-Men” o algo por el estilo.
Estrenada en Mayo de 2006, la película fue todo un éxito, mayor al de sus antecesoras, convirtiéndose en la más taquillera de la Saga, y venciendo a “Superman Returns” dirigida por Bryan Singer, quien seguramente quedó satisfecho al haber perdido la batalla frente a viejos conocidos.
A pesar de no estar al nivel de las dos anteriores, en mi opinión, esta tercera entrega es un digno cierre a una etapa, pero no un adiós definitivo.

6/10
En resumen la Saga de X-Men me parece muy acertada como adaptación y notoria como films de entretenimiento, que en resumen es lo que son.

The Prestige, de Christopher Nolan

2007-01-16T19:01:00.000+01:00

Robert Angier y Alfred Borden son amigos que se dedican a espectáculos de magia. Tras una tragedia sucedida en una actuación que están realizando, ambos se distanciarán y comenzarán una lucha por demostrar cuál de los dos es mejor mago.

La filmografía de Christopher Nolan está llena de personajes atormentados y obsesionados. Un hombre que busca al asesino de su esposa; un policía marcado por un hecho ocurrido en el pasado; un hombre que se disfraza de murciélago para combatir el mal de su ciudad y borrar sus demonios interiores.
En su última película (y a la espera de la nueva de Batman, “The Dark Night”), Nolan nos cuenta la historia de rivalidad que se traen dos magos, anteriormente amigos y compañeros, sin olvidar del perfil anteriormente mencionado, que aquí eleva al cuadrado.

Lo que vamos a contemplar no es sino un combate entre dos personas obsesionadas en demostrar que el uno es mejor que el otro. Mientras para Alfred Borden cada truco, cada actuación, debe ser novedosa, original, arriesgada, algo nunca visto, para Robert Angier lo importante es la puesta en escena, sorprender al público y atraparlo aunque sea con un truco de sobra conocido.
Sin embargo, algo cambiará cuando Borden presenté su último espectáculo, “el hombre transportable”, en donde conseguirá algo nunca antes visto. A partir de ese momento Angier se obsesionará en averiguar cómo ha conseguido realizarlo para, cuando lo descubra, perfeccionarlo.
Ambos personajes son una cara de la misma moneda, quieren lo mismo pero por distintos métodos, lo único que les diferencia (parece ser, pues nunca queda claro) es el rango social, Borden parece de clase media-baja, mientras Angier parece representar a un caballero inglés. Para Borden conseguir realizar los trucos que se propone es lo que marca su vida, mientras que Angier quiere superarle por venganza, aunque sea robándole los trucos, para demostrarle que no es tan buen mago como dice, pues no se trata del truco sino de cómo se presenta ante el público. Personalidades conflictivas, obsesivas, complejas, que enfrentadas parecen no detenerse hasta que uno de los dos caiga.

Haciendo una comparación con la vida actual, y apartando la temática de la magia, la rivalidad que plantea el film no es muy diferente a la rivalidad que pueden llegar a tener dos buenos amigos por un puesto de trabajo. Esa es una de las mejores bazas del film, habla de rivalidad llevándola a extremos que dan miedo, pero que sin embargo pueden llevarse a la realidad. Si viéramos la película como una simple propuesta de magia saldríamos muy satisfechos, pero tras ella se encuentra una lectura actual sobre la superación y el demostrar que uno es mejor que otro. Claro que dicha afirmación es muy atrevida, pues Anger y Bolden son igual de buenos realizando trucos, al igual que pueden ser igual de buenos dos estudiantes que se están preparando unas oposiciones, pero al final solo es seleccionado uno. ¿Por qué? Sencillamente, no porque uno sepa más que el otro, sino porque uno de los dos ha demostrado exponiendo sus conocimiento su capacidad para desarrollarlo mucho mejor, consiguiendo un resultado sobresaliente, frente al otro aceptable, aunque previsible.

Y ahora, para analizar un poco la película, haré la comparación cinematográfica: ¿“The Illusionist” o “The Prestige”? Hablamos de dos películas con la temática de los magos como telón de fondo y que juegan con los mismo elementos a la hora de desarrollar la trama. Ambas comienzan con el supuesto final que da paso a un flashback que nos descubre como se ha llegado a esa situación, y que termina con una (supuesta) sorpresa final. Eso en lo que respecta al esquema, ahora bien, mientras la cinta de Neil Buttler se detenía en contarnos la historia de amor previsible pero con factura elegante, la de Nolan nos narra la lucha entre ambos personajes de manera emocional, con saltos constantes entre el presente y el futuro (todo ello mediante el inteligente uso de los diarios), y no lo hace precisamente para marear al espectador, sino para realizar un truco mucho mejor pensado y realizado que el de Buttler, pues Nolan está dando los pasos que se citan al principio de su cinta, y que nos llevan al título del film (y no al horroroso de nuestro país que me niego escribir). Todo truco tiene tres pasos, la presentación en que se nos muestra a los personajes, la actuación en que se nos narra que pasó, y el prestigio en donde se realiza lo inesperado y con lo que se consigue el aplauso del público. Este último paso queda algo previsible en “The Prestige”, tanto como Nolan quiere que quede, pues nos está dando pistas desde el primer fotograma intencionadamente, sin ocultarnos información, para al final deleitarnos con su verdadera sorpresa, que no radica en un juego de magia, sino en un juego de personalidades. Y es que “The Prestige” es la historia de estos dos hombres que se odian, y no hay mejor truco que jugar con las psicologías de cada uno, consiguiendo giros y cambios constantes en su personalidad, de tal forma que no sabes que esperar.
Dicho esto, he de decir que, a pesar de la elegancia de “The Illusionist”, me quedo con “The Prestige”.

Conseguir que una película tan compleja cómo es “The Prestige” no decaiga ni aburra en ningún momento se lo debemos en gran parte a su director, Christopher Nolan, no solo por su sabia dirección, sino por haberse rodeado de buenos profesionales que lleven a cabo su visión sobre el libro de Christopher Priest. Su hermano Jonathan escribe el guión junto con él (y me alegra decir que también lo hará en “The Dark Night”). La ambientación en la Inglaterra victoriana está cuidada al detalle en cada momento, al igual que las actuaciones de magia que ocurren a lo largo del film.
Una de las pegas que le pongo a nivel de producción es la música, pues la película carece de una composición acorde con el film. Hubiera venido muy bien la colaboración de Hans Zimmer, que tan buena música elaboró para Nolan en la nueva de Batman.
Sobre el montaje, es correcto, mucho mejor que el de “Batman Begins”, aunque con algún cambio brusco repentino. Como antes he cita me gusta mucho la estructura a base de saltos en el tiempo, pues coincide con la lectura de los diarios por parte de cada uno de los protagonistas, mediante la cual se están conociendo el uno al otro.

El director ha vuelto a contar con dos rostros de “Batman Begins” como son Christian Bale y Michael Caine. De Bale he de decir que en algún momento me recordaba bastante a su interpretación de Bruce Wayne, sin embargo, gracias a la riqueza psicológica de su personaje, consigue una interpretación misteriosa acorde con Alfred Borden. Michael Caine interpreta a Cutter, el artesano que fabrica los trucos para Robert Angier. Su presencia basta para llenar la pantalla en sus breves minutos. Sin embargo la gran sorpresa del film es Hugh Jackman, que gracias al papel de Robert Angier ha conseguido quitarse la etiqueta de “Wolverine” que le llevaba colgando. Jackman realiza una interpretación portentosa, con cambios constantes, expresándonos la obsesión de Angier por superar a Borden. El elenco femenino está por estar, ya que ninguno de los personajes femeninos está plenamente desarrollado. Rebecca Hall sería la más importante como la mujer de Borden, quien se pregunta los repentinos cambios de actitud de su esposo cuando habla de magia, cómo si ella le importará bien poco. Scarlett Johansson está simplemente de relleno, pues su papel bien podría haber sido suprimido. Piper Perabo aparece breves minutos como la mujer de Angier. Mencionar la intervención de David Bowie cómo el misterioso científico Nikola Tesla, y de Andy Serkins como su ayudante Alley.

A pesar de todo este elenco, y de que el film parece que haya costado una barbaridad, he de decir que se puede considerar como una pequeña co-producción entre dos majors como son Warner y Disney (Touchstone) y una compañía independiente (Newmarket).

Notable película, que demuestra cómo calidad y comercialidad pueden ir de la mano si tras la cámara está la persona adecuada.
7,5/10

The Fast and The Furious: Tokyo Drift, de Justin Lin

2007-01-15T17:57:00.000+01:00

Detenido por realizar actos de vandalismo con coches, Sean Boswell es enviado con su padre a Japón, ya que es la única manera de no ir a prisión. Allí no podrá distanciarse del mundo de las carreras de coches, participando contra el mejor corredor de Tokyo, el Drift King.

Hay sagas que son innecesarias, que uno se pregunta por qué las hacen. La Saga de “The Fast and the Furious” es una de ellas.
Comenzando de manera realista sobre el mundo de los tooning con trama policial, la primera película se convirtió en el éxito inesperado, aumentando la fama de su protagonista, Vin Diesel. Ciertamente el film era entretenido, aunque previsible, y poseía buenas secuencias de acción con los coches.
Desgraciadamente su éxito trajo algo malo consigo, y fue que se realizó la obligada secuela de film que alcanza una notable taquilla. La Segunda parte solo tenía en común al protagonista, o mejor dicho al otro protagonista, el poli rubio al que da vida Paul Walker. Para conseguir que el público conecté más con el personaje, tras la marcha de Diesel (el verdadero protagonista del original), pues al chaval lo convierten en proscrito que deja la placa para participar en carreras ilegales. Es que los tios malos molan más. Para conseguir el buen rollo de amigos de la primera parte, le ponen como compañero a un antiguo amigo suyo también delincuente. Pero claro, esta secuela fue lo que debía ser, un producto mediocre en donde los soches no sirven más que para destruirse y donde los protas parecen sacados de la SuperPop.
Dicho esto, creo que sobran las palabras para decir lo que pienso sobre esta tercera parte de la franquicia.

El protagonista es, de nuevo, un fuera de la ley que se vuelve loco con un coche. Como ya ha violado todas las normas de circulación de USA pues lo mandan a Japón para que las siga infringiendo allí.
La película incluso parodia “Lost In Tanslation”. Desde el poster ya leemos “Speed don´t need translation”, y es que a la película de Sofia Coppola le han salido ya hasta parodias. En “Tokio Drift” la enorme urbe no sirve más que para mostrar mucha iluminación. Los japoneses hablan perfecto inglés en todos lados, incluso cuando hablan entre ellos sin ningún occidental delante (¡Cómo saben que sin inglés no van a ningún sitio!).

Los personajes son más planos que una hoja de papel. La trama es la más trillada de la historia del cine, “chico conflictivo, pero de buen corazón, es trasladado a un nuevo lugar en donde se enamorara de la chica del malo del barrio a quien se enfrentará para demostrar que es mejor en una modalidad de carrera que aprende un menos que canta un gallo”. Por no decir que el padre del prota es militar, y encima le ayuda en su propósito de derrotar al hijo del jefe Yakuza en una carrera (¡¡¡!!!). Podrían haber creado una trama más complleja para esta tercera parte de una Saga, como antes he mencionado, innecesaria, pero parece que sólo les importa a esta gente que los coches y los nuevos estilos de conducción (en este caso el drift) sean las esrtellas, sin importar los personajes.
En relación con las otras dos películas esta tiene en común..... nada. Bueno solo tiene una cosilla en común, que es la participación al final de una presencia que se echó en falta en la segunda.

Claro que diréis, pero ¿y las carreras?. Pues bien, puedo decir que, aún quedando por debajo de lo visto en la primera película, estas carreras son muy realistas. Con especial detenimiento en los movimientos de Drift, que es de lo que va el film, el director nos deleita con escenas espectaculares que al menos dan vidilla a la trama (¡menos mal!).

La película es dirigida por Justin Lin, que parece que ha sido elegido solo por el simple hecho de ser japonés.
El reparto está lleno de rostros jóvenes, entre ellos el más conocido es Lucas Black (sorino de Melanie Griffith en “Crazy in Alabama), pero solo están para rellenar.
De nuevo los coches son muy guapos, con sus tuneados y todo eso (Atención al coche de Hulk), con música pastillera, y tías guapas.
2,5/10

Hollywoodland, de Allan Coulter

2007-01-12T18:23:00.000+01:00

El cuerpo del actor George Reeves, que dio vida a Superman en la serie de televisión de los años 50, es encontrado en su habitación con una herida de bala en la cabeza. El caso se archiva declarando que el actor se suicidó. Sin embargo el asunto cae en manos de un detective privado, Louis Simo, quien comenzará a indagar más de la cuenta.

A medio camino entre el biopic y el género negro nos encontramos con esta película dirigida por Allen Coulter en lo que supone su debut cinematográfico tras dirigir varios episodios de “Los Soprano”.
“Hollywoodland” trata de desvelar el misterio de la muerte de Reeves, aún hoy sin esclarecer. El detective Simo comenzará una investigación sobre el pasado del actor y las posibles causas de su muerte en un mundo en que lo que más importan son las apariencias.
Hollywood, Los Angeles, es un sitio donde las personas viven a costa de su imagen, donde uno puede subir como la espuma gracias a salir en portada de una prestigiosa revista, o porque conozca a una bella mujer una noche. Y más si esa mujer es la esposa de un directivo de un gran estudio de cine. Ese es el caso de George Reeves, quien se enamoró de Toni Mannix, esposa del directivo de la Metro. George busca abrirse un hueco en el mundo del cine, solo ha hecho pequeñas participaciones en televisión, pero sabe que le llegará la hora de aparecer en la gran pantalla. Una audición para una nueva serie de televisión le otorgará el papel más importante de su vida, y por el que será recordado: Superman.
Lo que en principio debía ser una serie para niños que duraría poco, acabó terminando en una indispensable en los hogares norteamericanos todas las tardes, convirtiendo a Reeves en el héroe de la capa roja.
George Reeves fue un hombre atormentado, en gran parte debido a su personaje de Superman. Él odiaba la serie, pero el público la amaba. Los niños cuando veían a Reeves por la calle no sabían diferenciar entre lo que veían en TV (el superhéroe) y la realidad (un actor). Memorable, y posiblemente la mejor secuencia de la película, cuando un niño se acerca a Reeves, vestido de su personaje, con una pistola cargada y le pide el favor de que le deje dispararle. Reeves intentará convencer al niño que no dispare, sin que crea que no está delante de Superman. Este hecho, sumado a la decepcionante preview que se realiza sobre la película “De Aquí a la Eternidad” en que tenía un papel y cada vez que aparece en pantalla la gente no paraba de decir que era Superman, sumieron a Reeves en una crisis que le hizo abandonar la interpretación y embarcarse en otros negocios, sin olvidar su meta de triunfar en el cine.
Reeves acabó siendo un actor encasillado, mejor o peor no importa, pero la verdad es que muchos actores acaban así, sin poder vivir una vida normal delante de la gente, que los ve cómo los personajes de la Televisión.

Con esta historia, ya de por sí interesante, se podría haber hecho un film sobre la vida del primer Superman de carne y hueso, sin embargo a los creadores de la película se les ocurre meter la trama paralela del investigador Louis Simo, quien no busca más que fama saliendo en los periodicos. Quizás lo introduzcan, y hagan el montaje en paralelo, para hacer un paralelismo con el personaje de Reeves, pues ambos buscan la fama de distinta forma, Reeves en el cine, Simo en el mundillo de la prensa. Pero aún así, al estar viendo la película, al espectador acaba por darle igual lo que le pase al detective, solo nos interesa saber qué ocurrió con el actor.
Como bien cita el poster del film: “Vivir en Hollywood puede convertirte en famoso. Morir en Hollywood te convierte en Leyenda.” Si George Reeves no hubiera muerto, seguramente se le seguiría recordando como el primer Superman, pero sin detenerse tanto en su figura.

Como he citado anteriormente, nos da igual lo que le ocurra al detective Simo, y eso es un gran fallo, ya que es el protagonista, el que está investigando el caso de Reeves. La puesta en escena nos traslada a los años 50 en Hollywood de manera correcta, pero sin llegar a ser brillante. El guión de Paul Bernbaum cuida los dialogos y las relaciones entre los personajes. Sin embargo esta película es una película de actores. Adrien Brody consigue realizar de forma notable el retrato del investigador Louis Simo, consiguiendo que un personaje que realmente nos importa poco caiga simpático. Ben Affleck está fantástico como George Reeves, muchas críticas ya han dicho que está así de bien porque interpreta a un pésimo actor, aún así no hay que quitarle merito a su buen trabajo. Bob Hoskins está correcto como el directivo de la Metro, esposo de Tony Mannix, lástima que su personaje no se desarrollé un poco más. Sin embargo las que de verad están fabulosas son las actrices. Empezando por Diane Lane como Tony Mannix, amante de Reeves, y su gran apoyo en sus trabajos, rebosando vitalidad y sensualidad, y con un final triste cómo solo su personaje podría tener, Lane consigue una interpretación impecable. Robbin Tunney es la novia de Reeves, Leonore Lemmon, quien en sus pocos minutos en escena sabe como aprovechar cada una de sus frases. Lois Smith es la madre del actor, quien niega que su hijo se haya suicidado y obliga a reabrir el caso.

Se podría hacer una sesión doble entre esta película y “La Dalia Negra”, pues ambas hablan de misteriosas muertes en el valle de los sueños y que aún hoy dan que hablar.
6/10

BSO de la semana: The Departed

2007-01-11T15:16:00.000+01:00

Para la película policíaca de Martin Scorsese, el compositor Howard Shore se ha decantado por un música en que predomina la guitarra, consiguiendo una composición interesante e intensa por momentos. El tema principal, “Cops and Criminals”, funciona como Leit Motiv de la composición para describir a cada personaje, en especial el personaje de Collin. El tema de Billy es triste y trágico, ideal con el carácter del personaje. Es una pena que dicha composición quede tapada en el film por temas como el “Comfortably Numb”, el “Gimme Shelter” de Rolling Stones, o el “ I´m Shipping Up to Boston”.
Aún así he de decir que esta es la mejor composición de Shore para un film de Scorsese tras colaborar con el director en “Gangs of new York” y “The Aviator”.

3/5

Maria Antonieta, de Sofia Coppola

2007-01-10T19:04:00.000+01:00

Antonieta, princesa de Austria, es enviada con 14 años a Francia para contraer matrimonio con el delfín Luis XVI y así establecer relaciones diplomáticas entre ambos países. Llegará a reina a los 19, reinando hasta la revolución francesa en que caiga Versalles.

Valiente versión de Sofia Coppola sobre la figura de la reina francesa que fue ajusticiada en la guillotina por el pueblo. Al igual que en su anterior trabajo, la soberbia “Lost in Translation”, Coppola nos vuelve a hablar de la soledad que se vive en un nuevo mundo desconocido.
La joven princesa es enviada a Francia siendo tan solo una niña. A su llegada al punto de encuentro se dará cuenta de que va a entrar en un mundo totalmente diferente al que conoce, en que la obligan a dejar atrás todo lo que ha sido y vivido. Una vez en la corte vivirá todas la reglas estrictas del protocolo, y será blanco para los chismes que corren entre la nobleza.
“Esto es Versalles” le dice su dama de compañía e instructora en las normas de la corte. El Versalles que vive Antonieta es el mismo Versalles que vivimos los espectadores. Una corte monótona, aburrida, llena de envidias y celos. Coppola nos muestra toda la vida de la corte de manera sutil y elegante, sin parafernalias. El momento en que los príncipes se ponen a comer todos los días de la misma forma; sus noches en que el Rey muestra su poca práctica en el lecho; las miradas entre las nobles de la corte y su chismes; y la verdadera importancia del matrimonio de Antonieta, que es que debe quedarse embarazada para que no comenten nada sobre ella.

Puede que a muchos la película le resulte vacía y aburrida, en mi opinión posee el ritmo justo para lo que se nos relata, que es la vida de la joven reina en Versalles, no hay más. Si al final de la cinta, el espectador ha sentido tedio no es más del que siente la protagonista en el gran palacio, pues ella se siente enjaulada, sin posibilidad de salir, empequeñecida por todo lo que la rodea. Esto está expresado en pantalla de forma que vemos, en momentos puntuales, las grandes residencias de palacio rodeando a la pequeña figura de Antonieta.
Pero la reina debe buscarse entretenimientos y módulos de escape, así que se refugia en caprichos vacíos que llenen su monótona existencia. Montones de zapatos, extravagantes peinados, un paseo con árboles seleccionados por la muchacha, y fiestas sin parangón. Esto será la causa de que se la acuse de subir los impuestos al pueblo, poniendo en su boca frases como “Si no pueden comer pan, que coman pasteles”, y de que se alcen en contra de la monarquía.
La vida de la joven reina cambia cuando tiene a luz a su primer hijo, que resulta ser una niña, el Rey le ofrecerá una residencia personal en que pueda refugiarse siempre que lo desee. El nacimiento del segundo hijo, un nuevo delfín para Francia llena de alegría a toda la corte. Tiene un tercer hijo, mostrado de forma excepcional en un único plano, pues vemos como los criados cambian un cuadro de la reina con sus dos hijos por otro en que aparece con tres, y posteriormente lo vuelven a cambiar por otro en que sale con dos. Esto es un uso muy inteligente de narrarnos lo que ha acontecido, desgraciadamente nos tiene que mostrar después el pequeño ataúd en donde va la criatura, algo innecesario que ya se había expuesto de la manera anterior.

Se ha criticado en muchos sitios, que el pueblo de Francia no aparece ni se muestra, quedando el metraje reducido tan solo a Versalles. Lo cual no es cierto, pues hay una salida de los príncipes a un baile de disfraces. El pueblo si que aparece y es mencionado con frecuencia, como cuando el Rey manda tropas a luchar a América sus asesores le advierten del peligro que supondría para un pueblo que se muere de hambre; o en una de las secuencias más memorables y con la que debería haber acabado el film, Maria Antonieta saliendo al balcón e inclinándose ante sus súbditos, consiguiendo un silencio sepulcral y premonitorio.

La Banda Sonora del film también ha sido bastante comentada, pues poner en un film de época que nos va a narrar la vida de la famosa reina música de finales del S. XX puede parecer algo indecoroso y fallido. Todo lo contrario, la selección de canciones y música escogida por la directora hace que el viaje por Versalles sea mucho más placentero y describa mucho mejor ese ambiente. Recuerdo que ya hubo otras producciones de época que también introdujeron música actual, como son “Destino de caballero” con el Will Rock You, o “Plunckett y Mclane”.
Rodar en Versalles es todo un lujo, y Coppola no lo desaprovecha, mostrando perfectamente las residencias de palacio con una exquisita puesta en escena y un cuidado meticuloso en los detalles.

Si había algo que me preocupaba realmente era el reparto, especialmente la protagonista y Jason Schwartzman. Kirsten Dunst realiza un trabajo formidable en su personificación de Antonieta, mostrando su incomprensión y aburrimiento ante tanto protocolo, divertida y provocativa en las fiestas, y triste en sus momentos íntimos. Un notable trabajo interpretativo de la novia de Spider-Man. El primo de Sofia, y sobrino del gran Francis, Jason Schwartzman me tenía altamente preocupado pues es un actor que resulta inexpresivo y soso, pero son las dos cualidades necesarias para Luis XVI, al cual borda el actor, consiguiendo la mejor interpretación de su carrera. Steve Coogan merece elogios por su trabajo como el asesor de la reina, el embajador Mercy, quien estará a su lado desde el principio recordándole sus deberes en la corte e informándole de las inquietudes de su madre. Rip Torn es el Rey-Abuelo Luis XV, mujeriego de alta alcurnia, a quien se debe ganar la joven princesa. Completan el reparto Judy Davis, Marianne Faithfull y Rose Byrne.

Atrevida y conseguida visión del personaje de Maria Antonietta, de manos de una directora interesante como es Sofia Coppola. Su papá puede estar orgulloso de ella.
7,5/10

El Reino de los Cielos, de Ridley Scott

2007-01-08T11:19:00.000+01:00

S. XII después de Cristo. La guerra por Tierra Santa hace que varios caballeros se dirijan a Jerusalén para luchar por la cristiandad. Balian es un joven herrero cuyo padre le reclama para que le acompañe en su cruzada. Una vez en Jerusalén se convertirá en el héroe del pueblo y defensor de la ciudad, ganándose el corazón de la hermana del Rey Balduino, Sibylla.

Película épica de Ridley Scott, que parece que después del éxito de Gladiator parece que no haya dirigido otra cosa previa (¿Ya nadie se acuerda de “Blade Runner” o “Alien”?), en donde el director se traslada de la Roma Imperial a los tiempos de las Cruzadas para narrarnos la historia de Balian, el joven herrero que se convierte en defensor de la ciudad de Jerusalén.
He de reconocer que, visionada en cine, el film me pareció aburrido. Ahora, revisionada en la Director´s Cut que ha salido en DVD, he de decir que ha mejorado, aunque sigue teniendo fallos a mansalva.

El film presenta bastante fidedignamente las relaciones entre musulmanes y cristianos en aquella época y su lucha por Jerusalén. Si hay algo que me gusta es que a los musulmanes no se les pone como asesinos sanguinarios ni fanáticos, al igual que tampoco a todos los cristianos.
En Jerusalén reina Balduino, enfermo de lepra, que defiende apoyado en sus caballeros. Entre los cuales se encuentran los templarios, los más fanáticos y radicales de todos, que buscan la guerra contra los musulmanes, mediante la cual consigan expulsarlos de Tierra Santa. El líder de estos, Guy de Lusignan, está casado con su hermana Sibylla, y ve en ello la posibilidad de reinar tras la muerte de Balduino.
La película refleja las relaciones diplomáticas entre Balduino y Saldino, líder de los musulmanes. Ninguno de los dos quiere un baño de sangre. Ambos se respetan, y en momentos se prestan ayuda. Por ejemplo cuando Saladino le ofrece a Balduino los servicios de sus médicos.
Una vez muerto Balduino, el poder recaerá en su sobrino, hijo de su hermana. Pero la princesa descubre una terrible verdad, su hijo padece lepra, al igual que su hermano. Para no verlo sufrir ni vivir como lo hizo su hermano, lo matará, convirtiendo a Lusignan como Rey, quien comenzará una guerra contra Saladino.

Jerusalén representa la Fe, todo aquel que vaya allí en busca de persona lo hallará. Es un Reino de conciencia, en donde viven personas de todo tipo de etnias, pero en donde solo puede existir una religión, al menos esa es la razón de la contienda. Mientras los cristianos defienden la ciudadela en nombre de Dios, los musulmanes la reclamarán en nombre de Alá.
Una Guerra Santa, como la que aún hoy día, desgraciadamente, se sigue viviendo.

Ahora hablemos del protagonista. Si antes he mencionado que ha Scott se le conoce ya como el director de “Gladiator”, en esta película esa definición seria muy acertada. Ambos protagonistas, Máximo y Balian, son similares. El general romano pierde a su mujer e hijo perdiendo toda ilusión de su vida, lo único que le queda es la venganza contra quien los mató; Balian pierde también a esposa e hijo, sigue trabajando en la herrería, pero a la llegada de su padre, a quien no conoce, se replanteara el seguir viviendo en su pueblo y poner camino a Tierra Santa, para recuperar la Fe perdida. Muy bien, hasta ahí. Ahora, que en “Gladiator” el protagonistas sepa luchar fieramente en la arena del circo me lo creo porque era general del ejercito, pero que Balian pase de ser un simple herrero a convertirse en héroe de Jerusalén porque su padre le nombre caballero me parece excesivo y el mayor fallo de la película.
De acuerdo que en el bosque, cuando la emboscada, el muchacho se defienda y sepa manejar la espada, pero de ahí a llegar a ser el mejor caballero del reino hay un trecho. Si el protagonista hubiera sido un caballero retirado, o alguien que previamente hubiera tenido carrera militar, pues mira, eso me lo creo más. Pero ponerme a un joven herrero que del día a la noche se transforma en guerrero invencible, y estratega de primera, por mucha Fe que tenga, lo siento pero no. Ni siquiera se muestra que tenga un entrenamiento avanzado, salvo cuando su padre le enseña un movimiento de espada, que parece ser que nadie más lo conoce en el mundo y le hace vencer a todo el que se le pone por delante. Es una pena que un punto de partida cómo el que mueve al personaje a Jerusalén, como es la Fe y el encontrarse a sí mismo en Tierra Santa, se eche por la borda por ese ínfimo detalle. Si bien es cierto, que sus ideales representan al buen cristiano, y es un líder sabio, elegido por Balduino, podría haber sido mucho más interesante condensar en este personaje dos personajes más, como son su padre y el guía espiritual, consiguiendo un único protagonista más creíble.

Ridley Scott parece haberse estudiado al dedillo la Saga de los Anillos de Jackson, ya que aquí quiere alcanzar el no va más de aventura épica con una puesta en escena majestuosa, concluida por un asedio más pesado que el del Abismo de Helm.
Cierto es que el film está bien dirigido en su primera mitad, con una gran utilización de escenarios naturales y una magnifica dirección artística. Claro que tiene un problema, y es que parece un “esto me suena a...”. Cierto es que “Gladiator” marcó la resurrección de la carrera de Scott, y parece ser que aquí quiere reinventarse a sí mismo mostrándonos una película de cruzadas como no habiamos visto antes, con los grandes escenarios de Jerusalén, el majestuoso desierto, los preciosos palacios, pero todo con aire a haberlo visto antes. La llegada a Jerusalén por parte de Balian es bastante similar a la primera visita de Gandalf a Minas Tirith.
No solo de Anillos bebe esta épica, sino que Scott dirige su mirada a uno de los grandes, David Lean, y concretamente a “Lawrence de Arabia”, con esas secuencias en el desierto, intentando emular lo inimitable, como cuando Balian encuentra el Oasis o cuando el ejercito de Balduino y Saladino se encuentran.
Algo que tampoco me gusta, y que ya pasaba en “Gladiator” es la manía de rodar los combates y secuencias de batalla alternando cámara lenta con un golpe de aceleración de imagen. Desgraciadamente se abusa de ello en extremo.
Por último mencionar al asedio, que como ya he citado es la segunda parte del Abismo de Helm, solo que aquí no nos enteramos muy bien por donde van los tiros. Todo es rápido y confuso en pantalla, sin saber muy bien donde están los cristianos y donde los musulmanes.
Por supuesto no todo es malo. Como ya digo la primera parte del film en donde los protagonistas hablan sin parar en conversaciones que más bien nos importan poco, Scott consigue bellas secuencias para que no decaiga la historia. La carga de caballería de Balian a mitad de película está bien planteado, aunque de nuevo respira ese aire deja vú.
A pesar de todo, el film es un espectáculo visual de primera, secundado por la magnifica dirección artística y la excelente música de Harry Gregson-Williams. Sobre la música he de decir, que a pesar de lo compuesto por Williams, Scott utiliza fragmentos de otros films, como por ejemplo de “The Crow” cuando Balian lucha contra los caballeros enviados a matarle, o la “Opera” que se escuchaba en “Hannibal” cuando Balduino muere, consiguiendo un momento memorable lleno de lirismo.
El guión del film corre a cargo de William Monahan (el de “Infiltrados”), que podría haberse rebanado un poquito más los sesos a la hora de crear al protagonista. El contarnos la historia de Balian a la par que la situación en Jerusalén debería haber estado mejor cosido. Los personajes quedan desdibujados, empezando por el protagonista. Los mejor tratados son Saladino, Balduino y Sybilla. A los caballeros templarios los muestra como asesinos ansioso de sangre. Los secundarios como Godofredo o Tiberias, dos de los mejores personajes del film, desaparecen a la primera. Esto provoca que uno salga de la película habiendo dado un paseo reconociendo rostros conocidos pero sin haberse detenido en ninguno.
El rodaje tuvo lugar en mayor parte en Marruecos y España, rodando en el castillo de Loarre, consiguiendo un gran realismo.

Orlando Bloom se repite como el héroe, Balian tiene un poco de Will Turner, algo de Paris y esbozos de Legolas. Este chico se ha encasillado ya como nuestro Errol Flyn, da muy bien en cámara y es ideal para estos personajes heroicos. Eva Green mejor muchísimo en esta nueva versión del director, su Sybilla llena la pantalla en todo momento y es uno de los personajes más ricos y complejos de la trama. Ghassam Massoud es Saladino, posiblemente el mejor personaje del film junto con Balduino, interpretado tras una máscara por Edward Norton. Entre los secundarios nos encontramos rostros conocidos como Brendan Gleeson como fanático caballero; Liam Neeson de nuevo en el papel de maestro, y padre de Balian; Jeremy Irons como Tiberias, fiel consejero del Rey Balduino que ve cómo la cristiandad se está perdiendo en Jerusalén por el poder; David Thewlis es Hospitaler, caballero cristiano y monje.

A pesar de que Ridley Scott no volverá a ser el de antaño con este film ha conseguido una aceptable película sobre las cruzadas, con una gran riqueza visual.
5,5/10

Rocky Balboa, de Sylvester Stallone

2007-01-06T15:51:00.000+01:00

Rocky vive en su pequeño barrio situado en Philadelphia, donde ha abierto un restaurante italiano. El mundo del boxeo está algo decepcionado con el actual campeón mundial, Mason “la línea” Dixon, y un programa de tv simula un combate entre Balboa y Dixon, ganando Rocky. Tras eso, la gente empezará a murmurar y ha hablar de dicho programa, consiguiendo que Rocky acepte un combate contra Dixon.

Sexta entrega, y definitiva, de la Saga pugilística por antonomasia. Tras unas decepcionantes 4ª y 5ª parte, Stallone vuelve a la carga devolviéndonos al personaje que le hizo famoso (junto con Rambo), consiguiendo un final digno, a la altura de la original y su respetable secuela.
Recordemos que la película “Rocky” fue un gran éxito que ganó los Oscars correspondientes a Película o Director, y nominando a Stallone para Actor y Guionista. Y es que en los años 70, más bien a finales, Hollywood dió un cambio de rumbo. Para mal.
En una década en que el cine americano realizó soberbias Obras Maestras, en que su cine miraba para Europa, y en que parecía que la nueva sabia formada por los Coppola, Cimino, Scorsese, Schrader, o Friedkin iba a consolidarse, en el año 78, año en que “Taxi Driver” estaba nominada para los Oscars más importantes, apareció el Potro Italiano y dio un derechazo a los “authors”, noqueando a todo lo que se había conseguido antes. No es por desprestigiar “Rocky”, que me gusta bastante, sino por remarcar que en un año en que debía haber ganado la Joya de Scorsese, ganó la historia de superación personal de esta buena persona a quien no hay quien le tumbe. “Rocky” fue la llegada de buenos tiempos para la industria, que vio en la historia de Stallone el tipo de cine que debía hacer para animar al público en una Era Post-Vietnam.
“Rocky” era una historia de superación personal, en que se decía textualmente que América es una tierra de oportunidades para cualquier persona que llegara. La persona que vivió ese sueño en el film fue el italiano residente en Philadelphia que trabajaba para la mafia, quien se convirtió en un símbolo para el país, el símbolo de la humildad, la honradez, de la esperanza. De hecho en Philadelphia hay una estatua en su honor. Se daba paso así a exportar de nuevo el American Way of Life de nuestra época.

Bueno, tras esta pequeña apreciación personal, hablemos del film en cuestión que nos ocupa. Rocky, como he citado antes, fue el gran éxito para Stallone realizando cuatro secuelas más, una digna, otra aceptable y dos mediocres. Tras varios años sin alcanzar un éxito, Stallone ha decidido hacer como su personaje y sacar del desván los guantes para colocárselos una vez más.
Está última película de la Saga hay que verla mirando atrás, concretamente a la primera película. Rocky sigue viviendo en su viejo barrio de Philadelphia, viste la misma ropa con el mismo sombrero, y sigue saliendo de cervezas con su amigo Paulie. Pero hay algo que le falta, su amor Adrian. El antiguo boxeador se siente vacío tras la muerte de su esposa y no encuentra apoyo en la persona que más quiere tras ella, su hijo. Regentando un restaurante italiano que ha abierto, en donde los clientes se hacen fotos con él y le piden que cuente anécdotas, Rocky echará la vista para atrás y pensará que aún le queda una cosa que hacer. Un último combate que luchar.
Como he comentado, esta película bebe mucho de la primera Rocky. Aquí también mantendrá una relación de amistad con Marie, a quien de pequeña le decía que fumar era malo (¿se acuerdan?), y con el hijo de está, Steps. Con ellos protagonizan secuencias muy similares como las que vivió con Adrian en la primera, cómo el paseo con el perro.
Rocky sigue siendo la personificación de la bondad y el sacrificio, ayudando a todos su amigos en lo que puede, e intentando abrir los ojos a jóvenes con sus monólogos sobre el sentido de la vida. Y es por eso por lo que el Potro es tan querido, es una persona muy humana que no quiere nada malo para nadie, aunque luego en el ring sea un verdadero animal que lucha hasta el final.
Por supuesto aquí no puede faltar la pelea de turno en que se enfrentan Balboa contra Dixon, personaje que no tiene el carisma de Creed o Drago, por poner dos ejemplos de oponentes. Aqui, más que combatir contra Dixon, Balboa lucha contra sí mismo y con sus demonios interiores. Otra mirada atrás, los acordes de la música de Conti entran en acción cuando vemos a Rocky entrenarse sin piedad, consiguiendo que a los nostálgicos se nos pongan los pelos de punta, hasta llegar al esperado combate.
Es una película que tira mucho de la nostalgia, no lo neguemos. Los que han crecido con este personaje no es raro que se emocionen en algún que otro momento (el recuerdo de Adrian). Es una mirada melancólica a tiempos pasados, cosa que hay que tener en cuenta al visionar el film.

Stallone dirige, escribe y protagoniza el film. He de decir que he quedado muy sorprendido, ya que está rodado de manera clásica, sin romper el espíritu del personaje. Las calles de barrio y la secuencias de entrenamiento se muestran igual que en el primer film por ejemplo. Si he de citar el combate final, que no me ha gustado en extremo, y eso es grave, pues Stallone estaba consiguiendo un intrépido tour de force in crescendo que abandona en pleno combate. Rodado con cámaras de televisión, dándonos la sensación de estar viéndolo en directo, la pelea no alcanza ningún punto álgido como en la clásica contra Apolo Creed. La música de Bill Conti ayuda bastante, es cierto, pero la conclusión del combate deja sensación de querer más, como de haber esperado algo mucho tiempo y que nos lo han servido a medias.

Sylvester Stallone es Rocky, y creo que no hace falta decir que lo interpreta, pues es el mejor papel de su carrera, y lo seguirá siendo. Si que es cierto, que aquí Stallone consigue superar, interpretativamente hablando, las personificaciones del personaje en las 3 secuelas que preceden a esta. Burt Young sigue siendo Paulie, el amigo y cuñado de Rocky, que ve la vida de diferente manera que Rocco, él no quiere mirar atrás, pues lo que ve es solo dolor. Geraldine Hughes es Marie, la mujer con quien Rocky emprenderá una buena amistad y a quien le dará trabajo. Completan el reparto Milo Ventimiglia como el hijo de Rocky y Antonio Tarver como Mason Dixon. Aunque no aparezca en el film, menciono a Talia Shire como Adrian, pues su espíritu inunda todo el film, y he de citar que sin ella en mente el plano final no serviría de nada.

Digno adiós al personaje y una buena película para los nostálgicos amantes de las películas de Rocky.
6/10

Banderas de Nuestros Padres, de Clint Eastwood

2007-01-03T20:03:00.000+01:00

1945. La Guerra en el Pacífico entre Estados Unidos y Japón llega a su punto más álgido en la lucha por tomar el control de la pequeña isla de Iwo Jima. Una foto en la que se ven seis soldados alzando una bandera en la isla servirá para alzar los ánimos de la nación y para que puedan contribuir económicamente con el ejercito americano.

Primera película sobre el conflicto de Iwo Jima dirigida por Clint Eastwood. Esta primera película está presentada desde las perspectiva americana. Pero no nos engañemos, no es una película con los americanos a punto de combatir y cargándose a los japos. Es la historia del grupo de soldados que aparece en la foto alzando la bandera y que serán convertidos en héroes para toda la nación americana. Que nadie espere, pues, una nueva aventura bélica del estilo de “Salvar al Soldado Ryan”, porque esto no lo es, a pesar de tener grandes secuencias bélicas como ya comentaré.

¿Qué es un héroe? Un héroe es un símbolo, algo que nos inspira esperanza y en quien confiamos. Los jóvenes soldados que alzan la bandera en Iwo Jima y que protagonizan la foto del momento piensan que no son más héroes que cualquier otro soldado, lo único que hicieron fue levantar una bandera. Y encima, la segunda bandera, pues ya habían levantado otra antes. Pero claro, cómo la foto tomada fue del segundo alzamiento, pues hacemos cómo que el primero no existió. Eso es lo que utiliza el Gobierno Estadounidense, ve la oportunidad perfecta para inspirar a la nación y hacerles ver que están ganando la Guerra, y que con su ayuda económica lo conseguirán. Convierten la foto en un símbolo, y a los soldados en héroes, colgando carteles, haciendo estatuas, todo para que el pueblo compre bonos del ejercito y así subvencione el conflicto. Con esto se intenta demostrar que la Guerra, todas las Guerras, no son más que negocios en donde muere gente para que otros enriquezcan sus bolsillos.

De los seis soldados que aparecen en la foto, tan sólo quedan vivos tres, los cuales serán devueltos a casa, o más bien a su país, ya que bajo el mando del Gobierno harán una gira por todo el país convenciendo a la gente de que deben comprar bonos para ayudar a los soldados que luchan. Estos tres soldados ven de manera distinta su actitud respecto a tal acto. Rene Gagnon es un mensajero que está contento de participar en convenciones y de salir en portadas de prensa, adora la fama. John “Doc” Bradley es un enfermero que vuelve a casa con los viejos fantasmas de la guerra tras él. Ira Hayes es un indio que tiene serios problemas con el alcohol y que piensa que lo que están haciendo es un circo, deshonrando la memoria de sus compañeros caídos.

Mientras dure el conflicto, los tres serán reconocidos por la calle, obtendrán todo tipo de ofertas de trabajo, y serán admirados. Pero cuando acabe la Guerra verán la realidad. No son más que soldados, hombres que combatieron, que al regresar vivieron el sueño de inspirar a una nación convirtiéndose en héroes. Y todo por una foto en donde no se le ven las caras.
Con esto se desmitifica la imagen de héroe que tenemos. Hoy día alguien puede ser muy admirado por algo importante que ha hecho, vive su momento cumbre, la gente lo adora, pero el día de mañana se olvida, su misión acabó. En Iwo Jima murieron muchos soldados, tanto japoneses como americanos, y todos ellos fueron héroes, fueron soldados, desgraciadamente no todos ellos salieron en la foto.

Decir que Eastwood dirige bien es cómo decir que amanece por las mañanas. Es el último clásico vivo, y con este film sigue demostrando su buen hacer tras la cámara. Con estilo clásico, sin abusar de los movimientos bruscos de cámara, centrándose en los actores, y con gran uso del espacio en donde se sitúa la acción. Eso en lo que a secuencias dramáticas se refiere. Ahora bien, a pesar de no considerar el film como bélico si hemos de comentar las partes bélicas de la cinta. Eastwood parece haberse visto todos los films recientes sobre guerra, ya que se ve un poquito de muchas cosas. Empezando por “Troy” (si si, la de Petersen con Brad Pitt) en que los barcos se ven en un gran plano general que se va alejando hasta dejarnos ver la flota, aquí Eastwood lo rueda igual pero al revés, de un gran plano general hasta uno de los barcos en que están los protagonistas. De ahí pasamos al desembarco y posterior batalla en la isla, los cuales parecen que quieren ser sin serlo “Salvar al Soldado Ryan”. El desembarco no tiene nada que ver, aquí los soldados no desembarcan y comienza la masacre, pero una vez empezada la batalla uno puede ver ciertas similitudes con la película de Spielberg. Por ejemplo la cámara al hombro en plan subjetiva, que casi siempre va rodando el suelo y queda incomodo. Las secuencias no tienen la crudeza de “Ryan” ni el hiper realismo, pero si poseen también esa fotografía apagada casi de B&N.
Hay otro momento, en que el periódico con la foto en portada, llega a la granja de una familia, y la madre entra con él entre manos, mostrándonos en la ventana la estrella de tener un hijo en guerra, algo muy parecido a la secuencia de “Ryan” en que a la madre le informan de la muerte de sus hijos, pero sin tener tal maestría. Dicha secuencia tiene cierto aroma a John Ford, a quien Eastwood también homenajea aqui en determinados momentos (la despedida en el tren).
Por suerte Eastwood sigue demostrando lo grande que es, no centrándose en la batalla de americanos contra japoneses, sino en momentos puntuales, cómo cuando Adam Beach entra en el agujero japonés y ve los que se han hecho los japoneses a sí mismos, o cuando Ryan Phillippe entra en una habitación a oscuras, y observa algo aterrador, que por supuesto nosotros no vemos pero que intuimos, con un magnifico juego de contraluz.
Eastwood también nos muestra el absurdo de la Guerra y de la campaña propagandística que emprenden los tres soldados. En primer lugar en el momento en que se cuelga la primera bandera sobre el monte, de manera ritual, con la música de fondo, hasta que la alzan y los soldados aplauden. Muy bien, pero resulta que deciden quitar la bandera colocada para colgar otra en su lugar, así que suben los que salen en la foto, quitan la bandera colgada y ponen otra en su lugar, que es igual, y que nos lo presenta en pantalla igual, con la misma música y con idéntica planificación. Con esto subraya Eastwood lo absurdo de la contienda.
Otro momento memorable es cuando los tres soldados están subiendo una montaña con la bandera, y al subir nos encontramos que estamos en un gran campo de fútbol en que se les está homenajeando. De nuevo aquí se remarca el circo que montan alrededor de los jovenes y la fotografía.

A pesar de que la dirección de Eastwood es muy notoria y clásica, la película tiene un punto negro que es el montaje. Se supone que el film es un flashback en el que recuerdan la campaña propagandística alrededor de la foto, pero dentro de ese flashback mete otro flashback en que los protagonistas recuerdan la batalla. Creo que el error de esto está en no saber muy bien por donde encauzar la historia. Se supone que un joven al que no se le ve la cara, pues casi siempre esta entre sombras, está recopilando información sobre lo que pasó en Iwo Jima. Bien, podrían haber optado pues por haber narrado los hecho cronológicamente ordenados, y utilizar dicho personaje como representación de los espectadores, como ya hiciera Orson Welles en su magnifica “Citizen Kane” (de hecho Eastwood lo presenta igual, entre sombras, sin saber quien es). Desgraciadamente, el director comienza a hacer un puzzle de piezas dentro de piezas, y repitiendo secuencias consiguiendo el efecto Deja Vu. Además de esto el problema del film es que parece que nunca termine debido a un innecesario epilogo en que se nos muestra quien es esa figura entre sombras (gran error), y en que introducen momentos sentimentales innecesarios y metidos con calzador. Con mencionar que el film dura dos horas pero que al salir de la sala parecía que llevaba casi tres está todo dicho.

El guión del film corre a cargo de Paul Haggis, quien ya colabora con Eastwood en “Million Dollar Baby”. Aquí el guionista parece no estar tan suelto como en la historia de Maggie, y quiere introducir varios chistes para remarcar más el verdadero sentido de la campaña propagandística por parte de los políticos. Además de que debería haberse centrado más en los protagonistas, ya que en ningún momento nos sentimos identificados con ellos, lo que es un error.
La música del film está compuesta por Lennie Niehaus y Clint Eastwood, que vuelve a demostrar su sencillez en el tema principal que rodea todo el film.

El reparto está formado por un elenco de actores jóvenes, de los cuales varios curiosamente han trabajado ya en otras producciones bélicas. Barry Pepper era el francotirador de “Salvar al Soldado Ryan” y aquí es ascendido a Teniente; Adam Beach fue el indio navajo de “Windtalkers” y aquí sigue fiel a sus raíces dando vida a Ira Hayes, posiblemente el personaje más complejo de la trama, pero al que no se le sabe sacar buen partido; Ryan Phillippe es “Doc”, el enfermero que quiere llegar a ser propietario de una funeraria; Jesse Bradford es Rene, el que ve en la foto su oportunidad de ser famoso; Jamie Bell es Iggy, el más joven del grupo, del que todos se ríen, pero por el que sienten simpatía; Robert Patrick es el Coronel Johnson; Paul Walker es Hank Hansen, otro del pelotón.

El film está producido por Steven Spielberg, quien dejo libertad creativa a Eastwood en todo momento (cosa que dudo en determinados momentos). Esta película está por debajo de los dos trabajos anteriores del director.

Buen film que desmitifica la figura de héroe y que vuelve a mostrarnos una vez más lo absurdo de la Guerra. A esperas de “Letters from Iwo Jima”, esta primera película sobre el enfrentamiento me ha parecido estimable, pero no perfecta, y mucho menos viniendo de quien viene.
6,5/10

Asesinos Natos, de Oliver Stone

2007-01-02T19:43:00.000+01:00

Micky y Mallory son una pareja de asesinos que recorren la autopista 666 matando a diestro y siniestro. Con unos pasados que les marcaron, los dos se convertirán, gracias a los medios de comunicación, en estrellas, protagonizando un programa en directo que recreará una de sus fiestas sanguinarias en la cárcel en que se encuentran.

Polémica y bestial película de Oliver Stone que causó todo un revuelo en su estreno, allá por el año 1994. Y es que el film irradia violencia (en su mayoría gratuita) sin freno de principio a fin. Desde la primera secuencia, en el bar de carretera, en que la pareja de amantes, y asesinos, masacra a toda la gente del lugar hasta el sanguinario motín final en la cárcel.

La película trata de ser un reflejo, y crítica, de lo mal que está el sistema en Estados Unidos, representado por estas dos personas, víctimas de abusos en su infancia. Mallory es violada por su padre casi a diario, y Micky no tiene un buen recuerdo de su padre. Los dos ven en la violencia la manera de erradicar el mal y de ajusticiar a aquellos culpables que se lo merecen, que, según Micky, son todas las personas.
Ambos personajes adquieren un comportamiento anárquico contra la sociedad, a la que deciden juzgar a base de disparos.
Son los Bonnie and Clyde del mundo de los serial killers. Se aman con locura y organizan verdaderas orgías de disparos y sangre.
Los medios de comunicación están muy presentes en la trama, representados con una mirada crítica. Lo que vende es el morbo, la violencia. Micky y Mallory son la personificación de esas palabras y por tanto las estrellas nº1 de la televisión, con toda una legión de fans a sus espaldas.

Dejando a parte el argumento del film y lo que intenta explicarnos, hay que reconocer que es una experiencia visual demoledora.
Stone rueda de manera frenética, mezclando todo tipo de recursos y atmósferas, desde Blanco y Negro, hasta estética videoclip y Dibujos Animados, e introduciendo imágenes subliminales durante todo el metraje. La cámara apenas está estable, casi todos los planos están inestables, al igual que los protagonistas.
También utiliza varios recursos televisivos. En el flashback que explica cómo se conocieron Micky y Mallory, nos lo presenta como un programa de humor, en que se escuchan las risas del público. Mientras que cuando los medios los graban, la imagen aparece como un documental o informativo.
Según dicen algunas lenguas, Stone rodó la gran mayoría del film bajo los efectos de las drogas, cosa que no me extrañaría en más de una ocasión, cómo pueden ser los momentos psicodélicos en el desierto con los protagonistas mirando las estrellas, o en la cabaña del indio. En estos tramos uno recuerda el anterior film del director, “The Doors”, y ve semejanzas entre estas secuencias mencionadas y cuando Jim Morrison hace su viaje por el desierto (serpiente de cascabel incluida) en la biografía del grupo musical.
El guión del film está firmado por Stone, David Veloz y Richard Rutowski. Sin embargo la idea original del film es de Quentin Tarantino que renegó del resultado final del film, pues Stone, según sus palabras, no supo reflejar bien lo que él tenía en mente. A pesar de que el resultado final no fue el deseado por Tarantino, si se pueden reconocer ciertos rasgos comunes del director. La acción comienza en un bar de carretera como “Pulp Fiction” o “Abierto hasta el amanecer”; el personaje de Micky siente locura por las piernas de Mallory, parte característica de las féminas por las que siente fetichismo Quentin. La Banda Sonora del film es una maravilla, una selección de canciones de distintas épocas, cosa habitual también en el cine Tarantiniano. Y, por supuesto, la violencia que desprende el film. El berenjenal de tiros y vísceras que salpican la pantalla, muy habitual en el cine del director. A pesar de ello, negó su participación en el film, pues él tenía pensado algo más salvaje y serio (¡¡¡!!!).

Micky y Mallory tienen los rostros de Woody Harrelson y Juliette Lewis, quienes después tuvieron una carrera más bien dislocada. A pesar de bordar sus personajes de manera magistral, ambos tuvieron que cargar con la sombra de los asesinos. Harrelson tardó en encontrar buenos papeles que le quitarán la etiqueta de chico malo, y Lewis ya estaba flirteando con las drogas y dando una imagen de chica mala que se salta las normas.
Les acompañan Robert Downey Jr. como el presentador del programa que les convierte en estrellas, Wayne Gaile, y que renacerá gracias a Micky. Tommy Lee Jones como el alcaide Dwight, algo histriónico, que tendrá un final algo desagradable. Tom Sizemore como el agente Scagnetti, obsesionado con el cuello de las mujeres.
Es curioso comprobar, viendo el reparto, que tanto Lewis como Downey y Sizemore (que repetiría con ella en “Días Extraños) fueran coleguillas y tuvieran altercados con la policía por problemas con drogas tras esta película.

Película en donde la abundante violencia suele ser gratuita, pero que no deja de ser un espectáculo visual.
6/10

¡¡¡ Hola 2007 !!!

2007-01-01T12:42:00.000+01:00

¡¡¡¡¡ Feliz año nuevo !!!!!
Espero que este nuevo año os traiga muchas ilusiones y sorpresas.
Al igual que ayer dije adiós al 2006, hoy le doy la bienvenida al 2007.

Para comenzar este nuevo año voy a romper una regla. Voy a hablar de mí. Para lo cual echaré la vista atrás, solo un poco.
Me considero un joven al que su mayor hobbie, su mayor pasión, es el cine. Desde niño me ha gustado el cine. El misterio que nos espera en una sala en donde, cuando se apagan las luces, esperamos ser sorprendidos por una historia.
Soy algo tímido y, por lo tanto, muy introvertido. A veces doy una imagen de mi equivocada. Y es que, si hay algo que me preocupa, y me asusta, es el qué dirán sobre mí. Siempre he querido caer bien a la gente, comportándome en ocasiones cómo alguien que no soy.
Respecto al año 2006 ha habido de todo. Creo que he actuado de manera egoísta en más de una ocasión. No sé decir no, por el mismo motivo de no caer mal a la gente y que no piensen que no pueden contar conmigo, pero he aprendido que no siempre se puede decir sí y que, a veces, hay que rechazar cosas por muy duro que te sea.
Los amigos los he tenido algo abandonados, en particular debería haber estado más cerca de algunos de ellos cuando me han necesitado. Este año presente que acaba de comenzar intentaré no desvincularme tanto.
Sin embargo, el año 2006, tuvo una cosa muy positiva para mi y que me ha marcado. Desde principios de año oía hablar de una ciudad por boca de una buena amiga. Su pasión a la hora de hablar de dicho lugar me hizo tomar la decisión de ir a visitarla. Pero no solo porque ella me la ponía tan bien, sino porque allí conocería, por fin, a un buen amigo con el que llevaba tiempo hablando por Internet (y que es, en parte, culpable de que escriba este blog). Ciertamente la ciudad me encantó y el viaje mereció la pena. Claro que el viaje no acabó al volver a casa, ya que los últimos días del año he leído una novela que transcurre en dicha ciudad y me ha vuelto a transportar a ella, a mediados del S. XX. Durante tres tardes de Diciembre dicho libro ha sido mi mejor amigo, durante su lectura no podía dejar de pensar en él (ni siquiera aún puedo). Juntos hemos llenado el silencio de mi habitación. Gracias a él he paseado por el cementerio de los libros olvidados, he admirado a Julián Carax, he querido ser Laín Coubert, me he convertido en el mejor amigo de Fermín y me he enamorado de Beatriz. Al pasar la última hoja del libro y cerrarlo definitivamente, la madrugada del día 29 de Diciembre, entre lagrimas, sentí cómo si me despidiera de un buen amigo, al que me gustará visitar de nuevo dentro de un tiempo.
El presente 2007 lo veo difuminado, por primera vez en mi vida no sé lo que me deparará este año, y eso me asusta. Siempre he sabido más o menos que iba a hacer, tenía los primeros meses del año planificados, pero en esta ocasión el futuro no es más que un espejismo, algo que no alcanzó a ver.

Y ahora, olvidándonos de este que os escribe, hablemos de cine, que es de lo que va este blog, que, mejor o peor, siempre se hace con ilusión.
Seguiré comentando todo tipo de películas, desde estrenos hasta revisiones de películas clásicas o de hace algunos años. Abriré una nueva sección mensual. En Febrero, coincidiendo con la entrega de los Oscars, realizaré un especial.
Y es que este año 2007 se presenta movidito. Ya en Enero llegan a nuestras pantallas films cuyo estreno se ha retrasado en más de una ocasión como “Maria Antonieta”, “The Prestige”, o “Flags of our Fathers”. Además llegaran “Apocalypto” y “Rocky Balboa”. En lo siguientes meses podremos encontrarnos con “The Good Shepherd”, segunda película de Robert DeNiro como director, “Blood Diamond”, "Number 23", “The Fountain”, "Smokin´Aces", “Dreamgirls”, "Hannibal Rising" precuela de la precuela de "Silence of the Lambs", "Breaking and entering" lo nuevo de Minghela con Jude Law, “300” basado en la novela gráfica de Frank Miller, lo nuevo de Pixar "Ratatuille", “Zodiac” lo nuevo de Fincher, “Half Nelson” o “Little Children”.

Eastwood nos regalará la Saga de Iwo Jima, que componen la anteriormente citada “Flags of our fathers” y “Letters from Iwo Jima”.

Los meses veraniegos se presentan, como siempre, cargados de estrenos potentes. Llegaran las terceras partes de “Pirates of the Caribbean”, “Shreck”, "Ocean´s 13” y “Spider-Man”, la segunda parte de “Los 4 Fantásticos”, la cuarta parte de “Jungla de Cristal” con Bruce Willis calvo. Harry Potter volverá para su quinta aventura cinematográfica en “The Order of Phoenix”. La megaproducción de Spielberg, “Transfomers” dirigida por Michael “Estonosehavistoantes” Bay.

En resumen, un año de cine nos espera.

Feliz 2007.

Saludos.

¡¡¡¡ Adiós 2006 !!!!

2006-12-31T13:19:00.000+01:00

Se acaba el año y voy a hacer un pequeño repaso a lo que ha dado este 2006 (de camino me sirve para colgar algunos de los mejores carteles del año). Aviso que no están todas las que son, pero si son todas las que están.

Calidad

El año comenzó con las películas con visión para los Oscars. De estas las más reivindicativas fueron la triunfadora, y sobrevalorada,“Crash”, la sentimental y hermosa “Brokeback Mountain”, el notable film periodístico de Clooney “Good Night and Good Luck”, y la sensacional película de Steve Spielberg sobre la violencia, “Munich”.

Sin embargo, hubo otros film que pasaron desapercibidos por la cartelera y que son ejemplos de buen cine. El caso de “Jarhead”, película bélica de Sam Mendes, “The Squid and the Whale” o “Heights”, son muestras de ello.
El cine policíaco ha vuelto de forma renovada. Spike Lee nos deleitó con un thriller inteligente lleno de rostros conocidos, “Inside Man”. Mientras, Scorsese consiguió encandilar a crítica y público con su “The Departed” (aunque yo sigo prefiriendo “Infernal Affairs”).
De México llegaron tres directores que pusieron el nivel cinematográfico muy alto, regalándonos tres films memorables. Guillermo del Toro, Alejandro González Iñárritu y Alfonso Cuarón. Cada uno de ellos realizó una película en que la época y el lugar eran muy importantes, dotando a la historia del habitual estilo característico de cada uno de ellos. Así pues, Del Toro viajó hasta la Posguerra civil española para contarnos un cuento oscuro en “El Laberinto del Fauno”; Iñárritu utilizaba Marruecos, Japón y México para dar un discurso moral sobre la dificultad de comunicación entre las personas, con su habitual montaje alterno característico, cerrando así su trilogía del dolor. El título del film, “Babel”. Cuarón nos mostraba un Londres futurista postapocalíptico donde las mujeres no pueden tener hijos en su magnifica película, que el tiempo se encargará de poner en su sitio, “Children of Men”.

Los Biopics han estado presentes durante todo el año. “Capote” con el oscarizado Philip Seymour Hoffman; “Beyond the Sea” con Kevin Spacey; “Copying Beethoven” con Ed Harris; y “The Queen” con Helen Mirren como seria candidata a llevarse la estatuilla.

El 11S ha sido representado por dos film muy diferentes. “United 93” de Paul Greengrass nos narraba los hecho que ocurrieron en el avión que no alcanzó su destino, mientras “World Trade Center” de Oliver Stone se centra en los policías que quedaron atrapados bajo las ruinas de los edificios.

Blockbusters

Como casi todos los años, el mes de Mayo es sinónimo de comienzo de etapa veraniega, y de cine palomitero. En Abril llegó a nuestras pantallas la notable “V de Vendetta”, que marcó el inicio de las grandes superproducciones. La siguieron “M:I-III”, tercera parte de las aventuras del agente Hunt, por la que Tom Cruise fue expulsado de la Paramount (no solo porque la película no consiguió recaudar los esperado en Usa, sino por las ridículas intervenciones del actor en programas de TV).
“DaVinci Code” fue maltratada en Cannes y posteriormente por toda la crítica, pero eso no fue inconveniente para que consiguiera arrasar en todo el mundo.
Pero si había un éxito garantizado, ese era el regreso de Jack Sparrow a la gran pantalla. “Pirates of the Caribbean: Dead Man´s Chest” consiguió recaudar en todo el mundo más de 1000 millones de $.
Inesperado fue el éxito de “Borat”, personaje creado por Sacha Baron Cohen que ha conseguido convertirse en un fenómeno social (para bien o para mal).

El cine de animación sigue estando en forma, y este año ha habido muchos ejemplos para demostrarlo. “Ice Age 2”, “Cars”, “Monster House”, “Ratónpolis”, “Ant Bully”, “Open Season”, o “La increible historia de Caperucita Roja” dan prueba de ello.
Las secuelas también siguen estando presentes. No solo Ethan Hunt ni Jack Sparrow regresaban a las pantallas. Sino también Lobezno y compañía en “X-Men: The Last Stand”, dirigida por Brett Rattner, en sustitución de Bryan Singer, que se encargó de recuperar para la pantalla grande un personaje tan querido como es Superman en la película “Superman Returns”, con Brandon Routh sustituyendo al desaparecido Christopher Reeve. James Bond también volvió con el rostro de Daniel Craig, quien calló a aquellos que lo criticaron cuando se dio a conocer su presencia como nuevo agente 007, consiguiendo realizar un film de acción notable, y una de las mejores películas de la Saga Bond, “Casino Royale”.

Fracasos

Hubo actores que intentaron, pero no consiguieron, volver a saborear el éxito de antaño, y realizaron películas fallidas. Tal es el caso de Sharon Stone en “Basic Instinct 2”, Harrison Ford con “Firewall”, Kevin Costner en “The Guardian”, y Russel Crowe, bajo las ordenes de Ridley Scott, se dieron el batacazo del año (a pesar de prometer otra cosa con el título) con “A Good Year”.

Directores que no lograron triunfar, quedando por debajo de las expectativas. M. Night Shyamalan contó el cuento de “Lady in the Water”, pero al parecer la gente no lo entendió muy bien, y mucho menos su interpretación en el film. Michael Mann llevaba al cine la televisiva serie “Miami Vice”, consiguiendo un producto visual elegante pero sin alma propia. Brian DePalma se fue a los años 30 para intentar esclarecer el crimen de “The Black Dahlia”, pero su intento quedó a medias, al igual que el plano-secuencia del film.
Las superproducciones también se estrellaron, o mejor dicho se hundieron. Wolfgand Petersen no pudo impedir el naufragio de “Poseidon”, realizando un truño de proporciones épicas. Nada tiene que envidiarle la última superproducción fantástica, “Eragon” (secuela oculta de “Dragones y Mazmorras”) que se ha desplomado en la taquilla.

España

El cine español se ha mantenido a flote. A principios de año llegaba “Volver”, notable film de Almodóvar con un elenco de actrices en estado de gracia. También ha habido películas interesantes y de calidad cómo “Azuloscurocasinegro”, ópera prima de Daniel Sánchez Arévalo, “Ficción” de Cesc Gay, o “Un Franco, catorce pesetas” de Carlos Iglesias. El cine español se ha metido también ha hacer superproducciones que convencieron en mayor o menor medida, pero que en taquilla consiguieron dar sus frutos. Tal es el caso de “Alatriste” de Agustín Díaz Yanes , “Los Borgía” de Antonio Hernandez, y la anteriormente citada “El Laberinto del Fauno” de Guillermo del Toro. España tuvo participación también en la adaptación de “El Perfume”.
Bigas Luna nos presento su nueva creación femenina en “Yo soy la Juani” descubriéndonos a una fantástica Verónica Echegui. Antonio Banderas dirigió su segundo film con el que no ha convencido a casi nadie, “El Camino de los Ingleses”.

Esto es el pequeño resumen del año cinematográfico que hemos vivido en nuestro país, y que dejamos atrás.
Adiós 2006.

Babel, de Alejandro González Iñárritu

2006-12-30T14:11:00.000+01:00

Un matrimonio americano está pasando unas vacaciones en Marruecos. En el viaje en autobús la mujer será alcanzada por una bala disparada por unos chicos que jugaban con el rifle nuevo que ha comprado su padre. Mientras tanto, la criada de los niños del matrimonio se dirige a la boda de su hijo en México, teniendo problemas en la frontera al regresar. En Japón, una chica sordomuda se revelará contra el mundo que la rodea.

Tercera película del director Alejandro González Iñárritu en colaboración con el guionista Guillermo Arriaga, con la que completan su trilogía del dolor formada por “Amores Perros”, “21 Gramos” y esta “Babel”.
Al igual que en las anteriores películas, aquí vuelven a realizar un film coral en que un trágico suceso salpica a todos los personajes en mayor o menor medida, con la diferencia de que si en la primera película la acción se situaba en México y la segunda en USA, en esta ocasión la historia se desarrolla en distintos puntos del mundo: Marruecos, México y Japón.

El hecho de que la acción se sitúe en distintos puntos del mundo sirve a Iñárritu y Arriaga la posibilidad de hablar de las diferentes culturas que hay en el mundo y de la dificultad de comunicación que existe hoy día entre personas.
El matrimonio americano formado por Richard y Susan están pasando unas vacaciones en Marruecos para estar solos y hablar, consiguiendo acercarse el uno al otro. Sin embargo un problema pasado entre ellos les impide hablar abiertamente a no ser que sea mediante discusiones.
Los jóvenes marroquíes que hieren a Susan son hermanos. Cuando vuelvan a casa no dirán nada de lo ocurrido a sus padres, convirtiendo el hecho en un acto terrorista para el gobierno americano.
La criada de los hijos del matrimonio americano va a México a presenciar la boda de su hijo, llevándose con ella a los niños. A su regreso a USA, en la frontera, la mujer será sospechosa de entrar ilegalmente en el país.
En Japón, la joven Chieko tiene problemas para adaptarse entre los jóvenes. Es sordomuda y observa cómo es discriminada por los chicos. Su mayor apoyo es su padre, de quien se distancia poco a poco.
Como se puede ver da igual de qué nacionalidad sea uno, la comunicación se está perdiendo, o al menos eso es lo que quiere expresarnos esta película. Ya de entrada, el título “Babel” nos avecina lo que vamos a ver, recordándonos la historia de la Torre de Babel mediante la cual Dios castigó a los hombres a hablar diferentes lenguas y a tener distintas culturas. Curiosamente, a pesar de que aquí haya problemas de dialogo entre las sociedades de USA con Marruecos, la verdadera dificultad de expresión se encuentra en los personajes cercanos. Un matrimonio que no habla si no es para discutir; policías que no escuchan a los sospechosos ni a viajantes que quieren cruzar la frontera; un padre que presta poca atención a su hija.
Quizás el film peque un poco de acumular desgracias una tras otra, y de abusar del efecto dominó que causa la herida de Susan reflejándonos a los seres humanos más volcados en la acción que en el diálogo (aunque desgraciadamente sea así en muchos casos), aunque sin llegar a los límites de “Crash”, en que todos somos racistas.

El desarrollo y montaje es muy similar a las dos obras predecesoras del director. Cada una de las historias se puede ver independiente, cohesionándose al final.
De todas las historias, sin embargo, la que veo que menos se sostiene y que está algo metida con calzador es la de la niñera con los dos niños. Si bien sirve para denunciar el comportamiento en las fronteras de México y USA, no tiene relación con las otras tres historias que se cuentan, salvo porque se trata de los hijos del matrimonio y su niñera, y su conclusión parece demasiado forzada. La japonesa puede resultar igual al principio, pero al final comprobamos cómo, todo lo contrario, tiene muchísimo que ver con lo que ha ocurrido en Marruecos.

Iñárritu cuida la puesta de escena al detalle, desprendiendo fuerza y poesía visual a raudales, consiguiendo que durante las dos horas largas que dura el film el ritmo no decaiga en ningún momento, cohesionando una historia con otra. Cada historia posee su atmósfera particular. Si tuviera que quedarme con alguna, diría indudablemente la Japonesa, y la visión que nos ofrece a través de los ojos de la protagonista. Memorable, y doloroso, el momento en la discoteca en que no puede escuchar la música y observa como su amiga se está besando con el chico que le gusta, o la alegría que expresa mientras se pasea en el balancín.
También irradian belleza las otras historias. Marruecos es presentado con un fotografía magnífica y con momentos que alcanzan la majestuosidad, como cuando los dos hermanos imaginan que vuelan empujados por el aire. De México me quedo con el terrorífico paseo nocturno entre la niñera y los niños con la luz de una pequeña linterna entre la abundante oscuridad.
La fotografía del film corre a cargo de Rodrigo Prieto, colaborador de Iñárritu en sus trabajos anteriores, quien consigue crear las atmósferas adecuadas en cada historia. Sin su labor, las secuencias anteriormente mencionadas no hubieran conseguido la fuerza que presentan.
La Banda Sonora está compuesta por otro colaborador habitual del director, Gustavo Santaolalla, aunque en esta ocasión parece repetirse a sí mismo su música consigue encajar con las imágenes, sobre todo en el tramo de Marruecos.

Que el reparto esté encabezado por Brad Pitt no debería impedir a los detractores de este actor perderse este film. De hecho su interpretación es notable, consiguiendo realizar un retrato del americano que viaja con su mujer a Marruecos impregnado de tristeza y angustia. Eso si, le sigo achancando que cuando se pone a llorar estropea todo lo anterior conseguido, aunque aquí no llega a extremos de “Legends of fall”. Cate Blanchett es Susan, la mujer que resulta herida en Marruecos. La actriz sabe sacar partido a un papel breve, aprovechando todo momento que aparece en pantalla. Adriana Barraza está fantástica como Amelia, la criada de los hijos del matrimonio, consiguiendo momentos sublimes en sus secuencias en el desierto mexicano. Gael García Bernal está correcto, es más, yo diría que aceptó el papel para hacerle un favor a su amigo Iñárritu y concluir la trilogía que él empezó. Para quitarse el sombrero es la interpretación de la joven Rinko Kikuchi como Chieko, la joven sordomuda que deambula por Tokio deseando que la amen. Su interpretación desprende fuerza, alegría, tristeza, angustía, un sin fin de matices complejos que la actriz consigue bordar, componiendo el mejor personaje de la película. Completan el reparto Koji Yakuzo como Yasujiro, el padre de Chieko; Michael Peña como un agente de policía aduanero; Mohamed Akhzam como el guía que ayuda a Pitt; Said Tarchani y Boubket Ait El Caid como los hermanos que disparan el fusil de las desgracias.

He de decir que el film se rodó con los actores hablando en el idioma del país que proceden, sin embargo la película se ha doblado completamente para cines, con lo que no podremos oír las diversas lenguas que se hablan, consiguiendo no impactarnos tanto. Habrá que esperar a verla en VO para verla como realmente se ha concebido.

La cinta parte como una seria candidata a los Oscars, y ha sido ya nominada a diversos Globos de Oro, partiendo como favorita. En Cannes ganó ya Mejor Dirección.

Concluyendo la trilogía, me sigo quedando con “Amores Perros”, aunque creo que esta “Babel” supera a “21 Gramos”, sigo pensando que le sobra una de las cuatro historias, en concreto una, y que acumula demasiadas desgracias seguidas. Aún así es una estimulante película que concluye una trilogía notable.
7/10

BSO de la semana: The Nightmare Before Christmas

2006-12-27T19:27:00.000+01:00

Recordando ayer a Danny Elfman y su memorable composición para “Edward Sccisorhands” hoy he decidido recomendar otra gran Banda Sonora del autor para la película creada por Tim Burton, que no dirigida, “The Nightmare Before Christmas”. Con su estilo característico, Elfman consigue implantar un ambiente festivo en el país de las pesadillas, cómo por ejemplo al principio en que festejan Halloween, además de introducir temas románticos en los momentos en que aparece Sally. El autor compuso también las canciones del film, dejándonos para el recuerdo temas memorables como “This is Halloween”, “Jack´s lament”, “What is?” o “Oogie Boogie Song”.
Aunque es más adecuada para vísperas de Halloween que para Navidad, es una sensacional Banda Sonora para una película memorable.
5/5

Eduardo Manostijeras, de Tim Burton

2006-12-26T19:59:00.000+01:00

Una vendedora de productos cosméticos Avon descubre que vive en el castillo situado en lo alto de la montaña de su vecindario un joven con tijeras en lugar de manos. La mujer decide llevarse al muchacho consigo e instalarlo en su casa. El joven, llamado Edward, conocerá el mundo exterior y a las personas que habitan en esa vecindad, y se enamorará.

Mágico film del director Tim Burton, en el que mezcló de manera magnifica comedia, drama, ambiente navideño y terror, consiguiendo un cuento oscuro inolvidable.
Con la mirada puesta en el clásico “Frankenstein”, Burton cuenta la historia de un hombre que se quedó a media hacer, o medio terminado. A falta de sus manos, es un hombre de carne y hueso normal y corriente. Si el monstruo de Frankenstein infundía terror por su aspecto, Edward infunde tristeza, en su rostro se ve miedo, no hay ningún rasgo de amenaza. Por esa razón Peg, la vendedora que se presenta en el castillo, lo traslada a vivir a su vecindario. Sin embargo no piensa en las consecuencias que puede tener dicha decisión para los miembros de la comunidad ni para el propio Edward. Al principio lo verán como una persona que tiene una minusvalía pero pronto lo verán como una amenaza que rompe todo aquello que toca.
Edward vive con el tormento de no poder sentir con sus manos, no puede tocarse su cara, y teme poner sus tijeras encima de un ser querido. Ejemplo de lo que digo es cuando Kim se acerca a él para que la abrace y él no quiere ponerle las manos encima recordándole al momento en que su padre murió y acarició su rostro inerte con su filo, rajándolo.

El pueblo del film es muy colorista y alegre en apariencia. Por la mañana a primera hora los hombres se marchan a trabajar y no vuelven hasta por la noche, dejando a sus mujeres solas, cotilleando y creando chismes que pueden llegar a perjudicar a los demás. Son ellas las que marcan el rumbo de la vecindad, lideradas por una amante de Tom Jones algo caliente. Cuando llega el nuevo vecino se mostrarán cálidas y hospitalarias, sin embargo, a la mínima que meta la pata el pobre se convertirán en verdaderas brujas.
Al contrario que el pueblo, nos encontramos con el castillo. Lúgubre, polvoriento, pero habitado por un ser de gran corazón

La puesta en escena de Tim Burton, que acababa de obtener el exito de público con "Batman", se palpa desde el primer fotograma. ¿Qué digo? Desde los mismísimos títulos de crédito. Comenzando por el inicio de la historia narrada por la señora mayor y siguiendo con el viaje a través del pueblo hasta el castillo, que es muy similar al principio de “Beetlejuice”. La atmósfera que rodea el conjunto está impregnada por ese humor negro del autor y su característico ambiente gótico, mirando al género clásico. La entrada de Dianne Wiest en la mansión, ese gran recibidor al estilo de “Ciudadano Kane” con toque de película de terror, es un ejemplo. La presentación de Edward como amenaza entre sombras. El personaje de Edward recuerda mucho, creo que fue el modelo a seguir, a Cesare de “El Gabinete del Dr. Caligari”. O la presencia de Vincent Price (presencia indiscutible en títulos clásicos de terror y a quien Burton le dedicó el sensacional cortometraje “Vincent”) como El Inventor.
Burton consigue la que es su película más memorable (al menos para mí), y la más enternecedora. Cargada de grandes momentos como pueden ser el anteriormente citado en que Edward abraza a Kim y recuerda la muerte de su padre; la secuencia en que Edward demuestra sus dotes de peluquería; el baile de Kim bajo la nieve mientras Edward moldea una escultura en hielo; o la gran secuencia final. Todas ellas engrandecidas por la música de Danny Elfman.
Mencionar taimen la magnífica utilización de los flashacks y su inteligente montaje. El primero de ellos es cuando se prepara la barbacoa y Edward recuerda los primeros pasos para crearle; seguidamente, acostado en la cama de Kim, recordará cuando su padre le leía libros, y finalmente, el momento de su muerte, con ese plano fabuloso del muchacho atravesando las manos que ia a regalarle su padre, mientras abraza a la persona que más ha querido tras él.
El personaje de Edward fue conseguido gracias al mago de FX Stan Winston, quién realizo un excepcional trabajo de maquillaje.

La dirección artística esta cuidadísima consiguiendo unos escenarios de ensueño, gracias en gran parte a las figuras moldeadas por Edward que decoran los jardines del vecindario.
La Banda Sonora merece ser mencionada como la mejor compuesta por su autor para un film de Tim Burton (y eso que le ha realizado todas, excepto “Ed Wood”). En esta, el autor alcanza una majestuosidad que ha intentado emular en trabajos posteriores, sin conseguirlo. Desde los títulos de crédito hasta el memorable final, su música se convierte en otro personaje más de la historia, capaz incluso de ablandarnos el corazón (¡Ese Final!). Un Obra Maestra musical.

El reparto esta formado por Johnny Deep en su primera colaboración con Burton (con el que luego repetiría cinco veces más, la última la están rodando ahora “Sweeney Todd”), realizando el papel del inolvidable Edward, creando un personaje clásico y de referencia en el mundo del cine, y particularmente en el de Tim Burton (con permiso de Jack Skelington). Su personaje está lleno de tristeza transmitida por sus ojos ensombrecidos y su tez pálida.
Winona Ryder repite con Burton tras “BeetleJuice”. Aquí es Kim, el amor de Edward. La actriz pone su rostro y su melena (peluca) rubia a la chica que al principio lo repele para después enamorarse de él
Dianne Wiest es Peg, la mujer vendedora de productos cosméticos que encuentra a Edward y lo traslada consigo a la vecindad. La actriz está fantástica, como de costumbre. Vincent Price como el Inventor, padre de Edward, está soberbio, su breve intervención queda grada en la memoria.

Inolvidable film de Tim Burton. En mi opinión su Obra Maestra. Ideal para las navidades, haría una buena doble sesión con “Pesadilla antes de Navidad”.
8,5/10

El Día de la Bestia, de Alex de la Iglesia

2006-12-25T23:18:00.000+01:00

NocheBuena de 1995. El Padre Ángel Beriartúa se dirige a Madrid para impedir el nacimiento del Anticristo. Para ello realizará el mal y contará con la ayuda de un heavy vendedor de discos y el presentador de un programa de televisión sobre sucesos extraños titulado “La Zona Oscura”.

Sigo con películas navideñas. Toda una sorpresa en la filmografía española y la autentica revelación cinematográfica de Alex de la Iglesia tras su anterior film “Acción Mutante”. El cartel del film anunciaba ya que estábamos ante una comedía de acción satánica. Y no nos miente. Solo le faltaría la palabra “navideña”.

Comedía porque solo con ver el grupito que componen nuestros salvadores uno se pone la mano en la cabeza: el cura obsesionado con detener al Anticristo, un heavy gordo que se mete tripis y alimenta a su abuelo con susodichas sustancia, y un presentador de programas sobre hechos paranormales que vende libros sobre cosas que ni él mismo se cree. Si a esto sumamos los “inteligentes” actos maléficos del sacerdote como pueden ser empujar a un mimo en la boca de un metro, mandar al infierno a un moribundo, robar un libro, o quemarse los pies con cigarrillos, uno ya ve el absurdo del asunto. Por no hablar de José Mari y familia, encabezada por su madre, dueña de la pensión obsesionada con pegarle un tiro con la escopeta a un hijo de mala madre, y al abuelo, ese buen hombre que se pasea desnudo por toda la casa. Y es que el film es una comedia negra muy divertida, por no decir absurda.
Acción. Pues vamos, solo decir que es de Alex de la Iglesia cualquiera sabe que tendrá sus buenas dosis de acción. Para demostrarlo nada mejor que ver la secuencia en la pensión en que el personaje de Terele Pávez le vuela la oreja a Alex Ángulo y su posterior pelea en el pasillo, o la persecución entre la gente con masacre de Reyes Magos inclusive.
Satánica. No hay más que ver los símbolos que rodean la acción. Música Death Metal representada por amantes heavys que se reúnen en la sala “Infierno”, calaveras, cabras cornudas (imagen del anticristo del film), y ritual satánico en que invoca al maligno.
Como he citado anteriormente, solo me faltaría en el cartel la palabra navideña ya que se desarrolla en el día de NocheBuena.
Todos estos elementos están muy bien mezclados en la película consiguiendo un resultado fresco, original, divertido, y dando lugar a uno de los clásicos navideños españoles. Que ya era hora de que en España tuviéramos una película navideña que no solo fueran “La Gran Familia” o “Placido”.

De la Iglesia demostró tener fuerza visual y consiguió un éxito arrollador en el Cine Español. No solo gracias a su guión, firmado junto a su colaborador Javier Guerricaechevarría, sino también por su puesta en escena. El inicio con los dos sacerdotes halando en la Iglesia para la posterior muerte de uno de ellos por la gran cruz atrapa al espectador para después transportarnos a las calles de Madrid en donde seguimos al padre Beriartúa en su descenso a los infiernos. Madrid se nos presenta como un Sodoma post-apocalíptico en donde reina la violencia de un grupo radical que pinta las paredes con “Limpia Madrid”. La presentación de José María (fantástico Santiago Segura) y sus posteriores idas de olla mediante tripis a lo largo del metraje es de los mejor de la cinta.
Momentos tan logrados como la secuencia en el apartamento de Cavan, en donde el pobre presentador será torturado por el buen sacerdote; el descenso por el anuncio luminoso de Schweppes; el descubrimiento del lugar en donde nacerá el diablo con Beriartúa entre las Dos Torres (imagen que ya se ha copiado en algún que otro film posterior, y que parece una profecía) y la secuencia final en lo alto de la torre han quedado enmarcadas en la memoria de los espectadores.
El apartado visual está muy cuidado, consiguiendo la atmósfera adecuada para el relato. Aunque he de reconocer que los FX han quedado anticuados, en su día fueron un logro “Made in Spain”.

El reparto lo componen el sensacional Alex Ángulo como el sacerdote destinado a salvar al mundo, consiguiendo su papel cinematográfico más memorable; Santiago Segura en su revelación como actor, dando vida a José María, ese heavy tan enrollado, consiguiendo realizar la que, bajo mi punto de vista, es su mejor interpretación (con permiso de Torrente) y el mejor personaje del film. Armando de Razza como el Professor Cavan, cuyo nombre real es Enio Lombardi, el pobre hombre que es elegido por Beriartúa para que lo guié hasta el maligno solo porque sale en la tele curando a un niño que vomita gachas y escribe libros. Terele Pávez es la madre de José María y la dueña de la pensión en donde se aleja el buen cura, su interpretación pone los pelos de punta; Maria Grazia Cuccinota pone su cara, y cuerpazo, a la novia de Cavan; Nathalie Seseña es Mina, la dulce trabajadora de la pensión, a quien José Mari quiere echarle el lazo y no lo consigue. También aparecen Antonio Dechent, Jaime Blanch, El Gran Wyoming, y Saturnino Garcia.

La película fue un gran hito y consiguió varios premios Goya. De la Iglesia se convertía así en un nuevo valor para el cine español, y Segura fue subiendo más aún, hasta que dos años después regalaría al mundo, y más concretamente a España, ese personajillo tan “simpático” como es José Luis Torrente.
Notable película española, ideal para fechas navideñas y para pasar un buen rato.
7,5/10

¡Feliz Navidad!

2006-12-24T12:24:00.000+01:00

Desde Frikigalactico os deseo unas Felices Fiestas. Espero que vivais estas fiestas como merecen, es decir que comais mucho y descanseis más. Y, por supuesto, que veaís mucho cine.

Os deseo a tod@s una Feliz Navidad y una muy buena NocheBuena rodeados de vuestros seres queridos. También a aquellos que no puedan pasarla con sus familiares por motivos de trabajo.

Y cuidadin por las carreteras.

¡¡¡¡¡ Felices Fiestas !!!!!

P.D. A pesar de las fiestas yo seguiré por aqui escribiendo cosillas.

¡Qué Bello es Vivir!, de Frank Capra

2006-12-22T17:08:00.000+01:00

George Bailey es un joven que tiene grandes sueños, como viajar por todo el mundo, ir a la Universidad y convertirse en constructor. Sin embargo la muerte de su padre hará que se quede siempre en su pueblo de Bedford Falls, manteniendo el negocio de préstamos familiar, y enfrentándose al avaro Sr. Potter.

No hay mejor fecha para colgar está película que la vivimos actualmente. Para muchos, entre los que me incluyo, esta es la película de la Navidad. Un film cargado con buenas intenciones, pero no por ello alegre, pues lo que se nos cuenta es los problemas a los que debe enfrentarse un hombre para mantener su negocio y a su familia.

La historia comienza el día de Nochebuena, con las voces del pueblo rezando por George Bailey. San José encomendará a un ángel sin alas, Clarence, la tarea de ayudar a George, que pretende suicidarse. Pero antes de hacerlo conoceremos quién es George Bailey y cómo ha llegado hasta esa situación.
El joven Bailey siempre ha sido un chico de buen corazón. Salvó a su hermano de ahogarse quedándose sordo de un oído, abrió los ojos a su viejo jefe que se equivoco en darle unas pastillas y le perdono que le pegará una bofetada. Su mayor ilusión es viajar por todo el mundo para después dedicarse a construir edificios. El día de la fiesta en el instituto se reencontrará con Mary, de quien se enamorará. Pero no por ello dejara de pensar en su sueño. Sin embargo, su familia está a punto de sufrir un duro revés, su padre muere dejando la compañía de prestamos sin nadie que la dirija y a punto de ser adquirida por el Sr. Potter, quien tiene todos los grandes negocios de la ciudad. Para honrar a su padre, George no permitirá gran cosa, se encargará del negocio junto con su Tío Willy, y pospondrá su viaje hasta el regreso de su hermano Harry. Pero el regreso de Harry cuatro años más tarde trae una sorpresa, se ha casado y su suegro le ha ofrecido un excelente trabajo. Parece que la estancia de George en Bedford Falls será más larga de lo que pensaba. Sin olvidarnos de Mary, a quien George sigue queriendo a pesar de no admitirlo. En una visita de él a casa de ella no podrán contenerse y demostrarán sus sentimientos, casándose posteriormente y yéndose de viaje. O al menos, intentándolo, porque llega a la ciudad la depresión. La gente asustada se dirige a la oficina de George exigiendo su dinero. El bueno del protagonista, secundado por su recién estrenada esposa, intentará subsanar el grito del pueblo repartiendo los ahorros que tenían para el viaje de bodas. George se convertirá así en el mayor enemigo de Potter, quien no abandona en sus ofertas para hacerse con el negocio de Bailey. La vida de George y Mary es fructífera, teniendo cuatro hijos. Harry se convierte en un héroe de la Segunda Guerra Mundial. La compañía de préstamos aguanta a pesar de los problemas. Pero llega el día de Nochebuena, un inspector de hacienda se presenta en la compañía de préstamos, la hija menor de George está enferma, Tío Willy ha perdido ocho mil dólares, y Potter niega un pequeño préstamos para ayudarlo a salir de esta mala racha. George se derrumba, se echa la culpa de todo el mal que ocurre a la gente que quiere. Cree que sin él en el mundo serían más felices. Por ello toma la decisión de poner fin a su vida. La misión de Clarence será mostrarle lo que sería el mundo sin él, haciéndole ver lo necesario que ha sido para Bedford Falls.

Gracias a George, el avaro Sr. Potter no ha conseguido tener todo el control del pueblo. El enfrentamiento entre Potter y Bailey en el film se vive todos los días. Es el enfrentamiento entre un pequeño comercio (Bailey) contra un gigante empresarial (Potter), el eterno enfrentamiento entre David y Goliath. Mientras George ayuda a las personas, Potter solo piensa en adquirir, en tener más poder, compra la vida de esas personas a un precio muy bajo.

La película es un canto de amor a la vida y a la esperanza. George Bailey es la personificación hecha persona de esperanza. No se rinde, a pesar de no haber conseguido nunca salir de su pueblo y vivir su sueño, si ha conseguido mantener el negocio de su padre ayudando a personas que lo necesitan, convirtiéndose en la persona más querida y admirada del pueblo. Y es que George Bailey es un héroe. Nunca ha ido a una Guerra, pero se ha enfrentado contra la persona que más temen en el pueblo como nadie nunca antes. Ha mantenido su entereza frente al monstruo engullidor que es Potter, plantándole cara a pesar de los problemas. Con Mary tiene una relación de amor mutuo que da fruto en cuatro hijos orgullosos de su padre. En resumen, George Bailey es el tipo de persona que a todo el mundo le gustaría tener como amigo (al menos a mi).

La película bebe del clásico de Charles Dickens, “Cuento de Navidad”. Tenemos el día de Nochebuena, un ángel que muestra al protagonista que habría sido del mundo sin él, y un viejo avaro cual Scrooge. Además del final feliz con todo el pueblo en casa del protagonista.
El mensaje final del film, o la idea principal, que uno debe sacar es que, a pesar de los malos momentos, aquellos en que parece que tu vida se derrumba hasta limites extremos, nunca hay que perder la esperanza y olvidar a las personas que uno quiere, ni lo que habría sido el mundo si no hubiéramos nacido. Los malos momentos han de enseñarnos para futuros retos y para vivir mejor la vida que se nos ha dado, ofreciendo a la gente más de lo que podemos.

Con el sentido característico del cine de Frank Capra, el film rebosa buenos sentimiento por todos lados. Puede que algunas situaciones queden ridículas pero hemos de verla también en la época que se hizo, 1946, cuando la II Guerra Mundial acababa de terminar. Y es que Capra siempre impregnaba a sus films con una inyección de final feliz y buenas intenciones que hacen que el espectador salga de una de sus películas valorando más la vida. Películas como “Sucedió una noche”, “Caballero sin espada”, o “Vive como quieras” son algunos ejemplos. Por supuesto también tenían su buena dosis de crítica social. En la que comento vemos el miedo que se produjo con la Depresión y, por supuesto, la caída de pequeños negocios por culpa de otros mayores, pero no por ello mejores.
El film contiene secuencias tan emotivas y brillantes cómo la primera cita entre George y Mary frente a la casa de los sueños de la joven; cuando George reparte su dinero ahorrado entre la gente del pueblo; el enfrentamiento entre George y Potter cuando el joven le estrecha la mano para luego limpiarse en su chaqueta; la escalofriante visión de George del pueblo sin que él haya nacido; y por supuesto la secuencia final en que George llega a casa y esta se va llenando de seres queridos.

El reparto está encabezado por James Stewart dando vida al bondadoso George Bailey, papel a medida del sensacional actor. Stewart siempre supo amoldarse a los papeles que se le daban, y por ello trabajó con grandes de la talla de Hitchcock, Ford, Mann. Representaba al ciudadano medio de manera perfecta. En la película presente realiza una interpretación fantástica, mostrando la bondad, e inocencia, de George en todo momento, con un punto de inflexión sensacional en el tramo final en que no puede creer lo que le está ocurriendo a su alrededor, viendo el pueblo transformado y a sus seres queridos sin reconocerle. Una de las interpretaciones más memorables del actor. Donna Reed es Mary, la dulce esposa de George, enamorada de él desde el principio del film, estará siempre junto a él en todo momento. La actriz mima su papel con un gran cambio desde el principio, en que es una jovencita de 18 años, hasta el final, en que se ha convertido en una madre y esposa responsable. Lionel Barrymore es el Sr. Potter, el avaro que quiere apoderarse de todo negocio respetable de la ciudad y que ve en George la mosca que no puede abatir. El actor crea un personaje basado en el Scrooge literario de Dickens de manera magistral, con un maquillaje envejecedor y con minusvalía. En el fondo su personaje llega a dar pena, no solo por estar en silla de ruedas, si no por comprobar que no tiene nada en la vida más que hacer imposible la vida a los demás.

El film consiguió 5 nominaciones para los Oscars de las que no ganó ninguna, convirtiéndose así en una de las mayores perdedoras de la Historia de los Premios. Pero en este caso ¿a quién le importa?

Película imprescindible para Navidad, a la que se puede achacar muchas cosas (cinematográficamente hablando), pero que no deja de tener su magia. Reconozco que a mi me sigue haciendo llorar.
8,5/10

10 to Midnight, de J.Lee Thompson

2006-12-21T21:13:00.000+01:00

Leo Kessler es un policía que quiere atrapar a un asesino que mata a jóvenes mujeres. El asesino resulta ser un joven al que las mujeres repelen, y que se obsesiona con la hija de Kessler, eligiéndola como próxima víctima.

Bueno, ayer tuve la ocasión de ver esta película, “clásico” de los años 80, y considerada por muchos como la mejor película que protagonizó Charles Bronson, y he de decir que me llevé un gran chasco. Quizás muchos piensen “no es para menos”, pero esperaba ver un producto de serie B medianamente digno.

Empezando por el ridículo asesino, un joven de buen ver con un cuerpazo pero al que las chicas repelen (¿?) y que, para vengarse, las mata acuchillándolas y desnudándose para no dejar huellas. En fin.
El protagonista es Charles Bronson. Creo que con eso está todo dicho. El actor hace su cliché de policía solitario, con problemas familiares, que se toma la justicia por su lado, rivalizando con Harry Callahan en ver quién tiene peor carácter.
El film es ridículo y absurdo, por no decir previsible desde el principio. Para decirlo claro, es un telefilm de ínfima calidad. Abundan chicas atractivas, con algún que otro desnudo femenino además de el del villano, actores que parecen sacados de una peli porno barata (el asesino; el compañero de Bronson), y música ochentera que no pega ni con cola.

El directo es J. Lee Thompson, que aquí intenta emular a Hitchcock o DePalma en la puesta de escena. Por supuesto ni les llega a la suela. Los asesinatos se muestran con los primeros planos de las mujeres gritando para después mostrar un plano detalle de la navaja bañada en sangre (¡Qué originalidad!). El resto, como ya he mencionado, parece digno del telefilm de las cuatro de la tarde, ideal para echarse una siesta.
He de decir que esta película pertenece a las producciones de la Cannon Group, esa gran compañía que nos regaló “clásicos” protagonizados por ese gran actor que es Jean Claude Van-Damme.

El reparto está encabezado por Charles Bronson, y se puede decir que es el único que está decente. Es una lástima que una actor como él, que protagonizó films como “La Gran Evasión”, “Doce del Patíbulo” o “Hasta que llegó su hora”, quedara reciclado en producciones de este estilo, convirtiéndose en un justiciero televisivo, “Yo soy la Justicia”, “Teléfono” o “El justiciero de Medianoche” lo demuestran. Mencionar la aparición de Kelly Preston como una joven que pasa por ahí, y de Geoffrey Lewis (habitual en producciones Cannon).

En fin, peliculilla de serie B que, por lo que he oído, tuvo un gran éxito en su día (aquí se tituló “Al filo de la medianoche”) y esta considerada como una de las mejores de Bronson.
2,5/10

Mi Quiniela de Los Goya 2006/07

2006-12-19T12:38:00.000+01:00

Ayer se dieron a conocer las nominaciones a los Premios Goya. Alatriste con 15, Volver con 14, El Laberinto del Fauno con 13 y Salvador con 11 son las más claras favoritas.
Antes de nada quiero mostrar mi desilusión al no ver nominado en la categoría de Actor Revelación a Raúl Arévalo, fantástico tanto "AzulOscuroCasiNegro" como en "El Camino de los Ingleses".
A continuación pongo mi quiniela:

Mejor Película:
Volver

Mejor Director:
Pedro Almodóvar

Mejor Actriz:
Penélope Cruz (Volver)

Mejor Actor:
Viggo Mortenssen (Alatriste)

Mejor Actriz de reparto:
Carmen Maura (Volver)

Mejor Actor de reparto:
Juan Echanove (Alatriste)

Mejor Guión Original:
El Laberinto del Fauno

Mejor Guión Adaptado:
Alatriste

Mejor Dirección Novel:
Daniel Sánchez Arévalo (AzulOscuroCasiNegro)

Mejor Actor Revelación:
Quim Gutiérrez (AzulOscuroCasiNegro)

Mejor Actriz Revelación:
Veronica Echegui (Yo soy la Juani)

Mejor Pelícual Documental:
Hécuba, un sueño de pasión

Mejor Película Europea:
The Queen

Mejor Dirección de Producción:
Volver

Mejor Música Original:
Alatriste

Mejor Dirección Artística:
El Laberinto del Fauno

Mejor Diseño de Vestuario:
Los Borgia

Mejor Fotografía:
Alatriste

Mejor Maquillaje/Peluquería:
El Laberinto del Fauno

Mejor Sonido:
El Laberinto del Fauno

Mejores Efectos Especiales:
El Laberinto del Fauno

La ceremonía tendrá lugar el último fin de semana de Enero.
Mucha Suerte para los Nominados.

Eragon, de Stefen Fangmeier

2006-12-18T15:28:00.000+01:00

Eragon es un joven que vive tranquilamente con su tío en una granja en el país de Alagaesia. Un día encontrará cazando un huevo de dragón. A partir de ese momento la vida del joven cambiará, convirtiéndose en el nuevo jinete de dragón que el pueblo estaba esperando para que los liberara del temible rey Galbatorix.

Ya tenía yo ganas de ver esta película, concretamente desde que visione el trailer de la misma. La razón es muy sencilla, quería comprobar si el film mantenía la cutrez que desprendía el trailer. Y la respuesta es SÍ.
Parece que desde que desde que las Sagas de “El Señor de los anillos” y “Harry Potter” aparecieron para Navidad, tienen que hacerse películas de fantasía basadas en éxitos literarios, no hay más que comprobar como hace un año llegaba a nuestras pantallas la Saga de Narnia, cuya secuela se está realizando ahora.
Este año le ha tocado el turno a Eragon, basada en el libro “El legado” del joven escrito Christopher Paolini, que según sus propias palabras empezó a escribir porque se aburría y no encontraba una historia que le atrapase, así que se puso a escribirla. Si el libro es igual que la película, y que la afirmación del chico es cierta, puedo decir que este chaval no ha visto “Star Wars” porque parece un plagio descarado. Si yo fuera George Lucas ya estaba preparando la demanda.
¿Cómo puedo decir tal afirmación, dirán los lectores y amantes del libro? Primero aclarar que yo no he leído la novela, por lo tanto hablo por lo que he visto en pantalla. Si el film comienza con una chica huyendo del terrible malvado, escondiendo el objeto que buscan y siendo este encontrado por el chico protagonista que resulta ser un granjero que vive con su tío, y encima decimos que será adiestrado por un viejo jinete de dragón, cuya estirpe desapareció hace muchos años, no dista mucho, por no decir nada, de la historia de Luke Skywalker. Luego tenemos los personajes relleno que en realidad no pintan nada, como el arquero misterioso que aparece siguiendo al protagonista para luego descubrirse como un aliado.

Ahora hablemos un poquito del film (ya que si hablo mucho puedo acabar pensando que es peor de lo que he visto). El inicio es sencillamente patético, la voz de Jeremy Irons contándonos lo que vemos en pantalla, pero entonces ¿qué utilidad tiene dicha voz en off?. Después las prisas con que se desarrollan los acontecimientos. Eragon es un granjerillo que le gusta cazar y pelearse con su primo (en una secuencia clavada a la de Piratas del Caribe en que se enfrentan Deep y Bloom en la herrería), para veinte minutos después verlo cabalgar con un pedazo de dragón y luchar contra los malos. Las situaciones que se presentan en pantalla son las de “Star Wars” pero ambientadas en una Tierra Media cutrísima. Siento repetirme con lo de la saga galáctica pero es que me ha tocado la moral tanto plagio.
Los personajes son planos a rabiar. Tan solo el personaje de Brom puede que tenga algún matiz y el que este más desarrollado (por decir algo positivo). Tampoco ayuda mucho los ridículos nombres que tienen: Brom recuerda a Krom, el Dios de Conan; el villano Galbatorix será algún primo lejano del jefe de la aldea de Asterix; Eragon muestra la poca originalidad del autor, pues es Dragón pero empezando por E; la elfa Arya puede ser la hermana de Enya pero sin orejas puntiagudas (es una elfa porque lo dice ella).

Ahora vamos a hablar del trabajo de Stefen Fangmeier tras la cámara. Me niego a llamar a este hombre director tras ver lo que ha plasmado en pantalla. Demuestra que no sabe dirigir a los actores, ni dar ritmo, ni montar una escena bien, ni nada. Tan solo se limita a hacer planos contraplanos facilones cuando hay alguna conversación. Rueda planos copiados de “Las Dos Torres” (ese Robert Carlyle frente a su ejercito con la mano alzada recuerda en extremo a Saruman). Por no hablar de las, escasas, escenas de acción, que rueda peor que Uwe Boll. El hombre solo se siente a gusto con las secuencias de FX, será que cómo es supervisor de dicha materia es donde se siente a gusto. Tan solo me ha gustado del film la pelea final entre Saphira y el Dragón Sombra.
La música de Patrick Doyle está ausente y mal utilizada. No recuerdo haber visto una película épica en que la música este tan mal insertada.
Los FX tan solo están bien en el desarrollo de la dragona. El resto parecen que se los han encargado a los novatillos de ILM que realizaron el barquito de “Poseidón” y a los que estaban aburridos de Weta.
A veces pienso donde se han ido los 100 millones de $ que ha costado el film. Porque si es eso lo que ha costado, ya puede irse esta película a encabezar la lista de “Cómo no hacer un film de aventuras”, quitándole el puesto a esa otra joya de serie Z (a la que también pertenece “Eragon”) que es “Dragones y Mazmorras”.

Del elenco interpretativo me da vergüenza hablar. John Malkovich tan solo aparece en pantalla 3 minutos, o sea, que como si no apareciese; Robert Carlyle presume de maquillaje con peluca roja; Djimon Hounsou está para dar el toque de color. El único que medio se lo toma en serio es Jeremy Irons, que aquí no está tan mal como en “Dragones y Mazmorras”, pero su seriedad hunde más el conjunto. Supongo que entre ellos se habrán chupado un buen pellizco del presupuesto.
Resaltar un nombre: Ed Speleers. El protagonista que da vida a Eragon. Si creíamos que no había nadie tan malo como Orlando Bloom nos equivocábamos. Lo tenemos aquí, y encima el muchacho ha reconocido su admiración por “Tomatito” y que quiere alcanzar una carrera como la suya. Pues yo no tengo más que decirle que ha empezado con muy bien pie. Deberían realizar una película los dos juntos. Sería la bomba.

En fin, ya no quiero seguir lapidando este film destinado para niños menores de 8 años en época de Navidad.
Tan solo espero que sea un fracaso en taquilla para que no realicen la secuela: Eldest.

2/10
P.D: Le doy un punto por la dragona, que es la que mejor actúa, medio por Irons y otro medio por la pelea de dragones final. Y gracias.

BSO de la semana: Heat

2006-12-17T15:26:00.000+01:00

Para su monumental policiaco, el director Michael Mann contó con el compositor Elliot Goldenthal, quien compusó una música de estilo electronico con varias utilizaciones de guitarra electrica, consiguiendo una atmosfera entre epica y trágica que define a los personajes. El tema final del film es una absoluta joya, como tambien son los temas que acompañana al atraco al banco o el momento de la cena de la banda de DeNiro vigilados por Pacino.

Como es habitual en el cine de Mann, el director usa temas de grupos musicales que encajan perfectamente en la narración.

Un buena banda sonora para una película policiaca memorable.

3,5/5

Moulin Rouge!, de Baz Luhrman

2006-12-15T15:00:00.000+01:00

Christian es un joven que llega a París a finales del S. XIX con el sueño de convertirse en escritor. Allí se encontrará con una explosión artística que tendrá influencia en el S. XX. Introducido en el ambiente bohemio de mano del pintor Touluse-Lautrec el joven conocerá a la que será su musa y amor en el famoso Moulin Rouge, la cortesana Satine.

El director de “Romeo + Julieta” vuelve a contarnos aquí una historia de amor prohibido (no muy lejana a la inmortal obra de Shakespeare) enmarcada esta vez en el género musical. Pero no en un musical convencional, sino en un musical videoclipero, atosigante, divertida, sensacional, emocionante, inolvidable.
Y es que si “Moulin Rouge!” gusta tanto es por su innovadora forma de presentarnos el musical, bebiendo de la generación MTV para contarnos una historia de amor universal en que los protagonistas cantan sus sentimientos.

El protagonista, Christian, es el joven que se encamina a una gran ciudad, en busca de una vida bohemia que le ayude a expresar en palabras lo que siente, en una obra que hable sobre la libertad, la verdad, la belleza, el amor, consiguiendo una gran obra. Sin embargo, no cuenta con enamorarse de Satine, cortesana del Moulin Rouge, deseada por todos, en especial por el Duke quien subvencionará la obra que escribe Christian y protagonizará Satine, sin saber que ambos son amantes. El desenlace de esta historia no será nada agradable para ninguno de ellos.

Como bien dice Christian al principio del film, "lo más grande que te puede pasar es amar y ser correspondido". Y es que al amor es el tema principal de esta película, el que mueve a los protagonistas, el que les hará vivir y sufrir, incluso volverse locos por celos. El causante de todas las cosas que les ocurren a lo largo del film.
También vemos los ambientes bohemios y la vida que se vivía en Paris a finales de siglo XIX. El personaje de Touluse-Lautrec nos sirve de toma de contacto con la realidad de los artistas que vivían en aquel momento.

El estilo visual de la película es de lo más sorprendente. Los grandes escenarios parisinos parecen decorados de teatro, dándole a la película un aspecto de ensueño.
Pero si por algo es recordada la película es por sus magnificas canciones y su puesta en escena en pantalla. Momentos tan gloriosos como “Diamonds are the girl´s best friend” en que se nos presenta a Satine, “This is your song” cantado por Christian a Satine, o el numero musical cantado sobre el club, con la cabeza del elefante, entre ambos terminando en las estrellas. Por no hablar del divertido musical “Spectacular, Spectacular”, el memorable tango “Roxanne”, o el número estrella del film, cantado dos veces, pero con una fuerza brutal en el final, consiguiendo un in crescendo sensacional, la canción “Come what may”. Como vemos, excepto la última canción, el resto son canciones de artistas como Madonna, Sting, Prince, que se versionaron para el film consiguiendo encajar como un guante.

El director, Baz Luhrman, dirige de manera frenética y endiablada, como he mencionado antes, influenciado por el videoclip. Esto ya le pasaba en su anterior película, pero aquí va más lejos hasta conseguir incluso marear al personal, como puede ser en la primera visita de Christian al club, muy acertado por otra parte ya que el joven está drogado. En otros momentos consigue secuencias de fuerza visual y empaque, como el primer momento en que los amantes cantan “Come What may”, el momento del tango, o la secuencia final.
La producción de la película está cuidada hasta el más mínimo detalle en los escenarios, vestuario, fotografía, y montaje. Consiguiendo con esto un espectáculo visual de primera.
La Banda Sonora fue un gran éxito de ventas en todo el mundo consiguiendo ganar el Grammy a Mejor Banda Sonora. Además de los temas de la película contenía el famoso exito de "Lady Mermelade" que hizo furor.

El reparto está encabezado por Nicole Kidman como Satine, un papel bombón que la actriz engrandece en cada momento que aparece. Ewan McGregor está perfecto, y superior al resto del reparto, como Christian, el joven soñador que se enamora de la cortesana. Jim Broadbent es Zidler, encargado del Moulin Rouge y apoderado de Satine. John Leguizamo dota de comicidad y excentricidad al artista Touluse-Lautrec. Richard Roxburgh vuelve a hacer de villano como el Duke.

Entre los innumerables premios y elogios que consiguió, citar que en la entrega de los Oscars fue derrotada por la sobrevalorada “A Beautiful mind” (cuando debía haberlo sido por “Fellowship of the ring”), conformándose con ganar los premios a Mejor Vestuario y Dirección Artística.
Mencionar que John Houston realizó un film del mismo título pero que narraba la vida del pinto Touluse-Lautrec, encarnado por el gran actor José Ferrer.

Notable film musical, quizás excesivamente videoclipero, pero que dejó un grato recuerdo en aquellos que lo contemplaron en una pantalla de cine, y se dejaron llevar por la historia de Christian y Satine.
7,5/10

Sunset Boulevard, de Billy Wilder

2006-12-12T12:41:00.000+01:00

Joe Gillis es un guionista que pasa un mal momento profesional. Vive en la Meca del Cine buscando alguien que le compre uno de sus guiones. Sin embargo la suerte no le sonríe, y sus guiones son menospreciado por ser de serie B. Además le persiguen unos acreedores que buscan llevarse su coche. En una persecución Gillis se esconderá en una vieja mansión de los años 20 en donde conocerá a la mujer que cambiará su vida para siempre, Norma Desmond.

Sensacional película dirigida por el maestro Billy Wilder. El film retrata el mundo de Hollywood a finales de los 40, principios de los 50 de manera magistral.

Empezando por el mundo del guionista personificado por el protagonista Joe Gillis. Como se nos muestra Hollywood está llena de productores y lectores de guiones que desechan guiones apenas llegar a la página cinco. Uno de esos guionistas frustrados al que no le compran ningún guión es Gillis, quien está a punto de tomar la decisión de dejar el trabajo e irse de California. Como bien nos dice el propio personaje, en voz en off, muchos llegaron a Hollywood con ganas de triunfar, con la idea de comerse el mundo y ver su nombre en letras mayúsculas en los créditos de una película importante. Nada más lejos de la realidad, por qué ¿qué guionista no ha soñado con conseguir realizar un guión mítico y memorable por el cual se convertiría en inmortal en el mundo cinematográfico? Mentirían aquellos que lo negara. Sin embargo, el largo tiempo sin el sí de las productoras, la falta de dinero, y el despertar de ese sueño, viendo el mundo real, hace que muchos guionistas abandonen. En esa tesitura encontramos a Joe Gillis, incapaz de vender una historia que tiene entre manos, y que en una persecución llegará a una mansión donde encontrará un destello de luz oculto tras unas persianas observándolo.

Así se nos presenta Norma Desmond, tras una persiana con gafas de sol, ataviada de negro, y con su inigualable voz recorriendo el espacio. Ella será la personificación de las estrella de cine, más de bien dicho de lo que fue una estrella de cine. Excéntrica en su forma de vivir y comportarse, diva olvidada de las pantallas que ella aun cree que la necesitan, rodeada de cuadros personales y recuerdos que la hacen seguir viviendo una época que no volverá, con miedo a salir al exterior que le recordará el paso del tiempo, y posesiva no solo con sus objetos materiales, sino también con las personas que la rodean y que ve en ellas una utilidad. Eso es lo que ocurrirá en cuanto se enteré de que Joe es guionista y de que puede ayudarla a realizar el guión de su película más deseada, “Salomé”. Lo hospedará en su casa, y lo tendrá como a un esclavo al que no dejará escapar de sus garras, viendo en él un amor de juventud como no sentía desde hace tiempo, hasta que la situación sea incontrolable por parte de ambos.

Como ya digo, Norma Desmond es la personificación de esas estrellas excéntricas de los años 20. En esos años en que el cine mudo tenía sus estrellas apareció lo que sería el fin de la luz para esas estrellas, el sonoro. Debido a la aparición del sonido muchos actores y actrices de la época pasaron al olvido, como pasarían también sus películas y la fama que tenían entonces se apagaría como su estrella. Realmente es muy triste que grandes actores dejaran de trabajar por culpa de una innovación, incluso hoy día resulta increíble la cantidad de actores y, sobre todo, actrices que han sido olvidados en apenas 20 años (recuerdo a Sean Young, mítica en “Blade Runner”, que se le fue la cabeza). Sin embargo no todos aceptaron ese olvido y se sumieron en un ensimismamiento en que pensaban que seguían siendo grandes estrellas y que no se olvidarían. A ese grupo pertenece Norma Desmond.

Desmond no vive sola, sino que siempre está custodiada por su fiel criado Max. En apariencia es un sirviente normal y corriente, obediente a todo lo que dice su señora. Sin embargo, bajo esa cubierta se esconde otro olvidado, el hombre que convirtió a Norma en una estrella y la hizo deslumbrar en las pantallas, el director Max von Mayerling. Al lado de Norma desde que fue desterrada del mundo del cine porque piensa que se lo debe, no solo fue su precursor sino que también se casó con ella. Él fue quien la vio elevarse en el Panteón cinematográfico y será quien la vea descender de forma triste (inolvidable y mítica el descenso final de ella por las escaleras).

La película se ha convertido en mítica y de plena referencia cinéfila no solo por el argumento y el estudio sobre el paso del tiempo en las estrellas sino también por la cantidad de referencias que en ella hay. El título original del film (traducido aquí como “El Crepusculo de los Dioses”) se refiere a la famosa avenida de Hollywood en que viven numerosas estrellas, y donde vive Norma Desmond en el film. Aparece Buster Keaton jugando a las cartas con Norma; Cecil B. DeMille se interpreta a sí mismo apareciendo en el rodaje de “Sansón y Dalila”; los famosos estudios Paramount aparecen de forma magistral con su entrada principal; se proyecta en una sesión de cine en casa de norma “Queen Kelly” que dirigió Von Stroheim (Max) y protagonizó Gloria Swanson (Norma Desmond) en el año 1929.

Wilder dirigió y co-escribió el film con Charles Brackett. Como es habitual en el cine del genial director, abundan frases de doble sentido, los diálogos ágiles, mezclando comedia con drama. Momentos perfectos como cuando Gillis le dice a Norma Desmond que “Usted era una estrella” y la Diva le responde “Sigo siendo una estrella”. Con una gran muestra de elegancia y sutileza en la planificación fílmica fotografiada en Blanco y Negro, ahí quedan para la posteridad la visita de Norma a los estudios Paramount cuando la iluminan con el foco, o la sensacional bajada de escaleras por Norma Desmond a vista de todos los presentes que quedan quietos como estatuas eclipsados por la actriz, y por supuesto, el último primer plano en que la actriz, cual Salomé, se acerca a la cámara (espectadores) con esa mirada y ese gesto con la mano que la ha llevado a convertirse en mito.

El guión del film es muy original, pues narrado en voz en off por el personaje de Joe Gillis se nos muestra que el personaje está muerto en una piscina. Algo que varias décadas después jugaría de forma parecida Sam Mendes y Alan Ball en “American Beauty”. Introduciendo una historia de amor entre Gillis y la joven Betty Schaefer que trabaja en la productora, y que la ayudara en la escritura de un nuevo guión.

El reparto está encabezado por la soberbia Gloria Swanson como Norma Desmond, realizando una de las mejores interpretaciones femeninas de la historia. Centrándose en los gestos y en la forma de moverse al estilo del cine mudo, realiza un trabajo excepcional, acompañado por su mirada terrorífica y triste. El mítico director alemán Erich von Stroheim realiza un trabajo soberbio en la piel del criado Max, su presencia llena toda la pantalla en los momentos en que aparece. William Holden esta muy bien como Joe Gillis, el guionista que ve en Desmond la oportunidad de salir de su mala racha aprovechándose de ella. El elenco lo completan Nancy Olson como Betty Schaefer, Jack Webb como el amigo de Gillis, Arte Green, Cecil B. DeMille como él mismo.

Mencionar que Mae West estuvo como primera elección para norma Desmond; que Wilder tuvo muchos problemas con diversos ejecutivos de Hollywood al mostrar la película que le dijeron: “Cómo se te ocurre hacer esto a la mano que te da de comer”. Ganó 3 Oscars correspondientes a Guión Original, Decoración y Banda Sonora, siendo nominada para Película, Dirección, Actriz, Actor, y Secundario.

Inolvidable y apasionante película sobre el mundo del cine, clásico indispensable, y otra muestra más de lo grande que fue Billy Wilder.
9/10

Batman Begins, de Christopher Nolan

2006-12-11T14:52:00.000+01:00

Bruce Wayne llega al Himalaya en donde será entrenado para combatir la villanía de su ciudad, Gotham, gobernada por el capo Carmine Falcone. Tras su en entrenamiento y posterior enfrentamiento con Ras Al´gul y su miembros de La Liga de las Sombras volverá a Gotham para enfrentarse al mal que aflora en la ciudad oculto tras un símbolo que imponga temor a sus enemigos, el que a él un día la traumatizo de pequeño, un murciélago.

Tras las decepcionantes películas dirigidas por Joel Shumacker el personaje de Batman quedo un tanto abandonado por el mundo del cine. No es para menos, el director dejo al hombre murciélago por los suelos con esas peliculillas cirquenses. Tras varios años, y con el resurgir del cine de superhéroes gracias a “Spider-Man” y “X-Men”, la Warner y su filial, y publicación, DC Comics decidieron realizar un nuevo film de Batman, al igual que de Superman. Entre la multitud de proyectos que se barajaron, uno de ellos incluía a los dos superhéroes en una misma película que dirigiría Wolfgand Petersen (y cuya idea no se ha desechado con el fin de realizarla en varios años). Para el regreso del hombre murciélago se eligió al director Christopher Nolan, el magnifico director de “Memento” e “Insomnio”.

Nolan decidió narrar los orígenes del personaje y obviar todo lo anterior realizado (cosa que se ha puesto muy de moda últimamente en las Sagas). Con la vista puesta en el célebre comic “Batman: Año Uno” de Frank Miller, el director se decantó por un Batman de tono realista, alejado del tono gótico que utilizó Tim Burton en las dos primeras, y sensacionales, películas importantes del murciélago. Además se centró en profundizar mucho más en el personaje de Bruce Wayne, sus miedos, su decisión a la hora de convertirse en Batman y las consecuencias que ello conlleva.
Respecto al estudio psicológico del personaje de decir que es lo más conseguido de la cinta. El miedo es uno de los temas principales en “Batman Begins”. Es lo que hace que Bruce Wayne decida utilizar su propio miedo en contra de sus enemigos. Es lo que Gotham está viviendo en sus calles. Lo que el Doctor Crane usa con sus pacientes en el Asilo Arkham. Al igual que el miedo, tienen vital importancia la culpa, el odio, el sentimiento que le produce a Wayne la muerte de sus padres a sus ojos cuando no era más que un niño y que le hace abandonar Gotham tras comprobar en lo que se ha convertido la ciudad.
El implantar un tono realista al personaje está bien, pero en ocasiones es excesivo. Si no díganme a mi de qué no sirve saber cómo Batman se confecciona las orejas del casco o cómo las consigue. El film incorpora un personaje similar al Q de James Bond que le proporciona a Batman todos sus artilugios, Lucius Foxx. Ya digo que aunque está bien que nos muestren los artilugios de Batman y cómo los consigue, me parece que es muy explicito y le quita misterio al personaje. Aunque en contrapunto hay que resaltar el tono realista con el que trata a los mafiosos o los policías, que no son caricaturas; el personaje de Bruce Wayne como excéntrico millonario rodeado por bellas mujeres; y, desde luego, el entrenamiento en la primera parte del film en que vemos cómo Batman sabe hacer las piruetas que hace.

La dirección de Nolan es correcta, aunque las secuencias de acción no me convencen mucho, si reconozco que consigue buenos momentos de intriga y suspense cómo es el primer ataque de Batman a los hombres de Falcone. Eso si, Nolan debía de tener prisa en acabarla porque el montaje resulta demasiado brusco en más de una ocasión.
El guión del film lo firma el propio directo junto con Davi S. Goyer, autor tambien de los guiones de “Blade” y director de la olvidable “Blade Trinity”. El guión de Batman Begins” trata bien el origen del personaje, pero cae en clichés antes vistos en las películas predecesoras, para no ir más lejos cuando Batman se muestra al espectador dice la misma primera frase que decía Batman en el film original de Burton.
La dirección artística es correcta, destacando la cueva en donde se esconden los murciélago, o los bajos fondos de Gotham. La fotografía está muy conseguida, dotando al film de una atmósfera propia.
La música es lo mejor del film, no en vano está compuesta por dos grandes, Hans Zimmer y James Newton Howard, quienes imprimen una atmósfera inquietante y épica a la par, consiguiendo que tramos algo cojos se ensalcen (por ejemplo en el combate Wayne-Duckard en el hielo).

El elenco interpretativo es de los más impresionante visto en una película de Superhéroes (y en cualquier película). Christian Bale está formidable como Bruce Wayne/Batman, consiguiendo la personificación más trágica y real del personaje; Michael Caine está correcto como Alfred, el fiel mayordomo de Wayne; igual de correcto está Morgan Freeman como Lucius Foxx, el actor vuelve a hacer de simpático; Liam Neeson vuelve a hacer de mentor como ya hiciera en “Star Wars”, aunque aquí tiene su punto oscuro que lo eleva entre lo mejor del reparto; Ken Watanabe tiene su breve participación como Ras Al´gul, líder de la Liga de las Sombras; Cillian Murphy está bien, aunque un tanto desaprovechado su personaje de Espantapájaros; Gary Oldman está muy bien como James Gordon, futuro teniente, y aliado de Batman, ya iba siendo hora que le dieran papeles de bueno a Drácula; el notable Tom Wilkinson como Carmine Falcone; Katie Holmes es lo más olvidable del reparto, no solo porque su personaje es un tanto absurdo sino porque ella no hace nada por hacerse ver más que poner sonrisitas.

Buena película que revitaliza a Batman en el cine. En el 2008 veremos la continuaciones, esta vez sin David S. Goyer en el guión (menos mal) sustituyéndolo el hermano de Christopher, Jonathan Nolan (y que fue el verdadero creador de la historia de Memento). Además veremos a dos míticos personajes de Batman en el film, Harvey Dent (alias Dos Caras) y el Joker, cuya marca aparece al final del film, interpretado por Heath Ledger. El titulo provisional del film no puede ser más acertado: The Dark Knight.
6,5/10

BSO de la semana: Lawrence de Arabia/Ryan´s Daughter

2006-12-06T12:31:00.000+01:00

Hoy recomendaré dos BSO compuestas por Maurice Jarre para sendos films del gran David Lean.

Lawrence de Arabia: Sensacional composición épica para la película que narra la vida de T. E. Lawrence. El tema principal se ha convertido en un clásico. Insertada en la película adquieren una majestuosidad las imágenes del desierto como ninguna otra película tiene. Destacar la marcha militar que presenta al ejercito británico. Una de las mejores BSO de todos los tiempos.

5/5

Ryan´s Daughter: Composición intima para la historia de amor de Rosy Ryan ambientada en Irlanda. Con tema militar también que usa de forma variante, tanto para los militares como para el personaje de Michael en forma de comedia. Memorable el tema principal de la protagonista. Como pega se puede tachar de repetitivo, sobre todo insertado en el film. Aún así es una buena composición que engrandece una de las películas más discutidas de David Lean.

4/5

Series: Los Simpsons

2006-12-05T15:39:00.000+01:00

Si hay una serie de animación que ha marcado época esa es “Los Simpsons”. Creada por Matt Groening (creador también de Futurama), la serie fue la pionera en series de animación para adultos (como posteriormente se haría “Padre de familia”). Ya que no nos engañemos, “Los Simpsons” es una crítica ácida sobre la sociedad americana en particular, y sobre el ser humano en general. Homer es el fiel reflejo del trabajador medio amante del sofá y de los partidos de futbol, sin olvidarnos de la cerveza; Marge es la ama de casa perfecta; Lisa es la empollona de la escuela y alumna modelo que sueña con cambiar el mundo; Bart es el pandillero que siempre se mete en líos; y Maggie pues aun no ha dicho ninguna palabra. Entre los habitantes del pueblo nos encontramos con el Jefe Wigum, Apu el inmigrante, Barnie el borracho, Moe el barman, Ned Flanders, El Señor Burns y su fiel ayudante (y amante empedernido) Smithers, el actor secundario Bob, Krusty el payaso, etc, etc. La serie ha tenido también estrellas invitadas como Alec Baldwin, Mark Hamill, Mel Gibson, Rossie O´Donnell, Tom Arnold, Bush padre, y muchísimos más.

La serie se ha convertido en un clásico de la pequeña pantalla, emitiéndose desde el año 1989 hasta día de hoy, que sigue obteniendo gran éxito y máximos niveles de audiencia. El próximo (y cercano) año 2007 veremos en la gran pantalla a la familia amarilla y a los habitantes de Springfield. A ver con qué nos sorprenden.

El Camino de los Ingleses, de Antonio Banderas

2006-12-04T11:10:00.000+01:00

Un verano a finales de los 70. Miguelito y sus amigos van a experimentar el amor, el dolor, y el descubrimiento de la madurez. Todos tienen ilusiones, sin embargo muy pocos serán los que encuentren lo que quieren.

La segunda película de Antonio Banderas cómo director, tras la interesante “Crazy in Alabama”, nos muestra un film muy personal y una visión única sobre el descubrimiento de uno mismo y el paso de la juventud a la madurez.

Miguelito es un joven que tras serle extirpado un riñón decide convertirse en poeta, todo gracias a un viejo que compartió habitación de hospital con él y le enseño a amar “La Divina Comedia”. En Luli verá su Beatriz, el amor platónico, la imagen de la perfección femenina y del amor puro. Sin embargo Luli también tiene sus sueños, quiere convertirse en bailarina. La relación entre ambos conducirá a Miguelito a un infierno del que no podrá escapar.
Paco Frontón es el amigo pijo rico de Miguelito. Odia a su padre y lo último que quiere es convertirse en él. Sin embargo, descubrirá que se parece a él más de lo que imagina y verá las cosas de otra forma cuando concluya su viaje. Su novia, La Cuerpo, es su alegría, su escape, pero duda que la quiera de verdad.
Babirusa es un niño abandonado. Su padre lo abandonó de pequeño, motivo por el cual lo odia, mientras que su madre se fue a Inglaterra comenzando allí otra vida. En su viaje a Inglaterra Babirusa cambiará cruzando la fina línea que separa la razón de la locura, transformándose en un ser sin alma ni ilusiones a su regreso. Él cruza el camino pero no lo anda, sencillamente lo visita para luego volver y convertirse en un ser conflictivo.
El Garganta es el que ve y narra la vida de estos amigos en aquel verano. Participa sin participar, testigo de los acontecimientos y visionario en el destino de los jóvenes. Su pasión es la radio, sabe que conseguirá trabajar en ella, solo le hace falta constancia y no rendirse. Él no se detiene en el camino, caminándolo día a día por su sueño.

Basándose en la novela homónima de Antonio Soler (también autor del guión) Banderas crea una película visual como pocas vistas en el reciente cine español. He de decir que no es fácil ver esta película, al contrario, es un film complicado, lleno de múltiples lecturas, poético, que transmite sensaciones, fascinante. Si bien es cierto que se excede en ser demasiado pretencioso y poético en más de una ocasión, no se puede negar que Banderas posee fuerza visual, y una gran inteligencia en la puesta en escena, influenciado sin duda por Almodóvar, tanto en el colorido de las ropas como en una leve referencia a “Hable con ella” en las secuencias de las clases de Ballet, Wong Kar-Wai y su “Deseando Amar”, o incluso conteniendo pequeños destellos de David Lynch como en los recuerdos de Miguelito en el quirófano (el principio de la película es apabullante por la fuerza de las imágenes) o del hombre que le descubrió la poesía y el mundo de Dante. Vi una pequeña similitud también con Michael Winterbotton y su “Wonderland” en el tramo en que Babirusa está en Londres.

Si hay un personaje principal desde el que se puede entender el film (cómo ya digo tiene multitud de lecturas) ese es Miguelito. Desde el principio en el quirófano en que Banderas nos deleita con la imagen de la operación del joven con el baile de una bailarina vestida de rojo sangre, la podríamos entender por el principio del amor del joven a la poesía y a la búsqueda de una musa, la cual estará relacionada con el mundo del Ballet. Cuando conoce a Luli, el joven la ve idílica, perfecta, su Beatriz soñada. Banderas nos muestra a Luli a través de Miguelito de manera onírica, a cámara lenta, como si de un sueño se tratara. Todo ello cambia desde que los jóvenes hacen el amor en casa de Paco, una secuencia violenta e incomoda, que cambia por completo a Miguelito, el cual dejara de ver a Luli como su ninfa, y experimentará un descenso a los infiernos en que tendrá a una profesora como su Virgilio personal. Lo que digo se ve en que cuando el chico está haciendo el amor con Luli la pantalla se impregna de rojo sangre y nos empiezan a aparecer imágenes surrealistas y repetitivas (Miguelito en la piscina).
Sin embargo el momento clave en que se ve cómo todos los amigos han cambiado y no volverán a ser lo que fueron es el momento de la lluvia. Secuencia fundamental en el film, no solo por lo bien dirigida que está sino por lo que ella representa, un bautismo bajo la lluvia de todos, a excepción de Miguelito que los contempla desde la terraza del bar, en que el agua limpia a todos de su pasado, borrando las huellas que dejaron, y convirtiéndolos en nuevas personas, unas personas que han olvidado sus sueños y se han perdido en el camino, apartándose de él.

Con respecto al guión y tratamiento de personajes he de decir que es el punto más flaco de la cinta, junto con la música. El guión de Soler no cuenta una historia concreta fácil de digerir, ni nos define muy bien muchos personajes que quedan desdibujados (la tía de Babirusa por ejemplo), lo cual hace que el espectador no se implique y llegue al aburrimiento e incomprensión. La música de Antonio Meliveo no es mala, pero si resulta aburrida y repetitiva en el film, sin aportar nada a las imágenes, salvo en contadas ocasiones.
Al contrario hay que destacar, junto con la dirección de Banderas, la sensacional fotografía de Xavi Giménez, con colores vivos y sensacionales encuadres (el que tiene Amarilla y Victoria Abril al final con la pantalla impregnada de blanco es memorable).

El elenco interpretativo está muy notorio. Empezando por los veteranos, Juan Diego cumple con su papel de padre autoritario de Paco, un vividor, un hombre que ha ocultado muchas cosas y que al final reconocerá su error enfrentándose a su hijo que no es sino él mismo; Victoria Abril también cumple y poco más, no sé por qué cada frase que dice, cada momento que aparece tenga que tener una importancia tremenda, he de decir que está muy conseguida su creación porque me daba pánico cada vez que salía en pantalla ya que me recordaba una profesora que tuve de pequeño. Ahora vamos a por los actores protagonistas. Alberto Amarilla está muy convincente como Miguelito, aunque le falta algo de vidilla; Raúl Arévalo es Babirusa, sin duda alguna el actor revelación de este año, esta interpretación, junto a la de “Azuloscurocasinegro” hace que merezca todos los elogios por su gran talento a la hora de no desaprovechar ni una frase, su secuencia con Amarilla en que quema sus posters es memorable; Félix Gómez es el pijo Paco, correcto también, el actor sabe sacar partido en las secuencias con Juan Diego; María Ruiz crea a Luli, la imagen de la perfección femenina para miguelito, consiguiendo una interpretación sutil, dulce y muy dramática en el tramo final, una de las jóvenes actrices a destacar. A destacar para mi sopresa a Fran Perea como El Garganta, voz narradora de los acontecimientos, que el actor sabiamente construye centrándose en su voz. El elenco lo completan Marta Nieto como La Cuerpo, Mario Casas como el más joven del grupo de amigos que solo piensa en el sexo, Antonio Garrido cómo Cardona, el vendedor de ropa interior fina que se encapricha con Luli; y Cuca Escribano cómo la tía de babirusa.

Banderas ha creado una película propia, personal, hecha desde el corazón que ha regalado a los espectadores. Prefiero no puntuar esta película por ahora, ya que seguramente con un revisionado tenga otro punto de vista (repito que es un film que tiene múltiples lecturas), no obstante como bien digo no es fácil entrar en ella, el camino que nos muestra es un camino difícil pero que si se anda completamente uno se puede sentir algo más completo.

Philadelphia, de Jonathan Demme

2006-12-01T19:48:00.000+01:00

Andrew Beckett es un joven y prometedor abogado que trabaja para una importante firma en Philadelphia. Encargado de un importante caso, el joven es expulsado del bufete con la excusa de haber perdido los papeles preparatorios para la vista. Sin embargo, Andrew piensa otra razón por la cual le echaron, tiene SIDA. Tan solo un abogado en toda la ciudad estará dispuesto a defenderle contra sus antiguos jefes, Joe Miller.

Coincidiendo con que hoy es el día mundial contra el SIDA, he pensado comentar este film, cuyo primer visionado me causo un gran impacto.
Pongámonos en antecedentes. Tras triunfar en los Oscars con “El silencio de los corderos”, el director Jonathan Demme se dispuso a dirigir una película sobre la homosexualidad y una de las mayores enfermedades asociada a ella, el SIDA. Todo debido al gran revuelo que tuvo su film basado en la novela de Thomas Harris en que el villano era un asesino que buscaba cambiar de sexo.
Con “Philadelphia” el director llegó a los corazones de todo el mundo narrándonos la historia de Andrew Beckett, un abogado homosexual que es despedido de su trabajo por tener la enfermedad.

Lo que podría haber sido una película de juicios más, Demme la transformo en un alegato a favor de las personas homosexuales y con problemas. Si dijéramos que el film va sobre el proceso de Beckett contra sus viejos jefes y amigos estaríamos mintiendo.
“Philadelphia” trata de una amistad, de una aceptación. La que protagonizan Andrew y Joe. La primera secuencia de la película nos muestra a ambos en una habitación frente a un juez enfrentándose por un caso de urbanismo. No imaginamos que estos rivales llegarán a estar de acuerdo en el transcurso del film. Sin embargo, varios meses después Beckett aparece en la oficina de Joe Miller con el pelo rapado y con un aspecto muy desmejorado. El joven abogado, antiguo componente de la prestigiosa firma le relatará al letrado todo su caso recibiendo una negativa. La décima negativa, pues ha visitado anteriormente a nueve abogados en busca de defensor. Será en una biblioteca, donde Joe vea a Andrew leer libros de leyes para su defensa, cuando el abogado se decidirá a defenderle.
¿Por qué Miller acepta ahora y no ha aceptado antes? Quizás porque se ha replanteado los problemas de Beckett, quizás porque se ha puesto en su lugar, o quizás porque se apresuro a la hora de echarlo de su despacho porque no acepta a los homosexuales. Aquí es donde llega el momento de la aceptación por parte de Joe Miller, que no aguanta a parejas homosexuales y que se verá envuelto en un caso defendiendo a uno. Y es que tememos lo que no entendemos. Aún en los 90 la gente veía en los homosexuales personas diferentes, raras. No nos equivoquemos, son iguales que nosotros, tan solo que con diferente orientación sexual, lo cual no tiene nada malo. A la misma vez que Miller se da cuenta de ello nos damos cuenta los espectadores. Lo que era un caso de negligencia por parte de Beckett a la hora de perder un documento se convertirá en un juicio y estudio acerca de las personas homosexuales, demostrando la cantidad de personas que discriminan a dicho grupo y los repelen.

Solo por ello la película ya es más que interesante y valiente, pero no se queda ahí, sino que Demme mete más el dedo en la llaga y habla de algo mas duro como es el SIDA. La presentación de dicha enfermedad en la película es de las más realistas y duras que he visto jamás en una película. Quizás por ello “Philadelphia” sea de las películas más impactantes que recuerdo haber visto. Cada secuencia en que Andrew Beckett aparece en el juicio; su primera visita al médico en que observa enfermos como él; la visita a la casa de sus padres y el apoyo que le dan; la fiesta que hace en su casa y el emotivo baile con su compañero sentimental, Miguel; y el momento más impactante de todos en mi opinión, el baile de la “Mamma Morta” en que Beckett se levanta frente a Joe Miller y se emociona a la vez que la voz de Maria Callas envuelve la habitación y el alma de Andrew (por no decir también la del espectador que está con un nudo en la garganta).

Jonathan Demme dirige a su manera, con abusos de primeros planos a la hora de establecer conversaciones, y poniendose al servicio del actor. Memorable el momento en que Tom Hanks emocionado vive la canción de Maria Callas y la habitación se impregna de rojo. También utiliza fragmentos grabados con cámara de video cómo el momento de la llegada de Andy a casa de sus padres.
Para dar vida a Andrew Beckett se eligió a Tom Hanks, conocido por sus papeles cómicos, que demostró su talento dramático que lo ha encumbrado y lo ha convertido en uno de los mejores actores americanos de los últimos años. Su composición de Andrew Beckett es magistral, sutil, sufrida, milimétrica, no en vano perdió 26 kilos para representar cuando su personaje está en la última fase de la enfermedad. El momento en que está declarando en el estrado es digno de mención. Uno de sus mejores papeles, y un punto de inflexión en su carrera. Denzel Washngton es Joe Miller, el abogado que sale en la tele (conocido por la gente como el tío de la tele). Siente repelús por los homosexuales, es un buen esposo y padre. Su caso junto a Beckett y conocerle mejor le llevará a ver las cosas de otro modo. Jason Robards es Charles Weeler, jefe de Andrew y su principal enemigo en los tribunales. Andrew tan solo quiere de él que reconozca que lo echaron porque es homosexual y no porque se equivocara en el trabajo. Joanne Wodward como la madre de Andrew. Mary Steenburgen como la defensora de la antigua firma de Andrew. Antonio Banderas es Miguel, el compañero sentimental de Andrew, quien estará con él hasta el final. Citar que varios homosexuales enfermos de SIDA aparecieron en el film como extras o secundarios, muchos de los cuales murieron antes de que la película llegará a las pantallas
La BSO de la película corrió a cargo de Howard Shore, pero si por algo fue famosa y conocida fue por la mítica canción que compuso Bruce Springsteen, “Streets of Philadelphia”, que salía en los créditos del principio del film en lugar de la de Neil Young que se quedó para el final del film.
De entre los premios que ganó destacar los Oscars correspondientes a Mejor Actor para Hanks (que también se llevo el Oso de Plata en Berlín y el Globo de Oro) y Mejor Canción para Springsteen.

Estupenda película de Jonathan Demme acerca del rechazo y aceptación de los homosexuales y de una enfermedad que asusto a mucha gente cuando se dio a conocer. Una película valiente y humilde, pero dura como la vida. Hanks y Washington llegan a la perfección en sus respectivos papeles. La canción de Springsteen hizo el resto.
7,5/10

Casino Royale, de Martin Campbell

2006-11-30T11:53:00.000+01:00

James Bond es ascendido como agente doble 0, a pesar de sus métodos bruscos y violentos. Su nueva misión le lleva hasta el Casino Royale en Montenegro en donde tendrá que vérselas con Le Chiffre, que financia el terrorismo, en una partida de cartas. Junto a Bond estará la bella Vesper Lynd, quien le ayudará a la hora de entrar en la partida.

Vigésimo primera aventura oficial del agente 007 en las pantallas (si obviamos la parodia realizada en 1967 y la película de Connery “Nunca digas nunca Jamás”). Después de la partida de Brosnan como Bond y la posterior compra de la MGM por Sony, estaba claro que el rumbo que iba a tomar la franquicia iba a ser distinto a lo anterior vivido. De entrada, ya se dio a conocer la nueva a ventura del famoso agente británico, nada más y nada menos que “Casino Royale”, la primera novela que escribió sobre el personaje Ian Flemming, y que el mismísimo Tarantino mostró su interés por dirigirla, para halago a los productores, aunque al final se quedo a las puertas. Y es que esta “Casino Royale” no ha estado exenta de polémica desde que se dio a conocer el nombre del nuevo James Bond, el notable actor Daniel Craig, que ha participado en películas tan memorables cómo “Camino a la Perdición” o “Munich”. Desde su presentación oficial ha habido muchas personas que han alzado sus voces en contra de dicha elección, aunque cómo yo siempre digo, será mejor esperar al resultado final. Y ya lo tenemos aquí.

Para empezar tengo que decir que este James Bond es un nuevo James Bond, de echo en el título deberían haberle subtitulado algo como “James Bond Begins”, porque esto es un renacer del personaje, algo nunca visto antes. Y es que al tratarse de la primera novela de Flemming, los productores han querido ser fieles y convertirla en la primera misión cinematográfica del personaje eludiendo las veinte películas anteriores. Para muchos seguro que es un craso error, pero yo creo que siempre viene bien tomar algún que otro nuevo rumbo.
El principio no es el típico en que salen los circulitos y el personaje aparece disparando hacía el espectador, no. En esta ocasión la pantalla se nos vuelve en Blanco y Negro ya en los logos de las productoras para comenzar con un brevísimo prólogo en que Bond va a pasar de ser un mandado a agente doble 0. En ese breve prólogo seremos testigos de la dureza y mala leche que gasta el agente, además de su frialdad, nunca expresada antes de tal manera. De ahí pasamos a la habitual canción de turno con lo títulos de crédito.
Seguidamente veremos que Bond es un fuera de la ley dentro del MI6, alguien que hace las cosas a su manera como meterse en una embajada y volar un tanque explosivo. A su jefe, M, la trae loca, y más si el agente sabe cómo meterse en su casa para introducirse en su ordenador. Posteriormente irá por libre siguiendo una pista que le conducirá hasta Le Chiffre, a quien sus superiores le ordenaran seguir y jugar con él una partida de poker en Montenegro, desplumando al tipo y consiguiendo con él un trato para que les entregue a los terroristas a quien financia.
Entre todo eso, Bond se hinchara a palos con el que se ponga en su camino, dándoles de ostias (perdón por la expresión) que los pondrá a gusto.

El Bond protagonista de esta película es un Bond frío, duro, impulsivo, con cara de mala leche, de gatillo fácil (anda que no es rápido con la pistolita), pero que también sangra, sufre y lo pasa mal. Si estábamos acostumbrados a que a 007 sólo le saliera una cicatriz en la ceja o un poco de sangre de la boca, aquí Bond sangra por todos los poros, se romperá los nudillos, y tendrá cicatrices a mansalva por el rostro. También protagonizará una cruel tortura, y en mi opinión una de las mejores secuencias de todo el film, en que castigarán sus partes nobles. Eso si que es pasarlo mal, con razón el hombre tiene los humos que tiene.
Otro punto a diferencia de sus predecesoras, el villano. Porque ¿cuántos villanos tiene “Casino Royale”? Vale que Le Chiffre es un mal nacido que ayuda a financiar al terrorismo, pero también tenemos a los africanos, al que está por encima de Le Chiffre, y unos cuantos más. Si es que está película no va de un tío que quiere destruir el mundo ni dominarlo, sino de la financiación al terrorismo y la cantidad de piezas que se mueven, ya sea por interés o en contra de su voluntad.
Ahora hablemos de la chica. Vesper Lynd es la ayuda de Bond en Montenegro, a pesar de que no se lleven bien al principio. Ya iba siendo hora que alguna chica Bond fuera capaz de echarle en cara a 007 su machismo y egocentrismo. Si bien es cierto que con ella protagonizará algún que otro momento cómico que me recordó ligeramente a “Sr. Y Sra. Smith” (el momento en que hablan de la ropa que ponerse), todas las demás secuencias que protagonizan estás perfectamente tratadas y son de los mejor de la cinta, destacando el sensacional momento de la ducha. Además que puedo decir, sin ningún tipo de spoiler, que gracias a Vesper Lynd entendemos un poco por que Bond se comporta posteriormente con las mujeres de la forma en que lo hace.

La dirección corre a cargo de Martin Campbell, que ya presentó a Pierce Brosnan como agente 007 en “Goldeneye” y ahora ha hecho lo propio con Daniel Craig en esta nueva película. Entre ambos films la diferencia es significativa. Reconozco que me gustan las pelis Bond de Brosnan, pero “Goldeneye” siempre la he considerado algo fallida en el sentido que le faltaba acción y de que algunos personajes eran muy agotadores. Pues bien, será por eso que “Casino Royale” la considere mejor película, porque tiene acción a raudales muy bien llevada y encauzada por Campbell considerando que es un encargo y que su anterior film fue la decepcionante “La Leyenda del Zorro”. Además consigue planos más que buenos, y como he citado anteriormente, la secuencia de la tortura merece estar ya entre las clásicas de la Saga.
En la escritura del guión ha intervenido Paul Haggis, guionista de “Million Dollar Baby”, “Flags of our Fathers”, y de la sobrevalorada “Crash” que también dirigió. Creo que es a él a quien le debemos dar las gracias por introducir violencia y un toque de realidad, y por habernos convertido a James en el nuevo Bond que es, con cierto cinismo y una frialdad característica de un asesino (no se por qué, pero creo que a este hombre le gusta mucho “24”, porque si este Bond coincide con Jack Bauer pueden destrozar todo un país).
La música vuelve a correr a cargo de David Arnold, que inteligentemente no usa hasta el final el mítico tema de Bond. Su música es muy buena, sobre todo en los momentos en que James y Vesper están a solas.

El elenco interpretativo está formado por Mads Mikkelsen como Le Chiffre, el banquero que llora sangre y financia actividades terroristas; Jeffrey Wright como Felix Leiter, un aliado de Bond en el juego; Giancarlo Giannini como el enlace de Bond en Montenegro, Mathis; y Judi Dench repitiendo por quinta vez su rol de M, quizás un error ya que si es la primera misión de Bond deberían haber contratado a otra persona que rompiera totalmente con lo anterior, pero siempre es agradable ver a la actriz británica. Destacan sobre todo Daniel Craig como James Bond, para que los que no creían en él vean que queda muy bien como agente secreto, y cómo sin poseer el atractivo que tenían sus predecesores llena la pantalla cuando sale de smoking. Quizás su rostro de tipo duro lo encauzaba más bien hacia el papel de villano, pero ha sido una elección muy inteligente y valiente por parte de los productores. Eva Green está muy bien como Vesper Lynd, su simple belleza ya hubiera sido suficiente, pero si además le añadimos que la muchacha tiene talento interpretativo altamente demostrado la cosa está más que salvada.

Buena película de acción que marca un punto y a parte con el resto de la Saga Bond. Tanto Craig como Green se comen la pantalla y las escenas de acción están muy logradas. Un divertimento de primera. A ver con que nos sorprenden en la próxima aventura Bond.
7/10

El Perfume, de Tom Tykwer

2006-11-29T10:33:00.000+01:00

Francia. S. XVIII. Jean Baptiste Grenouille es abandonado recién nacido por su madre en un mercado, rodeado por el hedor a pescado. Recogido y llevado a un hospicio, el muchacho se criará en él sin hacer demasiadas amistades. Tiene un don único: es capaz de captar el olor, la esencia de las cosas, por insignificantes que sean. Aprenderá a destilar aromas de mano del famoso perfumista Giussepe Baldini. Pero él quiere más, atrapar la esencia de cosas como el cobre, la plata, o las mujeres.

La novela de Patrick Suskind ha dado mucho que hablar a la hora de ser llevada al cine. Fue uno de los sueños de Stanley Kubrick, el cual admitió que era inadaptable cinematográficamente. Y en cierta parte, y viendo el resultado final de la cinta de Tom Tykwer, podemos decir que tenia cierta razón.
La película funciona por sí sola como un thriller histórico con una perfección técnica abrumadora. Sin embargo, mirando al original literario en que se basa, a uno le queda el regustillo final de haber captado sólo una cuarta parte de la novela.
Si a un servidor le gustó la novela de Suskind no fue por sus trama criminal, sino por el protagonista. Jean Baptiste Grenouille es un joven que un don muy especial como es el captar la esencia de las cosas, sin embargo no es capaz de captar su olor, su esencia personal. Es por esa razón por la cual mata a jóvenes muchachas, para arrebatarles lo que él no posee, además de por contener el olor más puro del mundo. Y es que Grenouille ansía poseer lo que tienen los demás, una personalidad, una vida. Quiere ser alguien. La única persona que lo trata bien es Baldini, y en cierto modo porque el muchacho le consigue al viejo perfumista combinaciones para nuevos perfumes que le volverán a colocar en una posición privilegiada en el mundo.
Eso hablando del libro, ahora bien en el film esto que he comentado es banal. No sabemos que Grenouille no tiene olor hasta la hora de película, por lo cual nos cuesta imaginar el por qué de su ansía por matar a las jóvenes.
Empezaré a hablar de la película con referencia al libro y las partes que no me han gustado. Para empezar, lo citado anteriormente, la tardanza por descubrirnos la razón por la que Jean Baptiste desea captar la esencia de las cosas; en segundo lugar la bajada de ritmo que tiene el film cuando el protagonista deja París y su estancia en las montañas, algo tan importante en lo literario y que en pantalla no llega a durar más de dos minutos; lo poco que se nos muestra el oficio de Grenouille cómo perfumista, mientras que en el libro llega a ser reconocido, en pantalla no parece más que está haciendo un perfume a espaldas de sus amos; y para terminar, lo que más me decepciono sobremanera es la secuencia comentada hasta la saciedad de la orgía, que fue rodada en Barcelona y coreografiada por La Fura del Bauls, porque me la esperaba más grotesca, violenta, desagradable, difícil de ver, tal y cómo pasaba con la novela cuando llegaba ese momento y los presentes en la plaza empezaban a fornicar unos con otros violentamente, mientras que en la película parece que estamos viendo el nuevo anuncio de Nochebuena, y lo mejor es que, cuando toda la muchedumbre sale sucia con sus harapos, las caras llenas de barro y asquerosas, en el momento de la orgía no sé por qué todo se vuelve blanco inmaculado y todos aparecen limpitos bajo sus ropas. Eso sí, he de decir que me encantó el plano cenital del pañuelo volando sobre el populacho acompañado por la brillante música. También citar que no me gustó en absoluto el plano final con el que se cierra el film, me parece muy comercial y previsible.

Ahora vamos a hablar cosas buenas del film. La ambientación es fenomenal, muy cuidada, uno llega a captar la esencia de la Francia del XVIII con sus calles sucias. Los detalles de las cosas que huele Grenouille muy acertadas, desde el principio en el mercado de pescado, hasta que pasea por la calle y va oliendo cada nuevo aroma, y por supuesto su primera victima, la personificación de la pureza y la virtud, quizás por esta razón ya merezca Tykwer un aplauso, pues captar las cosas tal y cómo las describía el libro era muy difícil. La presentación del personaje de Grenouille en el primer plano del film es buenísima, cómo de la oscuridad aparecerá el protagonista, o más bien la protagonista, la nariz del muchacho, aunque también he de decir que Tykwer abusa demasiado del plano detalle de la nariz en el primer tramo del film. Las secuencias en que Grenouille persigue a su primera victima por las calles son asombrosas, jugando con la luz, sobre todo en el plano fijo en que ella está en primer termino y el muchacho aparece de entre las sombras hasta su hombro. De la misma manera citar dos planos en que aparecen en el mismo pero sin verse Grenouille y Laura (cuando la joven está frente a la tumba de su madre, y momentos después en el callejón). Las secuencias de tensión e intriga están muy bien construidas, como las citadas anteriormente o la protagonizada en un jardín-laberinto. La fotografía del film está cuidadisima, y da inquietud en los momentos adecuados, uno de los mejores puntos a destacar. La música del film queda muy bien insertada en el film, y aunque a veces resulta repetitiva es muy adecuada en más de una ocasión.

La dirección del alemán Tom Tykwer es muy buena, con una fuerza visual a la hora de plasmar el mundo que rodea a Jean Baptiste muy meritoria. El director, conocido por “Corre Lola, Corre” o “La Princesa y el Guerrero”, sabe sacar partido a las secuencias en que hablan los silencios, las miradas, incluso, podemos decir, los olores. Si bien le puedo achacar algún exceso visual inadecuado (ese travelling aéreo a través de las montañas hasta llegar hasta Laura galopando a caballo) he de decir que el director ha conseguido un película muy espectacular visualmente.
La producción del film ha corrido a cargo de Bernd Eichinberg, quien ya contribuyo a la adaptación de otra celebre novela historica, “El Nombre de la Rosa”.
La película, financiada entre Alemania y Francia, ha contado también con España en la producción, por lo cual está es otra superproducción en lo que va de año para nuestro país junto con “Alatriste”, “Los Borgia” y “El laberinto del Fauno”.

El reparto está perfecto. Con un magistral trabajo de Ben Whishaw como Jean Baptiste Grenouille, centrándose en la mirada, los gestos, con los cuales nos transmite todo lo que siente su personajes. Grenouille apenas habla en el film, lo que da más merito a Whinshaw a la hora de transmitirnos todo mediante la expresión corporal. Le secundan Alan Rickman como Antoine Richis, un noble de la sociedad francesa, Rachel Hurd-Wood como la bella Laura, que con su simple belezaz pelirroja ya llena la pantalla. Mención especial para el magistral Dustin Hoffman y su composición del perfumista Baldini, cada momento en que el actor sale en pantalla es un momento para agradecer al director que haya contado con él.

Buena película histórica, que aunque no llega a captar del todo la esencia de la novela en que se basa, si consigue traernos cine bien realizado y de buena calidad.
6,5/10

36, de Olivier Marchal

2006-11-28T13:06:00.000+01:00

El departamento de policía de París está tras la busca y captura de un grupo de ladrones que asaltan carros blindados con dinero. La investigación será llevada a cabo por dos policías, antiguos compañeros, y sus respectivos equipos. El primero que atrape a la banda será el nuevo capitán de policía. La investigación se convertirá en una carrera entre ambos de la que solo uno saldrá triunfante.

Sorprendente. Es la palabra que se me aparece cada vez que pienso en este thriller policiaco francés. Un film con una notable factura, un guión muy cuidado y unos sobresalientes actores.
Si hace poco hablaba de “Infernal Affairs” como la “Heat” china, en está ocasión hemos de hablar de “36” cómo la “Heat” francesa. En está ocasión los rivales no son policía y criminal, sino policía contra policía. Lo que hace más interesante el asunto. Y más si entre ambos ha habido un lazo de unión que pertenece al pasado y que nunca sabemos por qué se rompió. Desde ese momento ambos han mantenido una rivalidad en el cuerpo que les ha convertido en enemigos.

La película comienza de manera inteligente mostrándonos al personaje de Leo Vrinks encerrado en prisión llorando para dar paso a un flashback en que vemos como unos motoristas roban el nombre de una calle y se lo llevan a dicho personaje. En ese momento el espectador piensa que Vrinks es el jefe de una banda de ladrones. Sin embargo después comprobamos que dicha señalización es el regalo de despedida para un compañero que se traslada.
Después Vrinks y su compañero (el que se traslada) se pondrán a trabajar en el caso de los furgones, pues ha habido otro atraco. En la escena del crimen se encontrarán con Denis Klein, el antiguo compañero de Vrinks, y ya entonces veremos la distancia que separa a ambos personajes.

Mientras que Vrinks quiere atrapar a los ladrones por cumplir con su trabajo y ser un buen policía, Klein desea atraparlos por tener el puesto de Jefe y demostrar que es el mejor, a pesar de los sucios métodos que gasta a la hora de trabajar.
El film muestra cómo los dos policías se encuentran con sus respectivos soplones, insertando ahí otra trama más que enriquece a la cinta y la convierte en algo más que en una película de policías, introduciéndonos en el departamento de policía, y mostrándonos que ningún policía, por muy bueno y muy bien que quiera hacer su trabajo, se libra de la corrupción, ya sea a mayor o menor escala.

Entre el reparto nos encontramos a Daniel Auteuil como el agente Vrinks y a Gerard Depardieu como Klein. Un duelo de titanes entre dos de los mejores actores francese que existen. Sus momentos en pantalla no tienen nada que envidiar a los protagonizados por DeNiro y Pacino o Leung y Lau.

Un thriller inteligente, de las más agradables sorpresas que me he llevado recientemente en una película estrenada en nuestro país directamente en DVD con el infumable título de “Asuntos Pendientes”.
7/10

BSO de la semana: Amélie

2006-11-25T09:29:00.000+01:00

Le Fabuleux Destin d`Amélie Poulain de Yann Tiersen: Para el mágico film de Jean-Pierre Jeunet, el director contó con la colaboración del compositor francés. Aclarar que dicha Banda Sonora no es del todo original, ya que muchos de los temas ya estaban compuestos y editados en discos previos de Tiersen. Sin embargo su buena utilización en la película parece que estuviera pensada para la mísma. Con predominio del acordeón el piano, son memorables los momentos en que Amélie camina por la calle para ayudar a cruzar al ciego, cuando observa a Don Cristal desde su ventana, o el maravilloso momento de los besos con el personaje de Mathieu Kassovitz. Una Joya de disco que todo amante de las Bandas Sonoras, y de la música en general, debería tener.

5/5

The illusionist, de Neil Burger

2006-11-23T12:46:00.000+01:00

Viena. Finales del S. XIX. Llega a la ciudad el mago Eisenheim, que maravilla a todos los espectadores con trucos inimaginables. Sus poderes llegan a oídos del príncipe de Viena que acompañado por su prometida, Sophie Von Teschen, se presenta como espectador en el teatro en que el mago actúa y comprobar tan excepcionales dotes. Cuando Eisenheim vea a Sophie reconocerá en ella a su amor de juventud, comenzando así una rivalidad entre él y el prícipe, que manda a su jefe de policía, Uhl, desenmascarar a Eisenheim y demostrar que es un impostor y manipulador.

Primera película de magos que nos llega este año a espera de “The Prestige” de Christopher Nolan (que se estrenará en Enero). Más cercana a una película romántica de época, “El Ilusionista” nos narra la historia de Eisenheim y cómo maravilló a las gentes de Viena con sus trucos. Para darle vidilla al asunto meten la obligatoria historia de amor con la prometida del príncipe, que, cómo no, es el malo malísimo de la función.
La película es un enorme flashback narrado por la voz en off del inspector Uhl. Seremos testigos de cómo Eisenheim y Sophie se conocieron, cómo fueron separados y cómo el joven comienza a introducirse en el mundo de la magia. A partir de ahí seremos sorprendidos, como el resto del público de la película, por la primera intervención de Eisenheim, una sucesión de trucos de manos bien realizados. Claro, tras ver esto y ver que no lleva ni 20 minutos el film, creemos que la cosa va a ir a más, pero no. Las intervenciones del mago son siempre del mismo estilo, muy elegantes eso sí, pero no tienen un in crescendo que sorprenda como debiere. Ni siquiera el discutido final, tan sorprendente como dicen, llega a impresionar. Si bien es cierto que puede maravillar y pillar desprevenido al espectador un segundo, se huele lo que está pasando desde el principio. A pesar de ello, todos los trucos están muy bien llevados a la pantalla gracias a la puesta en escena del director Neil Burger, ver por ejemplo el momento en que se realiza el truco del árbol de naranjos y cómo la cámara gira en torno a la maceta sin cortar para dejarnos sorprendidos. Con respecto al final, he de decir que quedé un tato decepcionado porque me pareció una copia de la magnifica “Sospechosos Habituales”, y no algo más original como exigía el relato.
La historia de amor, al contrario, llega a ser previsible y típica. Desde el primer momento en que se ven los dos en el teatro sabemos lo que va a pasar. Tampoco ayuda mucho que el villano sea el cliché en estas producciones, o sea un gobernante malo malísimo que trata mal a sus mujeres.
El personaje del inspector Uhl es el mejor tratado del film. Un hombre que siente simpatía por Eisenheim, a quien se le ha mandado investigar. Quiere ser un buen policía a pesar de las consecuencias que eso conlleve con el príncipe.

Segunda película de Neil Burger tras “Interview with the Assassin”. En esta ocasión se decanta por una puesta en escena correcta y muy clásica, sobria por momentos. Debido al bajo presupuesto del film supongo que no pudo jugar más con los escenarios, prueba de esto es que siempre que se dirigen a Palacio se ve la misma vista. La fotografía oscura es de gran ayuda en las intervenciones de Esenheim, al igual que la elegante partitura de Phillip Glass. El film está basado en el relato del ganador del Pulitzer Steven Millhauser “Eisenheim the Illusionist”
El elenco interpretativo está correcto, destacando los siempre excelentes Edward Norton que dota a Eisenheim de seriedad y un leve toque de misterio, y Paul Giamatti como el inspector Uhl (seguro que lo vuelven a nominar al Oscar como secundario). Jessica Biel cambia de registro aquí para dar vida a Sophie, consiguiendo una buena interpretación de la prometida del príncipe. Rufus Sewell vuelve a repetir su papel de malo como el príncipe Leopold.

Buen film de magos, con unos trucos bien realizados, un final un tanto previsible y una historia de amor trillada hasta la saciedad. Aún así la elegante dirección y el buen trabajo de los actores hacen que esta sea una de las películas más interesantes de la temporada.

6/10

Proximamente: Fanboys

2006-11-14T12:22:00.000+01:00

Por fin se nos va a hacer justicia a los fans de Star Wars con esta película protagonizada por un grupo de amigos fans de la Saga Galactica.

La trama se situa en Noviembre de 1998, cuando este grupo de amigos decide dirigirse al Rancho Skywalker y ver antes que nadie la película del "Episodio I La Amenaza Fantasma".

En el viaje tendrán que sobrepasar varios obstaculos (todos ellos relacionados con la Trilogía Original) y enfrentarse a sus mayores enemigos, los trekkies.

Si bien es cierto que se puede convertir en la película friki del año proximo (y la que debería haber realizado Kevin Smith), viendo algunas imagenes uno se pone las manos en la cabeza pues tiene escenas chorras típicas de comedia juvenil a lo "American Pie" que podrían echar al traste el planteamiento.

Entre los participantes del reaparto citar que aparecen Ray Park (Darth Maul) como un agente de seguridad de LucasFilm, Billy Dee Williams (Lando Callrisian), o William Shatner (El capitán Kirk). Mi sorpresa no fue al ver estos pariticipantes sino al comprobar que la película está producida por Kevin Spacey, el cual no me extrañará que tuviera un cameo (¿Como Lex Luthor?).

Espero que el film llegue aqui porque tengo muchas ganas de verla y promete más de una risa para los fans de Star Wars.

Hasta entonces.

¡Qué el frikismo nos acompañe!